Yacine et Coline sont en vacances chez leur tante, Léna, éminente scientifique qu’accompagne partout un petit colibri. À l’occasion d’une promenade dans la campagne, les enfants s’interrogent?
Chronique : A la découverte du vivant » peut être traduite par ce qui suggère une exploration ou une enquête sur le monde naturel et ses organismes vivants.
En supposant qu’il s’agisse du sens voulu, une critique possible est que l’expression est assez large et générale, manquant de spécificité. Elle pourrait faire référence à un certain nombre de disciplines scientifiques, telles que la biologie, l’écologie ou la zoologie. Sans contexte supplémentaire, il n’est pas clair à quel aspect spécifique du monde vivant la phrase fait référence.
Une autre critique potentielle est que l’expression est quelque peu vague et non descriptive. Elle ne donne aucune indication sur les méthodes ou les outils utilisés pour faire la découverte, sur les questions ou les hypothèses particulières qui sont étudiées, ou sur le but ultime de la découverte.
Dans l’ensemble, bien que le livre soit poétique et évocatrice il bénéficie d’un contexte ou d’une spécificité supplémentaire pour transmettre plus clairement sa signification et son objectif.
ASIN : B0BNKL8S1R Éditeur : MARTINIERE J; Illustrated édition (7 avril 2023) Langue : Français Relié : 40 pages ISBN-13 : 979-1040114154 Âge de lecture : Dès 6 ans
À contresens est un véritable hymne à l’émancipation et à la liberté. À l’idée que malgré nos différences, nous pouvons prendre notre envol et nous émanciper peu importe ce que les autres diront. Un véritable bijou d’album décomplexant à glisser entre le plus de mains possibles.
Chronique : Le livre À contresens de Jean-Yves Casterman est une véritable ode à l’émancipation et à la liberté. Il encourage l’idée que, malgré nos différences, nous avons le pouvoir de prendre notre envol et de nous libérer de l’oppression sociale. Cette œuvre est un bijou d’album décomplexant qui mérite d’être lu par le plus grand nombre possible. Son message fort et positif est une source d’inspiration pour tous ceux qui ont besoin d’un coup de pouce pour trouver leur propre chemin dans la vie. À contresens est un livre qui ne manquera pas de toucher les cœurs et d’encourager les esprits. L’écriture de Casterman est comme poétique et introspective, et le livre est salué pour son approche réaliste et émouvante de la vie quotidienne.
Chronique : C’est un vrai régal ! Les illustrations sont magnifiques en elles-mêmes, mais si l’on ajoute à cela les superbes papiers découpés sur chaque page, c’est tout simplement sublime. C’est aussi un abécédaire intelligent qui passe facilement d’un animal à l’autre et laisse les enfants deviner la suite.
Un aspect très remarquable est que parmi les animaux qui apparaissent, on trouve les animaux habituels comme l’éléphant, le tigre ou le kangourou et d’autres moins connus comme l’oiseau parapluie, le yak ou la caille, en passant par toutes les tailles, toutes les espèces et tous les habitats.
Le livre est dépourvu de texte excessif, mais cela n’enlève rien à son intérêt ; au contraire, cela permet à l’adulte de jouer avec l’enfant et de l’utiliser comme une ressource à sa convenance. Par exemple, s’il est utilisé avec des enfants de moins de trois ans, il est possible de mettre l’accent sur le nom, les couleurs, les tailles, les petits détails, les sons, l’habitat et même les capacités de chaque animal. Avec des enfants de trois à quatre ans, ces idées peuvent être développées davantage, en leur permettant d’expérimenter et de manipuler les pages. À partir de quatre ans, il peut s’agir d’une bonne ressource pour encourager une recherche plus approfondie sur ces animaux.
L’un des éléments de cette édition est le nombre de surprises contenues dans ses pages grâce à d’éblouissants dépliants et à d’amusantes découpes.
En conclusion, je pense qu’il s’agit d’une excellente ressource que les parents et les éducateurs peuvent utiliser avec les enfants, car les pages colorées et dynamiques peuvent aider les enfants à développer certaines aptitudes perceptives telles que la manipulation ou la visualisation, ainsi que des aptitudes cognitives telles que l’attention, l’observation et la mémorisation, elles révèlent une nouvelle façon de travailler avec les livres, elles sont interactives, elles encouragent le goût de la lecture et, surtout, elles leur permettent d’apprendre d’une manière ludique et attrayante.
Je le recommande vivement, principalement aux parents, éducateurs et enseignants, mais aussi aux adultes qui aiment les livres d’animaux, les livres d’images ou qui veulent découvrir un nouveau monde de beauté et de couleurs.
Le soir de Noël, quand un groupe de mercenaires entre par effraction sur la propriété d’une famille aisée qu’ils prennent en otage, ils vont devoir affronter un adversaire auquel ils ne s’attendaient pas : Le Père Noël est dans la place et il va leur montrer que ce bon vieux Saint Nicolas a plus d’un tour dans sa hotte.
Chronique : C’est le mois avant Noël qu’arrive Violent Night, un broyeur de crâne tapageur qui revêt une puissance d’action féroce. Le réalisateur Tommy Wirkola honore Die Hard et Home Alone avec soin, dans l’espoir qu’un Père Noël barbare le ferait – je plaisante, les rimes s’arrêtent ici. Il n’y a aucune raison de détourner l’attention de mon enthousiasme pour un mélange de traditions de vacances Hallmark et de séquences de combat sanglantes du cinéaste derrière Dead Snows et Hansel & Gretel: Witch Hunters. Violent Night vend son scénario d’otage au parfum de pain d’épice avec l’innocence ironique du pays des merveilles hivernales, puis le vieux Saint Nick devient un guerrier fou avec un marteau de forgeron.
David Harbour s’amuse apparemment en tant que Père Noël, souffrant actuellement d’une crise de foi due aux habitudes de plus en plus vilaines de la civilisation. Une autre année à voler autour du monde, à offrir aux enfants bratty des appareils électroniques qui seront obsolètes dans quelques semaines – l’esprit de Noël du Père Noël s’estompe. Son prochain arrêt ? Le complexe résidentiel Lightstone où la matriarche Gertrude (Beverly D’Angelo) accueille à nouveau son fils Jason (Alex Hassell), sa fille Alva (Edi Patterson), la famille qui l’accompagne et toute l’aide de restauration embauchée. Le Père Noël craque dans des biscuits faits maison et vibre dans un fauteuil de massage de luxe, vivant la belle vie jusqu’à ce qu’il entende des coups de feu. Entrez John Leguizamo en tant que criminel détestant Noël (« M. Scrooge », il se fait appeler) à la recherche des millions voûtés de Gertrude, faisant exploser son arme de poing et menaçant même Jason ‘
Violent Night assombrit votre drame de Noël syndiqué moyen avec des résidus de charbon en présentant les Lightstones comme des élites dysfonctionnelles qui ont perdu la joie avec leur houx. Alva est une alcoolique méchante, son mari Morgan (Cam Gigandet) est une star de l’action D-list en herbe à la recherche de producteurs, et l’introduction de Gertrude comprend métaphoriquement la torréfaction des châtaignes d’un sénateur sans remords. Violent Night adopte l’approche Krampus de Michael Dougherty consistant à enseigner des leçons de vacances saines avec de fortes doses de danger, sauf que Violent Night échange d’horribles créatures contre des hommes de main mutilés se tenant à la portée du Père Noël. Pas de monstres tout-terrain, seulement des lames de chasse-neige vrombissantes, des pointes de glaçons et des patins à glace aiguisés comme arsenal improvisé du Père Noël
Le scénario de Pat Casey et Josh Miller est agressif sur le nez, appelant des influences et des rythmes de narration comme Rudolph pointant vers son nez rouge clignotant. Les scènes ne se contentent pas de recréer avec effronterie Home Alone – les personnages diront à haute voix à quel point une séquence ressemble à Maman j’ai raté l’avion. Violent Night vit pour divertir en transformant les célèbres lignes de chants de Noël en slogans badass du Père Noël pendant la bataille ou en salissant l’innocence de Noël de Trudy. Le script peut se lire comme initialement ringard puisque l’élan prend quelques battements pour commencer à faire boule de neige, mais ensuite les décapitations commencent, et les sensibilités brutales de Wirkola inaugurent les coups aux heures de grande écoute.
La transformation de Harbour en un Père Noël grisonnant et tatoué montre un acteur aimant chaque seconde à l’écran. Le Père Noël n’est pas invincible, et les séquences de combat chorégraphiées ne sont pas fantastiquement surpassées. C’est le John McClaneisms comme allongé calmement épuisé à côté de cadavres ou de rires chaleureux alors que les soldats explosent après qu’il ait fourré une grenade dans leur « bas ». Beverly D’Angelo, Cam Gigandet et les autres jouent des stéréotypes cimentés, tandis que Harbour réinvente le Père Noël en héros d’action musclé avec seulement de la magie du nez scintillant, un sac de jouets sans fin et un parchemin lisible avec « coquin ». noms d’ennemis. La réinitialisation est tout Harbour traduisant de précieuses images de vacances en une punition brutale pour les mercenaires.
Avec une ouverture plus zippée, Violent Night aurait atteint un niveau supérieur. Lorsque Harbour est hors caméra, il y a moins de raisons d’être enthousiaste.. Harbour est l’arme pas si secrète de Violent Night, qui devient évidente lorsque Wirkola met en scène une séquence de combat qui change la donne sur un autre hit de Noël adapté à la radio qui élève l’intensité et établit une nouvelle norme pour aller de l’avant. C’est alors que Violent Night passe à l’overdrive, lorsque des nouvelles sanglantes éclatent et que les plus vilains sont sans pitié, de la même manière que Deadly Games de 1989 se transforme d’un thriller de Noël « ludique » en une guerre de décembre pleine de suspense.
Dans Violent Night, rien n’est calme et les explosions enflammées sont lumineuses. Le réalisateur Tommy Wirkola protège la joie sentimentale des fêtes dans une vitrine de David Harbour qui devient plus folle que cassante aux cacahuètes. Violent Night peut prendre une minute chaude pour trouver sa place et continue de cueillir des prunes de sucre de jeux de mots à portée de main, mais à pleine puissance, personne n’empêche le Père Noël de faire de cette année le Noël le plus rouge imaginable.
Video : Transfert 1080p d’Universal pour Violent Night satisfait dans tous les domaines. Alors que le bruit de la source prévaut, et parfois omniprésent, tout au long du film, il atteint rarement au-delà du point de gêne gênant. L’image est exempte de tout autre problème sérieux de source ou d’encodage. L’image est suffisamment détaillée, ne se démarquant certainement pas du tout en 2023, mais offrant clairement une image HD généralement satisfaisante. Les détails du visage et des vêtements sont suffisamment nets, idem pour divers environnements à l’intérieur de la maison. Les extérieurs à faible luminosité n’offrent pas de caractéristiques visuelles très intenses, mais l’image gère assez bien la faible luminosité. Les couleurs dans de telles situations sont également limitées, mais à l’intérieur, dans des pièces bien éclairées, les spectateurs apprécieront l’attention portée aux détails tonals. L’image n’est certainement pas ce que l’on pourrait qualifier de trop vive, mais le sang rouge et quelques autres éclaboussures de couleur conviennent à la précision et à l’intensité. Les niveaux de noir ne sont pas les meilleurs de l’histoire du format, poussant un peu la lumière par endroits. Les tons de peau sont assez décents. Ce n’est pas un disque de démonstration, mais c’est très regardable.
Audio : Universal livre Violent Night vers Blu-ray avec une bande-son sans perte DTS-HD Master Audio 7.1 satisfaisante. La présentation répond à toutes les attentes, offrant un espacement suffisant et une utilisation fine du surround pour pimenter le contenu. Comme prévu, diverses scènes de combat mettent en valeur la piste. Les éléments sont en bon état, présentant une bonne clarté quelle que soit la puissance et le contenu, tandis que l’espacement est excellent. Les auditeurs auront toujours une configuration sonore du terrain dans leurs oreilles, et au fur et à mesure que diverses scènes de combat se déroulent à l’écran, l’audio correspond parfaitement au placement et à l’intensité. Les repères musicaux sont justes sur l’argent, tout aussi clairs et bien définis et bénéficiant également d’un bon espacement. La face avant est dominante, bien sûr, mais il y a beaucoup de contenu surround de soutien à apprécier. Les effets atmosphériques sont parfaitement intégrés. Le dialogue est clair et centré sur la durée.
Rapport de forme : 1.78:1 Dimensions du colis : 17.2 x 13.6 x 1.1 cm; 60 grammes Réalisateur : Tommy Wirkola Format : Couleur, Cinémascope Durée : 1 heure et 51 minutes Date de sortie : 12 avril 2023 Acteurs : David Harbour, John Leguizamo, Beverly D’Angelo, Alex Hassell, Alexis Louder Doublé : : Allemand, Anglais, Français, Italien Sous-titres : : Italien, Allemand, Français, Néerlandais Langue : Italien (DTS-HD High Res Audio), Français (DTS-HD High Res Audio), Allemand (DTS-HD High Res Audio), Anglais (DTS-HD 7.1) Studio : Universal Pictures France
« Longtemps j’ai cru que la vie était une fête ; passé la cinquantaine, la vie est un interminable lendemain de cuite. J’ai toujours voulu être transgressif sans savoir que j’étais conformiste. Aujourd’hui, je me sens mieux dans un monastère augustinien qu’au bordel, et les militaires m’amusent plus que les fashionistas.
Chronique : Frédéric Beigbeder livre ici une œuvre indéniablement authentique, bien que parfois maladroite dans la présentation de certaines de ses idées, en particulier lorsqu’il aborde le sujet de #MeToo. Écrit par un homme de plus de 55 ans, blasé et qui semble avoir tout vu, cet ouvrage provocateur nous fait prendre conscience que la jeunesse n’est pas aussi idyllique qu’elle en a l’air. Nous avons affaire à un auteur qui a mûri et qui a retrouvé les vraies valeurs, loin des projecteurs. Son style d’écriture, sa manière de formuler ses idées, son humour (souvent incompris), sa provocation et son auto-dérision qui lui sont propres, ne laissent personne indifférent. Tout est présenté avec élégance, et l’auteur porte un regard lucide et avisé sur notre société. Cela dit, j’ai trouvé que la première partie de l’essai était plus intéressante que la suite, qui m’a semblé un peu superficielle.
Éditeur : Albin Michel (5 avril 2023) Langue : Français Broché : 176 pages ISBN-10 : 2226478388 ISBN-13 : 978-2226478382
Conte de fées, c’est l’histoire magnifique et terrifiante d’un garçon de dix-sept ans qui hérite de clés ouvrant sur un univers parallèle où le Bien affronte le pouvoir écrasant du Mal
Chronique : « Conte de fées » de Stephen King a été un tel plaisir à lire, c’est quelque chose que l’on a besoin de s’asseoir, de se détendre et d’apprécier lentement. J’ai adoré comment, comme toujours avec King, il vous ramène à une époque où vous étiez un enfant et où vous deviez faire face à toutes les choses habituelles auxquelles les enfants sont confrontés. Les relations, le sport, la famille, les amis, faire des choses stupides et essayer de donner un sens à tout cela.
J’ai absolument adoré tous les personnages que King a créés dans ce roman. Charlie, M. Bowditch, Leah et même les personnages fantastiques étaient tous fantastiques.
Toutes les interactions, les situations, les événements et les descriptions étaient exactement celles d’un chien et de la façon dont un propriétaire de chien réagirait. Je peux imaginer que si vous êtes également propriétaire d’un chien, vous ressentirez la même chose en vous connectant immédiatement au duo dynamique que forment Charlie et Radar et aux aventures qui les attendent.
Ne vous inquiétez pas, je ne vais rien vous gâcher, mais ce roman est tout simplement incroyable. La façon dont King mêle la réalité à l’imaginaire m’a complètement époustouflée. Même toutes les situations effrayantes et horribles étaient parfaites et menaient à une histoire de conte de fées géniale, unique et tellement bonne. L’atmosphère, la construction du monde, le développement des personnages et le caractère purement effrayant de tout ce que King a construit ont vraiment résonné en moi.
De plus, les illustrations de chaque chapitre m’ont ramené à mon enfance, car je me souvenais avoir lu beaucoup de romans d’horreur et de mystère qui faisaient cela. Je n’ai aucune idée de qui a créé ces graphiques pour King dans chaque chapitre, mais ils étaient superbes et capturaient l’essence de chacun d’entre eux. Tout en lisant, je revenais souvent en arrière pour voir l’image, juste pour me donner un aperçu de ce qui se passait. C’est vraiment bien fait !
Pour ce qui est de la fin, elle est vraiment à la hauteur après une montée en puissance aussi spectaculaire. Je n’avais aucune idée de ce qui allait se passer, mais quand cela s’est produit, mon Dieu, c’était merveilleux et cela a conclu un roman inoubliable. C’était tout simplement une façon parfaite de terminer les choses qui m’a laissée plus que satisfaite.
Il y a de nombreuses références à la culture pop et à d’autres histoires de Stephen King. Le Roi Cramoisi est bien présent ici, mais on ne sait pas s’il s’agit de son histoire d’origine ou d’un autre exemple où il possède et corrompt des gens et des lieux. Je pense que l’auteur laisse délibérément cette question au lecteur. Cependant, il est évident que ce livre nous présente un autre des mondes de la roue que nous avons découverts dans La Tour sombre, ce qui signifie que nous avons également des éléments d’héroïsme armé et des mondes désolés.
King place la barre si haut et produit tant de livres incroyablement fantastiques – celui-ci était encore absolument enchanteur et une aventure merveilleuse.
Éditeur : Albin Michel (12 avril 2023) Langue : Français Broché : 736 pages ISBN-10 : 2226475532 ISBN-13 : 978-2226475534
C’est sûrement le long-métrage le plus attendu de l’année et il vient de révéler sa durée ! Préparez-vous à passer un long moment en salles en compagnie de DiCaprio !
Killers of the Flower Moon, le nouveau film très attendu de Martin Scorsese, sera présenté en mai prochain lors du Festival de Cannes. Réunissant Leonardo DiCaprio et Robert De Niro, le long-métrage s’annonce grandiose. Après l’officialisation de sa projection sur la Croisette, la durée de l’oeuvre a été révélée, répertoriée sur le site spécialisé The Movie Database. Killers of the Flower Moon sera le plus long film de Martin Scorsese avec 3 heures et 54 minutes au compteur ! Son opus précédent, The Irishman, avait déjà une durée record : 3 heures et 29 minutes ! Pour ce nouveau projet porté par DiCaprio et De Niro, Scorsese nous promet donc une plongée vertigineuse dans les années 20 pendant près de 4 heures !
Depuis Autant en emporte le vent (3 heures 58) et Hamlet de 1996 (4 heures 02), jamais un film en salles n’avait atteint une telle durée. Même Il était une fois en Amérique de Sergio Leone est contraint de s’incliner avec ses 3 heures et 40 minutes (pour sa sortie salles en Europe). Si les films de plus de 3 heures ne sont pas inhabituels pour le grand public (Avatar 2, Avengers Endgame, Babylon), ceux qui frôlent ou dépassent les 4 heures sont très rares. En ce sens, il pourrait marquer de son empreinte l’Histoire du cinéma.
Killers of the Flower Moon doit être diffusé sur Apple TV+ mais bénéficiera aussi d’une sortie cinéma aussi bien aux Etats-Unis qu’en France. Paramount s’est associé à la marque à la pomme afin de distribuer ce film événement dans nos salles obscures. Dans l’Hexagone, la date retenue est le 18 octobre.
Cependant, vu la durée du film, il n’est pas à exclure qu’un montage plus court soit proposé pour les salles et la version longue pour Apple TV.
Ce drame historique reviendra sur l’enquête du FBI concernant les meurtres de plusieurs membres de la tribu indienne d’Osage en Oklahoma, assassinés après avoir trouvé du pétrole sur leurs terres dans les années 1920.
Emmené par Leonardo DiCaprio (il s’agit de sa 6ème collaboration avec le cinéaste), Robert De Niro (son 11ème film avec Martin Scorsese), Brendan Fraser, Jesse Plemons et Lily Gladstone, Killers of the Flower Moon est l’un des films les plus attendus de 2023.
Adeptes d’histoires dramatiques et sensuelles, la nouvelle minisérie de Netfix sera en plein dans vos cordes. Vous serez obsédés par Obsession.
On sait désormais que la série Sex/Life ne reviendra pas pour une troisième saison. Toutefois, après avoir visionné sa seconde saison, vous pouvez continuer à visionner du contenu enlevant sur fond érotique grâce à la série Obsession.
Obsession est tout d’abord la rencontre d’Anna Barton et de Jay, qui finissent par former un couple. Lors d’une soirée mondaine, elle rencontre le père de son fiancé, William, un chirurgien qui tombe immédiatement sous le charme de la jeune femme. William Farrow mène une vie quasi parfaite avec sa femme avocate, Ingrid, son fils, Jay, et sa fille, Sally.
Obsession n’est pas la première adaptation du roman de Josephine Hart, qui a été porté à l’écran en 1992 avec Jeremy Irons et Juliette Binoche dans les rôles principaux, mais il n’a pas rencontré un grand succès auprès des critiques et du public. Netflix a essayé de faire revivre l’histoire, qui a été écrite pour l’écran par Morgan Lloyd-Malcolm et Benji Walters, réalisée par Glenn Leyburn et Lisa Barros D’Sa, et interprétée par Richard Armitage (Le Hobbit), Charlie Murphy (Peaky Blinders) et Indira Varma (Game of Thrones). Les épisodes de la série ont été mis en ligne sur le service de streaming le 13 avril, et font parler d’eux depuis – surtout pour leurs scènes torrides.
La série se concentre sur William (Richard Armitage), qui est un chirurgien renommé et un père de famille à Londres. Un jour, il rencontre Anna (Charlie Murphy), qui n’est autre que la fiancée de son fils Martyn (Rish Shah). William est immédiatement attiré par Anna, qui lui rend son intérêt, et ils se lancent bientôt dans une relation secrète. William ne peut pas résister à Anna, qui a un passé mystérieux et une âme blessée, et qui fait tout pour garder sa place auprès des deux hommes. William, quant à lui, perd de plus en plus le contrôle de sa vie, tandis que sa femme Ingrid (Indira Varma) ne se doute de rien. La série montre comment se développe une liaison passionnée entre deux personnes qui ne peuvent pas se passer l’une de l’autre, mais qui ne font que se faire du mal.
Obsession ne fait pas l’économie de scènes sexuelles, qui vont des plus douces aux plus rudes. La série n’hésite pas à montrer les désirs et les plaisirs physiques des protagonistes, mais elle n’oublie pas non plus les conséquences émotionnelles. La série essaie de montrer que la relation entre William et Anna n’est pas seulement physique, mais aussi émotionnelle, et qu’ils souffrent tous les deux de la culpabilité et de la peur. Cependant, la série ne réussit pas vraiment à convaincre le spectateur que William et Anna s’aiment vraiment, ou qu’ils sont seulement mus par la passion. La série ne donne pas assez d’espace aux motivations et aux antécédents des personnages, ce qui empêche le spectateur de s’identifier à eux ou de les comprendre. La série reste à la surface et ne révèle pas de couches plus profondes ou de messages.
Le plus grand atout d’Obsession est le jeu des acteurs, qui est en grande partie de haute qualité. Richard Armitage et Charlie Murphy jouent très bien William et Anna, et leur alchimie et leur tension sont palpables. Armitage fait particulièrement ressortir le chirurgien confus et passionné qui perd son self-control. Murphy joue de façon convaincante la femme brisée et mystérieuse qui fait tout pour être heureuse. Indira Varma est aussi excellente dans le rôle de la femme de William, Ingrid, qui est une femme forte et intelligente mais qui ne peut pas empêcher l’infidélité de son mari. Parmi les personnages secondaires, Pippa Bennett-Warner se distingue dans le rôle de Peggy, qui est la collègue et l’amie de William, et qui essaie de l’aider à trouver une issue à sa situation.
Obsession est une série courte et intense qui ne laisse pas beaucoup de temps pour respirer. En trois épisodes, les spectateurs peuvent suivre le développement et le destin de la liaison entre William et Anna, qui ne reste pas sans conséquences. La fin de la série ne ménage pas les protagonistes, et ne leur donne pas une sortie facile de leur situation. La fin de la série est dramatique et surprenante, mais pas totalement satisfaisante. La fin de la série donne l’impression qu’il manque quelque chose, ou qu’elle aurait pu dire quelque chose de plus. La fin de la série ne répond pas à toutes les questions, et ne ferme pas tous les fils.
Obsession est une série qui divise les spectateurs. Certains pensent que c’est un thriller excitant et érotique qui les captive. D’autres pensent que c’est un drame superficiel et cliché qui n’apporte rien de nouveau ou de précieux. Obsession est une série qui vaut la peine d’être regardée si vous aimez les histoires passionnées et provocantes, mais ne vous attendez pas à trop.
La série ne compte que quatre épisodes, dont une grande partie est occupée par des scènes de sexe censées être supervisées par un coordinateur de l’intimité. Cependant, le dernier épisode prend des virages abrupts vers de nouveaux territoires fatals, alors regardons comment tout cela va se dérouler pour notre propre amusement. Voici l’explication de la fin de la Saison 1 de Obsession sur Netflix !
Explication de la fin de la Saison 1 de Obsession
A la fin de la Saison 1 de Obsession, lorsque Ingrid presse Jay au téléphone pour qu’il lui dise ce qui ne va pas, il ne répond pas et prend la porte ouverte comme un signe pour monter à l’étage. Il monte l’escalier et entend des gémissements de l’autre côté de la porte d’entrée. Lorsqu’il la force à s’ouvrir, il est choqué de voir son père et sa fiancée en train de faire l’amour.
A la fin de la Saison 1 de Obsession, visiblement dégoûté, il continue à marcher, mais sa main glisse sur la rampe et il fait une chute mortelle. William descend les escaliers en courant pour trouver son fils en train de se vider de son sang. Anna est visiblement choquée mais compartimente les événements, se changeant et sortant de l’immeuble. Lors de l’enterrement, William est peut-être en deuil, mais il est clair qu’il a l’esprit ailleurs, cherchant plutôt Anna.
A la fin de la Saison 1 de Obsession, William attend Anna à l’extérieur après les funérailles, au grand dégoût d’Ingrid. Elle lui dit que c’est la dernière fois qu’ils se voient et, bien qu’on ne voie pas Sonera, on peut supposer que c’est aussi la dernière fois qu’il voit sa fille. Nous sommes transportés dans une piscine et découvrons qu’Anna est venue en France pour la lune de miel qui avait été réservée pour elle et Jay.
Au cours d’une soirée agitée, Anna croise un autre étranger qui n’accepte pas qu’on lui dise « non ». Lorsqu’elle s’enfuit, elle rentre à l’hôtel et trouve William à ses côtés. Il lui donne un bain et le lendemain matin, Anna reste détachée et relativement muette. A la fin de la Saison 1 de Obsession, elle admet qu’ils ne peuvent pas séparer ce qu’ils sont tous les deux de ce qu’ils ont fait, mais William pense qu’ils ne peuvent pas laisser leur liaison pour rien.
On la voit ensuite partir en voiture et plus tard, de retour à son bureau de Londres, elle devient anxieuse et appelle une personne mystérieuse. A la fin de la Saison 1 de Obsession, on nous fait croire qu’il s’agit de William, mais en fait, Anna a appelé Peggy qui la console de la mort de Jay alors qu’Anna retourne à l’appartement pour ce qui semble être la dernière fois.
La caméra filme ensuite William entrant dans l’appartement. Mais ce n’est pas Anna qu’il rencontre, c’est un agent immobilier qui l’accueille, expliquant qu’il est rare qu’un tel appartement soit mis en vente. A la fin de la Saison 1 de Obsession, William déterre alors l’un des journaux d’Anna de la cheminée, et l’écran devient noir.
Le dernier plan d’Anna, cependant, est celui de sa première séance de thérapie, au cours de laquelle son thérapeute lui demande si elle aimerait avoir des règles pour leurs séances. Lorsque la caméra fait un panoramique sur son visage, on se rend compte qu’il présente des similitudes avec Aston, le frère d’Anna, et Jay, ce qu’Anna semble voir pour la première fois, puisqu’elle remarque : « Comme c’est étrange ».
Il est vrai que la fin de la Saison 1 de Obsession est assez ambiguë et qu’il est difficile de savoir où en sont Anna et William. La porte est ouverte à toutes sortes de conclusions, même s’il semble évident qu’ils vont désormais vivre séparément.
The Last Kingdom est revenu sur Netflix sous la forme d’un film ! Le long-métrage intitulé « Seven Kings Must Die » conclut définitivement l’histoire d’Uhtred de Bebbanburg (Alexander Dreymon). Attention, spoilers.
Annoncé en 2021, peu de temps avant la diffusion de la cinquième et dernière saison de The Last Kingdom, le long-métrage Seven Kings Must Die (ou Sept rois doivent mourir, en français) est enfin disponible sur Netflix. Ce film met un terme définitif aux aventures d’Uhtred de Bebbanburg, le héros de la série adaptée des romans de la saga littéraire Les Histoires saxonnes de Bernard Cornwell.
Dans ce long-métrage réalisé par Edward Bazalgette, le seigneur Uhtred de Bebbanburg, qui règne sur la Northumbrie, est appelé à aider Æthelstan (Harry Gilby), autrefois son pupille et protégé, à accéder au trône de l’île de Bretagne suite à la mort de son père le roi Edward. Mais la couronne est convoitée par un autre héritier et surtout par des envahisseurs danois et d’autres rois des autres terres britanniques. Les nombreux ennemis et ses conflits avec Æthelstan vont mettre Uhtred dans une position délicate, alors qu’il ne rêve que d’une Angleterre unifiée.
Bien que Seven Kings Must Die soit un film qui conclut The Last Kingdom, il n’est pas nécessaire d’avoir vu la série avant. Le long-métrage d’Edward Bazalgette se déroule plusieurs années après la fin de la cinquième et dernière saison de The Last Kingdom et il prend soin de contextualiser son intrigue grâce à une voix-off et un texte explicatif au début pour décrire ses personnages et la situation politique dans laquelle se trouve l’île de Bretagne.
Seven Kings Must Die est construit de manière à ce qu’un public large puisse suivre l’histoire, sans trop connaître les antécédents des personnages principaux et connus, par le biais des dialogues, des interactions, des indications de lieu, et autres textes et voix-off qui accompagnent le film.
Par ailleurs, de nouveaux personnages sont introduits donc ils seront aussi inédits pour les fans de la série. Plus que la fin de l’épopée d’Uhtred, Seven Kings Must Die est aussi l’histoire de l’unification de l’Angleterre et de la célèbre bataille de Brunanbuhr, que certains historiens voient comme la marque de la naissance de l’identité anglaise.
Évidemment, on vous recommande d’avoir vu la série The Last Kingdom avant de découvrir le film Seven Kings Must Die par soucis chronologique et pour avoir une attache émotionnelle plus intense avec Uhtred de Bebbanburg. Mais vous comprendrez très bien les enjeux de Seven Kings Must Die même si vous n’avez pas vu la série.
Le visionnage du long-métrage vous donnera alors peut-être envie de vous plonger dans l’histoire d’Uthred, fils orphelin d’un noble saxon kidnappé par les Scandinaves et élevé parmi eux à la fin du IXème siècle. Au cours des cinq saisons de The Last Kingdom, on suit l’incroyable histoire de ce valeureux guerrier qui doit sans cesse choisir entre le royaume de ses origines et le peuple qui l’a vu grandir.
Série très populaire sur Netflix, The Last Kingdom s’est achevée à l’issue de sa cinquième saison, qui signait une fin épique pour son héros Uhtred de Bebbanburg (Alexander Dreymon). Mais son histoire n’est pas totalement terminée puisqu’il est de retour dans Seven Kings Must Die, un long-métrage d’environ deux heures.
L’adaptation de la série littéraire Les Histoires saxonnes de Bernard Cornwell se clôture donc avec un film qui mettra définitivement un terme à l’épopée d’Uhtred. Le long-métrage réalisé par Edward Bazalgette met Uhtred face à ses responsabilités alors qu’il doit à nouveau tout faire avec ses camarades pour former une Angleterre unie alors que des envahisseurs et des héritiers rivaux du roi Edouard se battent pour la couronne. Pourtant, la fin de la cinquième saison laissait envisager un happy end pour le héros, qui a passé son enfance chez les Vikings. De retour à Bebbanburg, dans un foyer chaleureux et une protection digne pour sa famille et son peuple, il avait réussi à instaurer une certaine paix entre les Danois et les Saxons, les deux parts de son identité, le tout sous la bénédiction des dieux.
Plusieurs années ont passé et un évènement soudain rabat toutes les cartes : le roi Edward meurt. Son second fils Ælfweard (Ewan Horrocks), soutenu par le Wessex, engage des mercenaires pour s’emparer de la couronne alors que c’est son premier fils, Æthelstan (Harry Gilby), qui est appelé à régner.
Mais ce dernier est un fils illégitime et il est donc considéré comme un bâtard, d’autant plus qu’il a été élevé par Uhtred. La reine Eadgifu (Elaine Cassidy), désormais veuve, se réfugie avec son jeune fils Edmund (Zak Sutcliffe) et le seigneur Aldhelm (James Northcote) chez Uhtred pour éviter les attaques des envahisseurs et d’Ælfweard. Uhtred s’engage à tout faire pour qu’Æthelstan accède au trône. Mais le jeune homme a bien changé, il s’est plongé corps et âme dans la foi et il est manipulé par son nouveau mentor, le seigneur Ingilmundr (Laurie Davidson), qui le pousse à conquérir tous les royaumes par la violence. Æthelstan tue son frère Ælfweard et s’en prend toujours plus aux terres des autres rois des îles britanniques, qui vont se réunir pour faire une alliance et lui tenir tête. Sauf que leurs destins sont annoncés comme funestes. Ingrith (Ilona Chevakova), la femme de Finan (Mark Rowley), l’un des meilleurs amis d’Uhtred, a annoncé la prophétie suivante, qui donnera son nom au long-métrage : « Sept rois devront mourir » (« et ta bien-aimée »). Après quelques stratagèmes inachevés, Uhtred est banni par Æthelstan mais sauvé par les autres rois réunis. Ils lui demandent alors de tuer Æthelstan pour arrêter sa tyrannie. Mais l’on apprend qu’Ingilmundr était de mèche depuis le début avec le roi danois Anlaf (Pekka Strang) et les autres rois des îles britanniques. Uhtred a compris cette manigance et tente de convaincre Æthelstan de sa bonne foi alors que Bebbanburg se fait détruire et avec elle Ingrid, qui était malheureusement « la bien-aimée » concernée par la prophétie.
Æthelstan a alors compris qu’il s’était fait manipuler et il souhaite combattre Ingilmundr et l’armée des rois réunis pour mettre fin au conflit et se sacrifier en martyr. Mais Uhtred ne l’entend pas de cette oreille et il va se lancer dans la bataille pour éviter un sort funeste à Æthelstan pour enfin créer une Angleterre unie, avec l’aide des siens et de son fils Osbert (Jacob Dudman). S’en suit alors une longue et impressionnante bataille, celle de Brunanburh, où Æthelstan et ses hommes l’emportent. Tous les autres rois, qui ont perdu leurs héritiers, ont rebroussé chemin. Æthelstan devient alors le roi incontesté de ce qui devient officiellement l’Angleterre. Le film Sept rois doivent mourir se termine bien avec sept souverains morts : les cinq héritiers des rois vaincus, le roi Edward mais aussi Uhtred, si l’on considère que sa dernière scène rejoignant une pièce très lumineuse de guerriers en fête est une allégorie de son décès. Même si la fin du long-métrage laisse planer le doute. La voix-off de Finan termine l’épopée d’Uhtred ainsi : « Sept rois sont-ils morts ? La Chronique ne dit pas si Monseigneur Uhtred a survécu mais ceux qui comme moi l’ont côtoyé ont connu en lui le plus grand guerrier de son temps. L’homme qui fit un royaume ». L’histoire d’Uhtred de Bebbanburg se termine donc avec la réussite du souhait le plus cher de ce héros : une ultime bataille qui lui vaut un statut glorieux et une Angleterre unie.
Fans de Shrek et de son fidèle acolyte aux bottes légendaires, le coffret Blu-ray des deux films du Chat Potté est sorti hier et ne demande qu’à être ajouté à vos collections !
La comédie d’aventure de DreamWorks, spin-off de Shrek, revient sur le devant de la scène, cette fois dans un tout nouveau coffret Blu-ray 2-en-1 comprenant les deux films de la duologie consacrée au célèbre félin hispanophone.
Le Chat Potté (2011) n’est finalement pas une adaptation du conte de fées que l’on connaît mais s’inspire plutôt du personnage botté en question, apparu pour la première fois dans Shrek 2 en 2004, pour raconter une nouvelle histoire, originale à souhait.
Ici, tout se passe bien avant que notre cher Chat Potté ne croise la route de Shrek… Le légendaire félin est alors embarqué dans un périple riche en rebondissements, aux côtés de la ravissante et rusée Kitty Pattes de Velours et Humpty Alexandre Dumpty. Leur objectif : s’emparer de la fameuse Oie aux Œufs d’Or pour sauver la ville où le Chat Potté a grandi.
Il faudra ensuite attendre dix ans tout pile avant de retrouver le personnage adoré sur grand écran. Dans Le Chat Potté 2 : La Dernière Quête (2022), volet plus sensible et proposant un second niveau de lecture, les enjeux sont encore plus grands. Le protagoniste découvre en effet que sa passion pour l’aventure et son mépris du danger ont fini par lui coûter cher : il a épuisé huit de ses neuf vies. Afin de retomber sur ses pattes, il se lance littéralement dans la quête de sa vie, une aventure épique aux confins de la Forêt Sombre où il doit dénicher la mythique Étoile à vœu susceptible de lui rendre ses vies perdues…
Les deux longs métrages à l’animation époustouflante, mettant en vedette Antonio Banderas qui prête sa voix au héros dans sa version originale, sont désormais à retrouver en Blu-ray dans un seul et même coffret, disponible à la vente depuis hier.
Le Chat Potté, Coffret 1 & 2 en Blu-Ray contient :
Le Chat Potté (2011)
Le Chat Potté 2 : La Dernière Quête (2022)
Spécificités :
Classé : Tous publics
Format : Cinémascope, Couleur
Durée : 3 heures et 12 minutes
Date de sortie de l’édition : 12 avril 2023
Nombre de disques : 2
Au programme, plus de trois heures de divertissement rythmé et riche en rebondissements qui fera rire toute la famille. Revivez les aventures du chat séducteur qui n’a pas fini de voler les cœurs, avec passion et ardeur !
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