Lubicchi vit au milieu de grandes cheminées dont l’épaisse fumée recouvre depuis toujours le ciel de sa ville. Il aimerait prouver à tous que son père disait vrai et que, par-delà les nuages, il existe des étoiles. Un soir d’Halloween, le petit ramoneur rencontre Poupelle, une drôle de créature avec qui il décide de partir à la découverte du ciel.
Chronique : Ce film est absolument magnifique, il est tellement plein de vie, de couleurs et de détails. Bien que l’histoire puisse être générique, les personnages sont ce qui la rend si intéressante et spéciale. Cela et bien sûr, le style d’animation. C’est le genre de film qui ne pourrait pas fonctionner en live-action, peu importe combien vous avez essayé.
De l’autre côté du Ciel basé sur un livre d’images du même nom.
Dès le moment où j’ai sauté dans le DVD, j’étais impressionné par la beauté de ce film. Ce n’était pas tout à fait dessiné à la main, mais ce n’était pas non plus tout à fait CGI. Il s’agit en fait d’une animation CGI déguisée en anime traditionnel dessiné à la main. Les personnages ne bougent pas de manière fluide – plus comme des marionnettes dans un style presque stop-motion.
Mais le style permet des vues larges et panoramiques de la ville et de la « fumée, fumée » qui couvre le ciel. De temps en temps, le film joue avec son style, faisant référence à des jeux de plate-forme et à un ou deux numéros musicaux impairs, ce qui n’entre pas en conflit avec l’esthétique steampunk globale.
Honnêtement, je pensais que ce film allait être l’une de ces histoires respectueuses de l’environnement « Ne polluez pas ». Il s’avère que l’environnement n’est pas du tout important pour la morale, à part quelques indices que la fumée rend certains citoyens malades et que le gouvernement ne semble pas s’en soucier.
Donc, j’ai trouvé que c’était une bonne surprise.
Il y a une raison économique à l’isolement de la ville. En gros, Chimney Town doit beaucoup d’argent à une grande banque – ils se sont donc cachés pendant un quart de siècle pour ne pas avoir à payer leur dette. C’est une idée intéressante mais le film ne lui rend pas justice.
Mais ce qui fait vraiment de De l’autre côté du Ciel un film incroyable, c’est la relation entre Poupelle et Lubicchi.
Lubicchi n’a pas d’amis et Poupelle est considéré comme un monstre. Les deux forment un bon duo – Poupelle remplaçant le père de Lubicchi, Bruno, en tant que rêveur aux yeux étoilés. Sans jeu de mots.
Ensemble, les deux se font des amis qui les aident dans leurs objectifs – comme le mineur Scooper qui parle vite – mais c’est l’amitié des deux qui conduit l’histoire à son paroxysme émotionnel. Comme toute bonne histoire d’outsider devrait le faire.
J’adore le monde qui existe dans ce film. Je souhaite juste que nous puissions en explorer davantage et ses implications. Ils sont isolés depuis 250 ans. Parler d’étoiles vous fera tuer.
C’est ce qui est arrivé au père de Lubbichi.
Mais il y a aussi des facteurs intéressants – comme Halloween étant une grande fête à Chimney Town. Ce sont les petites choses comme ça qui font que ce monde prend vie.
La ville est entrée dans la clandestinité à cause de sa monnaie, qui se désintègre avec le temps. Ils doivent de l’argent à la banque. La fumée aide à les garder cachés.
Idée intéressante. Mauvaise exécution.
Il n’y a aucune indication sur la devise avant la révélation. Personne ne le mentionne jamais – ce que vous pensez qu’ils feraient.
C’est en quelque sorte une partie importante de leur système économique. Cela conduit à beaucoup de questions comme : comment y a-t-il encore des élites si l’argent est conçu pour que les gens ne puissent pas thésauriser la richesse ? Pourquoi est-il si important que les citoyens moyens ne sachent pas pourquoi ils se cachent du monde extérieur ?
Comment cette économie se maintient-elle ?
De l’autre côté du Ciel ne fait rien avec ce point d’intrigue incroyablement important.
Il y a même une sorte de figure de roi fantoche – un descendant de l’inventeur de la monnaie – et rien ne se passe vraiment avec lui. Le film continue de le montrer maladroit et ennuyé, mais il ne fait vraiment rien et n’a aucun impact réel sur l’intrigue.
Je ne comprends tout simplement pas.
Malgré tout le bien du film, on a toujours l’impression qu’il manque quelque chose De l’autre côté du Ciel. Je pense que le chaînon manquant était un meilleur lien entre l’isolement de la ville et l’interdiction de parler des stars.
Par exemple, je comprends qu’ils se cachent du gouvernement, mais je ne comprends pas la logique de la fumée de cheminée, l’interdiction des stars et la ruse des gens en leur faisant croire qu’il n’y avait pas de monde extérieur.
La dissociation entre les idées rendait le film trop compliqué et décousu. Le film prend la voie de montrer l’action et le style artistique plutôt que de se concentrer sur la substance du film.
De nombreux personnages secondaires sont présentés – y compris un mécanicien, dont je ne me souviens pas du nom – qui était clairement censé jouer un rôle plus important dans une version précédente du film. À un moment donné, les Starseers, qui je pense sont censés être une sorte de culte religieux, sont mentionnés – mais c’est tout. Malgré son importance, le film ne fait rien avec l’idée.
Je souhaite juste que De l’autre côté du Ciel ait pris le temps de développer ces idées – ou ait fait plus de sacrifices. Plutôt que d’essayer d’entasser tous ces thèmes et concepts dans un seul film – il aurait été préférable d’en laisser partir certains, pour une histoire plus cohérente.
Malgré les défauts du film, De l’autre côté du Ciel a quelque chose de si charmant . J’ai vraiment aimé le regarder et même avec les trous dans l’intrigue, c’est un bon film. Pas parfait – mais c’est très authentique .
De l’autre côté du Ciel n’essaie jamais d’être ce qu’elle n’est pas. Il fait beaucoup, pour être juste. Il y a même un numéro musical aléatoire, qui est facilement l’une des meilleures parties du film – mais le film exprime l’optimisme d’une manière qui semble authentique et non sucrée. Le film ne se sent pas autoréférentiel ou méta.
De l’autre côté du Ciel se prend au sérieux, mais reconnaît également son public cible, les enfants. Il ne leur parle pas et fait de son mieux pour leur présenter des idées complexes sur le chagrin, la solitude, l’espoir et l’amour.
Rapport de forme : 2.35:1 Classé : Tous publics Dimensions du colis : 19.1 x 13.7 x 1.5 cm; 100 grammes Réalisateur : Yusuke Hirota Format : Couleur, Cinémascope, PAL Durée : 1 heure et 36 minutes Date de sortie : 17 décembre 2022 Doublé : : Français Sous-titres : : Français Langue : Japonais (Dolby Digital 5.1), Français (Dolby Digital 5.1) Studio : ARTE ÉDITIONS
Les habitants d’une vallée perdue du fin fond de la Californie sont témoins d’une découverte terrifiante à caractère surnaturel qui affecte humains et animaux. Les gérants d’un ranch de chevaux tentent de comprendre ce phénomène mystérieux alors que le propriétaire d’un parc à thème tente d’en tirer profit.
Chronique : Le cinéaste Jordan Peele explore le monde effrayant et particulier des ovnis, ainsi que la psychologie humaine et un certain nombre de thèmes sous-jacents, dans Nope , un film qui croise les genres de la science-fiction et de l’ouest avec de nombreux autres allées et venues pour adoucir le pot. Peele a une fois de plus construit un film qui est nouveau et engageant, stable et confiant, et bien capable de retenir l’attention du public grâce à sa vague de matériel étrange. Le film a quelques défauts, mais c’est néanmoins une expérience rafraîchissante pour sa vision unique et son assemblage soigné, pour ses personnages originaux et son histoire raffinée, et pour son drame en couches et sa narration sophistiquée, toutes caractéristiques des autres films de Peele, Get Out and Us.
Des choses étranges se préparent au Haywood Ranch. OJ (Daniel Kaluuya) et sa sœur Em (Keke Palmer) font tout ce qu’ils peuvent pour maintenir l’endroit à flot après la mort de leur père (Keith David), mais les contraintes financières font pression sur la vente au showman voisin et ex-star enfant de la télévision Jupe Park (Steven Yeun) qui capitalise sur sa survie d’une cascade de sitcom qui a terriblement mal tourné. Cependant, les choses se compliquent lorsqu’un OVNI commence à enlever des chevaux du ranch. Avec l’aide d’un employé local de Fry’s Electronics, Angel (Brandon Perea), les Haywood installent des caméras de sécurité dans l’espoir de capitaliser sur la présence du visiteur et de commencer à reconstituer la vérité sur ce qui persiste dans le ciel au-dessus.
Jordan Peele est sans doute le cinéaste le plus en vogue en ce moment. Il a repris les rênes que M. Night Shyamalan a perdu dans les années qui ont suivi Signes , et il a glissé assez bien dans ce rôle de cinéaste à haute vision, structurellement nivelé et axé sur la narration. Nope est tout à fait dans le style du classique Shyamalan avec une pincée de Spielberg, créant un film de stabilité visuelle mais de grande merveille, d’excitation narrative mais de narration axée sur les personnages. Cela place Peele dans une compagnie d’élite, et à juste titre, pour son étrange mélange de spectacle et de structure. Nonéquilibre un grand engagement narratif avec une échelle intime et une humanité personnelle. Le film ne pousse jamais trop loin dans le mystère ou en retient trop. C’est un film d’un équilibre et d’une clarté tonale remarquables, même lorsqu’il repousse ses propres frontières et les limites générales du cinéma. Peele maintient l’engagement alors même que le film se construit lentement, même si des tentacules étranges émergent progressivement mais finissent par revenir à l’image plus grande. Ce n’est pas un film simple, mais le public sera bien récompensé en attendant patiemment que Peele construise une histoire à combustion lente qui est à la fois immédiatement gratifiante et extrêmement durable.
Nop offre des effets spéciaux homogènes sur toute sa toile qui soutiennent plutôt que portent l’histoire. Peele utilise le ciel comme une toile sur et dans laquelle il projette ses thèmes alors que l’air et la terre se heurtent de manière remarquable. Il peint avec un pinceau qui offre les larges traits ci-dessus et les commentaires subtils, mais toujours évidents et bien prononcés, ci-dessous. Le film est jonché de sous-textes intéressants, dont certains sont évidents lors d’une première vision, dont d’autres exigent une dissection plus minutieuse lors de visionnements répétés. Le casting de Peele est formidable; Daniel Kaluuya est particulièrement génial en tant qu’OJ, un personnage qui offre une performance incroyablement expressive, naturellement ancrée mais intérieurement chaotique, exprimée dans une performance spectaculairement réservée qui joue à la fois en équilibre et en contraste avec le mystère et le spectacle qui l’entourent.
Video : Universal livre Nope au format UHD avec une présentation 2160p/HDR très impressionnante et entièrement satisfaisante. L’image ici est évidemment plus propre, plus nette, plus nette, plus efficace et plus robuste. Les textures bénéficient d’une précision et d’une attention portée aux détails d’une finesse inégalée . Les gains de netteté globaux sont évidents autour du cadre, mais les détails fins de la peau et des vêtements sont immédiatement frappants pour l’augmentation assez importante de la complexité globale. Les fans adoreront l’opportunité de s’imprégner de la meilleure définition possible pour l’expérience de visionnement à domicile. L’étalonnage des couleurs HDR offre une amélioration considérable de la vivacité et de la profondeur des couleurs. Regardez une scène à 1:27:26. Les cabines de restauration vertes regorgent de profondeur et de punch retrouvés par rapport au Blu-ray. Le T-shirt rouge d’OJ comme on le voit dans cette scène est beaucoup plus authentique. Le ciel nocturne noir à l’extérieur des fenêtres est beaucoup plus profond et crédible. Les améliorations du niveau de noir sont également évidentes, tout comme l’efficacité du teint. La balance des blancs est également grandement améliorée.
Audio L’audio est un composant essentiel pour le total Nope l’expérience et la bande-son d’Universal ne déçoivent pas. La piste maîtrise parfaitement les éléments les plus puissants et les plus subtils du film. Il y a un sentiment constant d’immersion sonore absolue et transparente dans les lieux du film, qu’il s’agisse de paysages ouverts sereins ou d’intérieurs chaotiques « OVNI » avec un son qui reproduit l’atmosphère suffocante, fermée et terrifiante. La piste engage dynamiquement les canaux surround arrière et aériens pour vendre pleinement l’illusion, et ceux-ci sont utilisés de manière plus transparente que discrète. L’engagement musical est large et enveloppant avec un équilibre parfait et une clarté sans faille. Le dialogue est clair, bien hiérarchisé et centré sur la durée.
Rapport de forme : 2.20:1 Dimensions du colis : 17 x 13.7 x 1.2 cm; 40 grammes Audio description : : Français Réalisateur : Jordan Peele Format : Couleur, Cinémascope Durée : 2 heures et 10 minutes Date de sortie : 10 décembre 2022 Acteurs : Daniel Kaluuya, Keke Palmer, Donna Mills, Brandon Perea, Michael Wincott Doublé : : Anglais, Français, Italien Sous-titres : : Français, Néerlandais, Italien Langue : Italien (Dolby Digital Plus), Français (Dolby Digital Plus) Studio : Universal Pictures France
La vie est trop courte pour qu’on n’en rigole pas ! Kanar vous propose une bonne dose d’humour noir pour regarder l’actualité dans le blanc des yeux. Retrouvez ici les meilleurs dessins parus dans Moustique et dans Imagine. En bonus, plein d’inédits et… tous les dessins refusés.
Chronique : Kanar possède un style graphique épuré immédiatement reconnaissable, qu’il s’agisse de ses personnages filiformes ou de ses collages tout aussi décapants. rien de notre actualité morose ni des travers de notre humanité n’échappe à son humour corrosif et souvent dérangeant qui ne connaît d’autre règle que de faire mouche. tantôt critique sarcastique des dérives et aux délires d’une politique aussi envahissante qu’irresponsable, dans l’esprit du dessin de presse cher à Charlie Hebdo, tantôt moraliste irrésistible de drôlerie plus proche de Mix et remix pour dépeindre les misères de l’âge et de l’époque.
Les petites illustrations sont tantôt cyniques, tantôt tendres ou même émouvantes. Avec des traits relativement simples pour ses personnages, kanar réussit à faire passer tout un panel d’émotion à ses personnages. Une lecture à la fois facile, drôle, et étonnante.
Éditeur : Kennes Editions (2 novembre 2022) Langue : Français Relié : 64 pages ISBN-10 : 2380758727 ISBN-13 : 978-2380758726
Minou vit un horrible cauchemar : SON humain Jean s’est amouraché d’une humaine qui est venue emménager dans SA maison… flanquée, en plus, d’une délicate chatte siamoise !
Chronique : Le nom du chat est Minou, et le fait que ce chat égoïste, égocentrique et vicieux ait un nom si doux et décalé annonce immédiatement la couleur.
Inévitablement, Minou devenait très méchante et se donnait beaucoup de mal pour effrayer ses prétendants humains. En tant que tel, il agit d’une manière très intéressante, permettant au lecteur de raconter une histoire complète et bien structurée. En effet, il existe de nombreux dessins animés humoristiques sur les animaux, présentés sous forme de croquis autonomes. L’histoire ici est intéressante et surtout a une fin des plus étonnantes qui annonce en fait la suite des aventures de Minou.
Enfin, nous sommes ravis de rencontrer Minou, dont les pouvoirs semblent ne connaître aucune limite. Peu importe votre âge, propriétaire de chat ou non, il est impossible de lire ce livre sans sourire.
Miette et Harmonie mènent une nouvelle enquête pour rire dans le grenier de leur maison et découvrent un grimoire de recettes de cuisine. L’esprit du livre se manifeste et les emmène à la rencontre de tous les gardiens des recettes. Cet album est avant tout un livre de recettes de cuisine illustrées, accompagnées de photos, le tout inséré dans une petite aventure des héroïnes de la série-mère.
Chronique : Ce livre est très très beau, les pages sont très robustes et glacées. Il est composé de recettes de l’univers de Sorcières sorcières: Pour chaque recette il y a la photo du rendu! Avec comme décor l’univers Ce cadeau est fait même pour ceux qui n’aiment pas cuisiner !
Les ingrédients sont simples à trouver, et j’ai trouvé les préparations faciles, sans prise de tête et bien adaptées à l’esprit simple & convivial de la famille. Je recommande vivement cet ouvrage. Bref vous n’avez que l’embarras du choix et surtout des plaisirs ! Cela incite à cuisiner ! Il n’y a qu’à regarder les photos pour comprendre !
« Petits moments d’amour » est une douce collection de bande dessinée sur les moments simples (mais précieux), absurdes et quotidiens d’une relation de couple. Catana Chetwynd partage depuis plusieurs années sur internet sa relation avec son petit ami et des millions de gens suivent ses tendres aventures et se retrouvent dans ces petits moments qui font le sel de la vie à 2.
Chronique : Cette bande dessinée nous raconte la vie quotidienne de Catana et de son petit ami et à quel point ils s’aiment. C’était vraiment trop adorable et mignon, mais parfois je n’ai pas pu m’empêcher de rire à certaines scènes. Ils sont vraiment si mignons tous les deux.
Mais ce n’est pas tout, il y a aussi beaucoup de choses que je peux reconnaître ou auxquelles je peux m’identifier. Comme le sens des fesses (un sens très très important à avoir), mais aussi voler ses vêtements, devoir lui demander de se pencher pour que je puisse l’embrasser (nous avons une différence de 32/33 cm). Et aussi des choses comme quand nous avons commencé à sortir ensemble et comment c’est maintenant après des années sont des choses que je fais aussi/je me demande/je suis heureuse. J’adore lire des livres ou des bandes dessinées et pouvoir me dire : » OMG, nous faisons la même chose ! OMG nous faisons la même chose ! OMG c’est la même chose pour moi ! 🙂 Cela me fait définitivement aimer quelque chose encore plus.
L’art est la seule chose dont je ne suis pas sûr. Je ne dis pas qu’il est mauvais ! Pas du tout, mais, arghh, je ne sais pas comment le dire de la bonne façon. Je pense que ça a à voir avec les yeux ronds géants 😛
Dans l’ensemble, c’est une bande dessinée très mignonne et je la recommande à tous ceux qui ont besoin d’un peu d’amour, de romance et de mignonnerie !
Absolument adorable et il est également un grand cadeau pour les amis. J’espère qu’il y aura bientôt un deuxième volume de ce livre !
ASIN : B07KBQMXCQ Éditeur : M.Pop corn; Illustrated édition (7 février 2019) Langue : Français Relié : 160 pages
Amy, mère de deux enfants et récemment veuve, mène une existence tranquille dans une petite ville des Etats-Unis. Un matin, alors qu’elle part se ressourcer et courir en forêt, un tireur fou fait irruption dans le collège de Noah, son fils. L’établissement est immédiatement placé sous haute surveillance. Pour Amy, la course contre la montre commence : elle va tout tenter pour protéger son fils…
Chronique : À l’approche du premier anniversaire de la mort de son mari, Amy Carr (Naomi Watts) fait de son mieux pour que sa jeune fille Emily (Sierra Maltby) et son fils adolescent Noah (Colton Gobbo, Ginny & Georgia). Mais au cours de l’année écoulée, Noah est devenu colérique et distant, et Amy se demande si son fils l’aime toujours. Amy décide de prendre une journée de congé et de faire du jogging dans les bois pour se vider la tête, mais après avoir été constamment submergée par les appels de son collègue, de sa mère, de son mécanicien et d’autres, elle décide de couper son téléphone. Cependant, après avoir vu passer des voitures de police, elle reçoit soudainement une alerte d’urgence indiquant qu’il y a une sorte d’incident qui a mis l’école de son fils en quarantaine. À des kilomètres de chez elle, de l’école et de tout moyen de transport, Amy essaie maintenant désespérément de rentrer chez elle, d’obtenir des détails sur ce qui se passe et de savoir si son fils va bien, mais ses SMS et ses appels à Noah disparaissent sans réponse et les appels au 911, à la police et à des amis ne font qu’aggraver ses inquiétudes.
The Desperate Hour est un thriller tendu et émotionnel qui se déroule à peu près en temps réel, suivant l’heure la plus terrifiante de la vie d’une mère alors qu’elle court désespérément contre le temps pour sauver son fils. Même si elle est épuisée, blessée et armée uniquement de son téléphone portable, Amy ne reculera devant rien pour trouver et aider son fils – elle ne perdra pas un autre membre de sa famille ! J’ai été assez impressionné par ce film, et surtout par la performance de Naomi Watts. Pendant presque tout le film, elle est la seule actrice à l’écran, offrant une performance forte et émouvante, exprimant le chagrin de cette veuve et mère et vous gardant investi dans ce qui se passe, malgré le fait que ses seuls partenaires de scène sont Siri et voix provenant du téléphone. D’une certaine manière, je me suis un peu rappelé Phone game, où d’une manière ou d’une autre une seule personne dans un seul endroit pendant une grande partie du film fonctionne, et peut toujours être tendue, excitante et émotionnelle. De plus, au début de son jogging, Amy trébuche un peu et se blesse – tout au long du film, Watts fait un excellent travail avec sa performance physique, vous faisant ressentir et croire cette douleur et cette lutte qu’Amy mène alors qu’elle continue à courir pour rejoindre son fils.
Tout se déroule en une seule journée de septembre dans une petite ville du Nord. La journée commence sereine alors qu’Amy traverse les magnifiques bois aux couleurs de l’automne, pensant à son mari tout en regardant les eaux vives du ruisseau. Mais cette tranquillité est interrompue alors que sa concentration devient désespérée en essayant de revenir à son fils. La nature en temps réel du film, sa partition tendue et ses caméras portables contribuent à augmenter la tension de la situation. Même si une grande partie du film trouve Amy courant dans les bois, il reste en quelque sorte complètement engageant, changeant les choses avec des plans de drone aériens pittoresques, ainsi qu’Amy utilisant son téléphone pour demander de l’aide, ou pour canaliser son intérieur Nancy Drew pour comprendre Que se passe-t-il. Elle vérifie également constamment les bulletins d’information en direct et utilise sa carte AR pour essayer de trouver un chemin plus rapide vers son fils.
À l’approche du premier anniversaire de la mort de son mari, Amy Carr (Naomi Watts, The Loudest Voice ) fait de son mieux pour que sa jeune fille Emily (Sierra Maltby) et son fils adolescent Noah (Colton Gobbo, Ginny & Georgia). Mais au cours de l’année écoulée, Noah est devenu colérique et distant, et Amy se demande si son fils l’aime toujours. Amy décide de prendre une journée de congé et de faire du jogging dans les bois pour se vider la tête, mais après avoir été constamment submergée par les appels de son collègue, de sa mère, de son mécanicien et d’autres, elle décide de couper son téléphone. Cependant, après avoir vu passer des voitures de police, elle reçoit soudainement une alerte d’urgence indiquant qu’il y a une sorte d’incident qui a mis l’école de son fils en quarantaine. À des kilomètres de chez elle, de l’école et de tout moyen de transport, Amy essaie maintenant désespérément de rentrer chez elle, d’obtenir des détails sur ce qui se passe et de savoir si son fils va bien, mais ses SMS et ses appels à Noah disparaissent sans réponse et les appels au 911, à la police et à des amis ne font qu’aggraver ses inquiétudes.
The Desperate Hour est un thriller tendu et émotionnel qui se déroule à peu près en temps réel, suivant l’heure la plus terrifiante de la vie d’une mère alors qu’elle court désespérément contre le temps pour sauver son fils. Même si elle est épuisée, blessée et armée uniquement de son téléphone portable, Amy ne reculera devant rien pour trouver et aider son fils – elle ne perdra pas un autre membre de sa famille ! J’ai été assez impressionné par ce film, et surtout par la performance de Naomi Watts. Pendant presque tout le film, elle est la seule actrice à l’écran, offrant une performance forte et émouvante, exprimant le chagrin de cette veuve et mère et vous gardant investi dans ce qui se passe, malgré le fait que ses seuls partenaires de scène sont Siri et voix provenant du téléphone. D’une certaine manière, je me suis un peu rappelé Phone Booth, où d’une manière ou d’une autre une seule personne dans un seul endroit pendant une grande partie du film fonctionne, et peut toujours être tendue, excitante et émotionnelle. De plus, au début de son jogging, Amy trébuche un peu et se blesse – tout au long du film, Watts fait un excellent travail avec sa performance physique, vous faisant ressentir et croire cette douleur et cette lutte qu’Amy mène alors qu’elle continue à courir pour rejoindre son fils.
Tout se déroule en une seule journée de septembre dans une petite ville du Nord. La journée commence sereine alors qu’Amy traverse les magnifiques bois aux couleurs de l’automne, pensant à son mari tout en regardant les eaux vives du ruisseau. Mais cette tranquillité est interrompue alors que sa concentration devient désespérée en essayant de revenir à son fils. La nature en temps réel du film, sa partition tendue et ses caméras portables contribuent à augmenter la tension de la situation. Même si une grande partie du film trouve Amy courant dans les bois, il reste en quelque sorte complètement engageant, changeant les choses avec des plans de drone aériens pittoresques, ainsi qu’Amy utilisant son téléphone pour demander de l’aide, ou pour canaliser son intérieur Nancy Drew pour comprendre Que se passe-t-il. Elle vérifie également constamment les bulletins d’information en direct et utilise sa carte AR pour essayer de trouver un chemin plus rapide vers son fils.
Video / Audio : La version dvd de Wild Bunch est tres bonne. L’image est nette et claire et capture la beauté du cadre naturel de l’automne. Il y a un grand niveau de détail, en particulier dans les gros plans de visages. Les images du téléphone sont également bien intégrées dans l’image d’une manière qui semble naturelle et pas seulement CG. Il y a quelques moments où Amy court, l’image devient un peu tremblante et moins claire, mais je n’ai jamais trouvé cela trop distrayant. La piste audio fait un excellent usage du canal surround pour ajouter l’ambiance immersive de la nature, ainsi que des échos dans la tête d’Amy dans une scène. De plus, les nombreuses conversations téléphoniques semblent pleines et claires. La version n’inclut aucun matériel bonus ni copie numérique.
Rapport de forme : 1.78:1 Classé : Tous publics Audio description : : Français Réalisateur : Phillip Noyce Format : Couleur, Cinémascope, PAL Durée : 1 heure et 21 minutes Date de sortie : 7 décembre 2022 Acteurs : Naomi Watts, Colton Gobbo, Andrew Chown, Sierra Maltby, Michelle Johnston Doublé : : Anglais Sous-titres : : Français Langue : Anglais (Dolby Digital 5.1), Français (Dolby Digital 5.1), Anglais (DTS 5.1) Studio : Wild Side Video
Becky et Hunter sont deux amies passionnées d’escalade. Constamment à la recherche de sensations fortes et endeuillées après un terrible accident, elles décident de relever un nouveau défi : grimper une tour de télécommunication désaffectée de plus de 600 mètres. Malgré leur niveau d’expertise, les deux jeunes femmes se retrouvent accidentellement coincées au sommet, sans ressource, sous un soleil cuisant…
Chronique : Pour les meilleures amies Becky (Grace Caroline Currey) et Hunter (Virginia Gardner), la vie consiste à vaincre ses peurs et à repousser ses limites. Mais après avoir grimpé à 2 000 pieds au sommet d’une tour de radio isolée et abandonnée, ils se retrouvent bloqués sans aucun moyen de descendre. Maintenant, les compétences expertes en escalade de Becky et Hunter seront mises à l’épreuve ultime alors qu’ils se battent désespérément pour survivre aux éléments, au manque de fournitures et aux hauteurs vertigineuses dans ce thriller alimenté par l’adrénaline .
Les horreurs / thrillers de survie minimalistes sont assez amusants lorsque le choix du décor ou de l’environnement est l’un des plus amusants pour votre argent que l’on puisse avoir au cinéma. Des efforts comme l’original Saw ou Phone Booth à des trucs comme The Shallows , il y a du suspense dans la lutte d’un humain pour survivre, des capacités de réflexion critique et de grandes chances de risque prises pour espérer sortir de leur situation. Il y a quelque chose que nous aimons dans le fait de regarder les gens poussés à leurs limites mentales et physiques et, espérons-le, de s’en sortir à la fin. Peut-être sommes-nous contents que ce ne soit pas nous, peut-être prenons-nous des notes ? Néanmoins, cela peut être très amusant.
Grace Caroline Currey et Virginia Gardner jouent les personnages que nous sommes soumis à regarder lutter au sommet d’une vieille tour de télévision rouillée de 2 000 pieds de haut au milieu du désert. Le réalisateur Scott Mann tire tellement des deux protagonistes sympathiques ici dans l’effort et ils réussissent ce qui ne peut pas être une tâche facile. Le scénario et le film ajoutent cependant des peluches inutiles et des rebondissements de conflit qui ne semblent pas assez nécessaires et qui, en fin de compte, ressemblent à un claquement dur sur l’un des personnages pour justifier en quelque sorte grossièrement un certain aspect du film. Sans ce détail, c’est peut-être encore plus efficace d’un film et probablement encore meilleur en 80 minutes plus serrées au lieu de 105.
C’est une avenue étrange ici avec les effets visuels du film. La technologie numérique pour supprimer la malédiction dans le film n’est pas vraiment perceptible du tout. Et des accessoires pour construire une tour de 100 pieds sur laquelle filmer et avoir une bonne idée de l’échelle pour certains plans ainsi que quelque chose pour aider les acteurs à se perdre dans l’instant. Pour la plupart, les effets numériques sont plutôt bons, mais il y a de nombreux moments où nous « regardons vers le bas » que la toile de fond numérique et les personnages ne s’alignent pas via un problème d’éclairage combiné à un faux zoom global. . Vous pouvez probablement attribuer cela au fait que le film est assez agressif et veut y aller là où le temps et l’argent n’étaient probablement pas là en post-production. Bravo à eux pour cela,
Fall est un exercice assez solide de suspense de survie qui est entravé par des peluches inutiles et des effets numériques qui ne peuvent pas correspondre à l’ambition de l’équipe créative. Dans l’ensemble, cela en vaut vraiment la peine et parvient certainement à réaliser des séquences de morsures d’ongles extrêmement divertissantes avec deux protagonistes très capables qui auraient pu faire ce film tout seuls si nécessaire. Cela fonctionne assez bien pour être facilement recommandé et ferait une excellente soirée double ou triple avec d’autres thrillers de survie similaires piégés dans un espace isolé des 10 dernières années comme The Shallows , 127 Hours et 47 Meters down .
Video : Fall arrive sur Blu-ray standard avec une belle image vive et lumineuse. C’est assez net et net avec beaucoup d’informations et de détails assez clairs et proprement la scène. C’est un film super tourné numériquement avec les noirs qui ont l’air un peu gris et qui ont le béguin. Il y a des problèmes qui auraient pu être résolus en utilisant la technologie 4K, mais cela a peut-être aussi rendu les arrière-plans numériques évidents encore plus évidents. La profondeur de champ est assez forte, bien que les effets numériques la gênent un peu et que vous puissiez voir et sentir clairement une séparation entre un acteur et un arrière-plan numérique. Le mouvement est fluide et naturel avec un flou ou une gigue très minime à cause d’un mouvement rapide ou d’un coup de caméra. Les Noirs ont tendance à lutter dans les séquences nocturnes. Il y a beaucoup d’effet d’écrasement et d’entraînement, ce qui n’est pas idéal. Heureusement, il n’y a pas vraiment beaucoup d’action à gêner dans les séquences nocturnes, mais il a du mal à saturer le ciel et, dans certains plans, se débat avec les étoiles.Il s’agit d’un film très vif avec de belles couleurs vives. C’est un désert et très brun. Les filles portaient des vêtements plus sombres mais pas flamboyants. Cependant, des choses comme le drone et leurs étuis pour téléphones portables sont joliment colorés et donnent un peu de pop.Les tons chair sont naturels et constants du début à la fin. Les traits et la texture du visage sont clairs et discernables dans n’importe quelle prise de vue. Aucun problème avec les ajustements numériques du visage / de la bouche, car je ne pouvais même pas remarquer où ces choses étaient faites.
Audio Fall est livré avec un mix 5.1 solide comme le roc qui fait de son mieux pour simuler l’enfer que traversent les filles dans ce film. Il est bien équilibré avec une bonne stratification et de la profondeur. Le mélange garde constamment à l’esprit une expérience à 360 degrés et fait de son mieux pour vous jeter sur cette petite tour minuscule, les basses sont là pour une grande partie de la partition et certains des moments les plus en plein essor lorsque les choses se groupent et tombent à des degrés efficaces. il s’agit d’une expérience assez bien arrondie avec le vent soufflant, les corbeaux et plus provenant des canaux arrière de manière cohérente. Ils accordent également une grande attention aux mouvements de la caméra et conservent ce qui n’est peut-être plus à l’écran. Le débattement est assez bon, efficace et précis entre les enceintes réparties dans la pièce.
Bonus : FALL : Making Of (HD, 15:42) – Il s’agit d’une featurette assez solide qui, bien que basée sur la promotion du film, fait une bonne part de réflexion sans spoilers avec une bonne compréhension de tous les détails ( construire le décor, tourner, simuler profondément le dialogue en plusieurs parties) qui a rendu celui-ci possible.
Rapport de forme : 1.78:1 Classé : Tous publics Dimensions du colis : 17 x 13.9 x 1.3 cm; 70 grammes Audio description : : Français Réalisateur : Scott Mann Format : Couleur, Cinémascope Durée : 1 heure et 47 minutes Date de sortie : 7 décembre 2022 Acteurs : Grace Caroline Currey, Virginia Gardner, Mason Gooding, Jeffrey Dean Morgan, Jasper Cole Doublé : : Anglais, Français Sous-titres : : Français Langue : Anglais (DTS-HD 5.1), Français (DTS-HD 5.1) Studio : Wild Side Video
Al et Birdy habitent dans la banlieue grise de Philadelphie. Le premier, viril, dynamique et extraverti, ne pense qu’à séduire les filles. Tandis que l’autre timide et réservé, n’a de passion que pour les oiseaux qu’il observe en toutes occasions, rêvant même de pouvoir voler comme eux.
Chronique : Le roman extraordinaire de William Wharton a été jugé impossible à filmer. Racontées à la première personne par les deux personnages principaux, les pensées des garçons sont délimitées par le simple expédient d’avoir les souvenirs d’un personnage en caractères normaux et ceux de l’autre en italique. Wharton voulait du type noir et du type rouge, mais cela a été jugé trop coûteux. C’est un moyen humble mais efficace de déclencher qui vous écoutez dans le film de l’œil de l’esprit que vous créez lorsque vous lisez une grande histoire. Mais il y a beaucoup de pensée intérieure et d’envolées littérales de l’imagination. Stanley Kubrick a dit un jour : « Si cela peut être pensé, cela peut être filmé ». Mais Birdy était encore une demande difficile donnée quand il a été fait. Avec un drone 2019 ou un CGI astucieux, cette impossibilité disparaît tout simplement. Après coup, je découvre que Keith Gordon en parle dans l’un des Extras (tout comme le réalisateur Alan Parker et le médiateur Justin Johnson dans le commentaire). Mais Parker disposait de la technologie de 1984 et les tentatives d’installation d’une plate-forme volante ont échoué après deux prises et un crash qui a fait pleurer l’opérateur «Sky-cam». L’histoire d’un garçon obsédé par les oiseaux et le vol pourrait difficilement être cinématographiquement terrestre. Parker a improvisé et c’est tout à son honneur, ainsi qu’à celui de son équipe, que le film qui en résulte est captivant et magnifiquement réalisé.
Birdy est avant tout l’histoire d’une amitié improbable anéantie par la guerre malgré ce que l’auteur lui-même voudra peut-être vous faire croire. Il y a plus sur cette délicieuse petite question d’interprétation plus tard. Dans le roman, c’est la Seconde Guerre mondiale. Parker a mis à jour l’histoire et utilise la guerre du Vietnam beaucoup plus moralement boueuse pour traumatiser les deux amis, l’un dont le visage est rafistolé et l’autre dont le traumatisme l’a envoyé dans un état catatonique d’impuissance après avoir été absent pendant un mois en territoire ennemi. . L’histoire d’Alfonso (« Al ») Columbato et de son amitié naissante avec « Birdy » est racontée avec une structure éblouissante qui, sur le papier, a peut-être intrigué le lecteur, mais les transitions de l’éditeur Gerry Hambling sont si claires que vous vous sentez guidé à travers l’histoire. par un maître narratif. Il y a des moments dans le film qui présentent des plans uniques entrecoupés où nous passons du présent, du fantasme présent, de la mémoire passée, du retour au présent, puis du passé à nouveau. Vous n’êtes jamais confus et toujours intrigué. Je vais créditer Hambling pour cela car je ne peux pas imaginer que l’ordre de tournage soit répertorié dans le scénario et j’ai l’impression que Parker a vraiment fait confiance à son éditeur (c’était leur sixième film ensemble). Hambling est décédé à l’âge de 86 ans en 2013, nous ne pouvons donc pas lui demander. S’il est un métier du cinéma qui ne peut jamais être apprécié en voyant simplement le film, c’est bien le montage. Personne, sauf le réalisateur et le monteur – ceux qui vivent intimement avec les rushes – ne sait qui était responsable de quelles décisions créatives. Le travail d’un monteur consiste à porter à l’écran la vision du réalisateur. Comment quelqu’un en dehors de la salle de coupe peut-il juger ‘ meilleur montage », alors que le réalisateur peut être responsable de la plupart des décisions ? D’après mon expérience, juger le «meilleur montage» revient à prétendre qu’il est possible de reconstituer et d’identifier les tomates à partir d’une délicieuse sauce bolognaise. Seul le cuisinier peut le savoir…
Les deux garçons de Philadelphie sont réunis par l’attrait de gagner de l’argent avec des pigeons voyageurs. Tous deux sont issus de milieux pauvres. Al est le jock, le champion de lutte qui rencontre pour la première fois le garçon que nous ne connaissons que sous le nom de « Birdy » en se battant pour un couteau volé. La seule chose dans le film qui n’est pas tout à fait convaincante, c’est que Nicolas Cage semble beaucoup plus âgé que ses vingt ans réels. Ça n’aide pas que torse nu, il ressemble à un dieu. Mais passons à côté de cela. Je soupçonne qu’il n’y avait pas beaucoup de gymnases à Philadelphie dans les années 60, mais pour être honnête, ils s’entraînent avec des haltères à l’écran dans les bidonvilles et il y a plus d’haltères dans le gymnase de l’hôpital psychiatrique. Alors, ignorez simplement mon observation de gym alors. Leur amitié naissante est entrecoupée de scènes dans ledit hôpital psychiatrique de nos jours où Al rend visite à son ami pour tenter de le sortir de son état catatonique. Au début du film, on ne nous dit jamais comment les deux hommes se sont retrouvés comme ils l’ont fait, mais il y a suffisamment de confiance dans la narration pour que les blancs soient remplis très facilement. Nous sautons d’avant en arrière tout au long du film qui approfondit la relation entre les deux avec Al constamment perplexe et frustré par l’obsession abstraite de Birdy et avec Birdy insensible à ce que l’on suppose qui passe habituellement par l’esprit d’un garçon de dix-huit ans.
Je dois distinguer les performances de Matthew Modine et de Nicolas Cage. Ils rendent la relation de Birdy et Al sans effort et, d’une manière étrange, inévitable. Tout sous-texte homoérotique que certains commentateurs meurent d’envie d’insérer dans des amitiés homosexuelles est pris en charge au début du film avec Cage bandé disant au psychiatre de Birdy « nous n’étions pas queer les uns pour les autres ou quelque chose comme ça ». Je ne sais pas où en est la société aujourd’hui sur le mot ‘q’ donc si je dois me défendre de l’utiliser, c’est dans le film. Ce qui est le plus frappant, ce sont les changements que traversent les deux hommes. Modine n’est pas tenu de faire grand-chose à l’asile bien que sa représentation physique de la catatonie d’inspiration aviaire soit très convaincante. Et c’est un âge loin de l’âme insouciante et du charme enfantin avant que le Vietnam ne lui mette le camp d’entraînement. Dans les premières scènes d’amitié, Modine semble toujours être capable de voir les choses à quelques centimètres derrière l’épaule gauche d’Al, un monde qu’il cherche désespérément à rejoindre mais dont l’entrée est à jamais refusée. L’adhésion dépend de la capacité à prendre l’air. Cage a eu recours à l’extraction des dents parce qu’il estimait que c’était mieux pour le personnage après la blessure. Engagement respectueux ou folie théâtrale ? Sa transformation physique et psychologique est profondément choquante. Cette confiance impétueuse et fluide se déverse en fait de lui en tant que jeune homme à son apogée, pré-Vietnam. De l’autre côté de la guerre, il est une coquille desséchée, moins un homme et plus un symptôme de six pieds des instincts les plus stupides et les plus destructeurs de l’humanité. Toujours le plus félin des déménageurs, Cage opère une étonnante métamorphose. Sa démarche traînante met des décennies sur lui et il ‘ Je suis d’avis qu’à l’âge tendre de vingt ans, je n’ai pas vu une performance aussi immensément sympathique de sa part depuis. Il est tout à fait convaincant en tant que rapatrié endommagé, choqué par les obus et blessé. Et il juge la rage, le chagrin et l’émerveillement d’Al d’une manière que ses performances ultérieures n’ont jamais vraiment touchée. Cette opinion est renforcée par le commentaire, quelque chose que je trouve à la fois gratifiant et ennuyeux (pour la raison fréquente que Slarek et moi sommes en proie à arriver à des conclusions indépendamment avant d’ entendre les figurants). La fin de ce film me laisse un gâchis émotionnel et bien sûr, le film est dans mon top trois des « Fin de tournage les plus satisfaisantes » de toute ma carrière cinématographique. Et je ne me souviens pas des deux autres pour le moment…
Peter Gabriel était une grande pop star dans les années 80 et Parker voulait travailler avec lui. Il avait temporairement suivi le film avec des percussions créatives de ses albums solo, mais on lui a dit que Gabriel travaillait à un rythme qui ne lui convenait pas à Hollywood. Alors Parker a eu son gâteau temporaire et l’a mangé aussi. Gabriel a travaillé avec de la musique existante et l’a remixée et retravaillée pour le film. Et ça marche si bien. Ses morceaux plus lents ont une qualité éthérée, un miroir pour l’esprit de l’oiseau, mais lorsque l’action l’exige, la force et la puissance de la percussion sont saisissantes. La partition de Birdy est autant tissée dans le tissu émotionnel du film que tout autre élément et l’aide à s’envoler. Modine appelle Gabriel son partenaire dans sa performance, une générosité qui mérite d’être célébrée.
Lors de mon énième visionnage, j’ai remarqué à quel point le scénario était intelligent. L’un des avantages de plonger profondément dans les films est que la compétence et l’intention des cinéastes sont parfois intensifiées. Connaissant si bien le film, j’ai enregistré deux livraisons en ligne de Birdy’s qui avaient une signification particulière que je n’avais pas réalisée auparavant. C’était l’équivalent ridicule de mon moi de quarante-huit ans il y a un certain temps, réalisant soudainement que l’album de Bowie Aladdin Saneétait un jeu de mots. Lorsqu’il est en danger de mort alors qu’il est suspendu à une gouttière qui se brise à quarante pieds, la livraison de Modine de la ligne « Non Al. Je vais voler », est en fait livrée avec un petit rire. Cela s’est logé dans ma mémoire et une nouvelle audition a ramené le film avec une telle vivacité. Si je devais critiquer quoi que ce soit (seulement si je devais le faire)… Supposons-nous que Birdy et Al ont dégagé un chemin lisse dans la décharge ? C’est tourné comme s’ils parcouraient les poubelles et je ne sais pas à quel point ce serait crédible. L’accélération optique des garçons est nécessaire pour que Birdy ait au moins un certain élan pour prendre son envol, mais la technologie à l’époque signifiait que vous vous éloigniez d’une génération du négatif et de l’impression d’origine et il y a donc une variation de qualité dans la prise de vue accélérée . Les plans accélérés d’actions humaines courantes courent toujours le risque de risibilité.
Il y a un problème similaire dans l’insertion de trois plans de bibliothèque dans la scène culminante du Vietnam impliquant Birdy. Comme on pouvait s’y attendre, les plans de la bibliothèque étaient granuleux en 1984, soit à l’origine sur 16 mm et soufflés jusqu’à 35 mm, soit filmés en 35 mm, mais à plusieurs générations du négatif original. Alors que l’équipage a travaillé dur pour créer un Vietnam crédible (ils ont fait pousser le bon feuillage bien à l’avance et ont ajouté l’étrange oiseau exotique, à savoir un calao), la nature granuleuse des plans insérés ne sert que de petit coup dans l’immersion totale du scène et sa puissance émotionnelle. Il y a aussi une vanité éditoriale avec laquelle Hambling s’en tire parce que la plupart des critiques n’ont pas d’expérience en cinéma d’histoire naturelle. Birdy tend la main au calao. L’oiseau lève les yeux, voit un plan de bibliothèque de créatures volantes et c’est l’impulsion pour que le calao les rejoigne. Il y a deux éditions plus importantes des essaims de dépliants de la bibliothèque. Il n’y a qu’un petit problème. Ce ne sont pas des oiseaux. Je suis un peu étonné que personne n’ait relevé cela en post-production. Était-il supposé que parce que ces créatures avaient des ailes, elles étaient des oiseaux ? Ou est-ce que Parker et Hambling savaient et supposaient que personne ne s’en soucierait ? Vous pouvez dire que les cinéastes étaient fous de prendre ce risque. On pourrait dire qu’ils étaient chauves-souris, car les dépliants l’étaient certainement – des chauves-souris frugivores. À la fin et à la fin, personne ne s’en soucie vraiment. Le meilleur reste à venir… c’étaient des oiseaux? Ou est-ce que Parker et Hambling savaient et supposaient que personne ne s’en soucierait ? Vous pouvez dire que les cinéastes étaient fous de prendre ce risque. On pourrait dire qu’ils étaient chauves-souris, car les dépliants l’étaient certainement – des chauves-souris frugivores. À la fin et à la fin, personne ne s’en soucie vraiment. Le meilleur reste à venir… c’étaient des oiseaux? Ou est-ce que Parker et Hambling savaient et supposaient que personne ne s’en soucierait ? Vous pouvez dire que les cinéastes étaient fous de prendre ce risque. On pourrait dire qu’ils étaient chauves-souris, car les dépliants l’étaient certainement – des chauves-souris frugivores. À la fin et à la fin, personne ne s’en soucie vraiment. Le meilleur reste à venir…
son et vision
Présenté dans le rapport d’aspect de 1,85: 1, Birdy a l’air d’une propreté étincelante et exempt de tous les suspects habituels en ce qui concerne les tirages de films, des choses comme les rayures, les étincelles ou la poussière. Quelqu’un a soit trouvé une impression impeccable, soit fait un beau et subtil travail de restauration. Bravo, Rita Belda. La merveilleuse cinématographie de Michael Seresin est magnifiquement préservée; les couleurs vibrantes et vivantes dans les flashbacks, calmes et assourdies dans le présent clinique. Le contraste est au rendez-vous. Avec les quatre blips étant une balade à vélo optiquement accélérée et trois plans de bibliothèque douteux (de chauves-souris), le film a l’air absolument génial.
La bande-son stéréo a une belle plage dynamique complète avec tous les dialogues clairs et les basses de la partition percutante et dynamique de Gabriel sont entièrement arrondies. Mélangeur de doublage légendaire (appelé aux États-Unis, un mélangeur de réenregistrement) Bill Rowe a mélangé une partition exquise, puissante et pourtant douce, émotionnelle et immersive.
Il existe de nouveaux sous-titres anglais améliorés pour les sourds et les malentendants.
fonctionnalités supplémentaires
L’abstraction de la guerre Je n’avais jamais vu Modine en tant que Modine auparavant, tout comme Birdy et Private Joker ( Full Metal Jacket) et le reste de ses personnages. Parlant doucement et toujours avec une chevelure pleine, il se souvient du processus de casting dans lequel il a en fait auditionné pour le rôle d’Al pensant qu’il ne convenait pas au personnage de Birdy. Il parle de son côté spirituel et, s’arrêtant avec une mise en garde de « interprétez cela de toute façon », il attribue le mérite aux âmes des victimes du SSPT qui se précipitent à l’intérieur de lui pour le porter à travers le personnage. D’accord … Il s’attribue le mérite de l’image réelle perchée au bout du lit avec Parker annonçant prétendument que « Modine dirige le film maintenant! » après avoir senti qu’il avait obtenu les clichés qu’il voulait. Il y a de jolis détails sur la façon dont sa relation avec Cage a commencé en pré-production et en rencontrant Peter Gabriel à Cannes sans savoir qui il était.Birdy plus et ne se concentre pas sur ses rôles les plus célèbres pour des réalisateurs plus loués. Sa réponse à cela était charmante et réconfortante.
Haut Vol Il s’agit d’un excellent et enthousiaste mémoire des deux scénaristes originaux. Ils mentionnent que le livre a tout en termes de narration même si ça « rebondit beaucoup » mais si « on enlève les plumes, ça a une colonne vertébrale solide ». Il est clair qu’il s’agit d’un partenariat qui a résisté à l’épreuve du temps. Les deux ont cliqué dans leurs passions mutuelles. Il y a une belle rupture du lien entre les deux chronologies distinctes. Aussi le changement dans « qui aide qui? » est touché.
Peter Gabriel ; la musique réinventé Dans une technique séculaire (au moins 15 ans) de présentation de matériel de définition standard plus ancien dans un cadre HD, nous rétrécir l’écran de M. Gabriel pour que les définitions correspondent. Je comprends l’utilisation de clips du film au cas où ces fonctionnalités supplémentaires seraient autonomes, mais il est un peu ennuyeux de passer d’un extra à l’autre et d’être présenté avec les mêmes clips. Juste un petit C’est probablement parce que la société de Gabriel a reconditionné l’ancienne interview dans un nouveau cadre sans savoir quels clips provenaient du supplément précédent dans la liste. Compte tenu de la façon dont le film m’a affecté, je suis surpris d’entendre à quel point il était peu connu ou est.Gabriel nous fait part de la créativité atmosphérique qui donne à Birdy‘s marque un son si unique. Il nous raconte son histoire d’amour bien connue avec le sampler Fairlight. Les crédits montrent que les sections Gabriel ont été tirées d’un documentaire de 2002 qui contredit l’année 2000 répertoriée. « J’ai un très bon ami à Wome qui s’appelle Nittus Pickus. »
Prendre la plume Keith Gordon est un cinéaste et un acteur qui montre un grand respect pour ses collègues cinéastes et films et il est clair qu’il est à la fois intelligent et sensible , des aspects de son personnage qui ne peuvent tout simplement pas s’adapter dans Jaws 2. Gordon prend le style intérieur du romancier Wharton et dit que c’est parfait pour les films parce que pénétrer dans la tête de quelqu’un est ce que les films font le mieux. Et il y a le tour du chapeau ! Les mêmes clips du dernier deux figurants en moins de 90 secondes dans celui-ci ! Est-ce un complot ? Wharton a pris contact après avoir vu l’adaptation par Gordon de son livre A Midnight Clear. Les yeux d’Ethan Hawke n’étaient pas assez bleus apparemment… J’accueillerais ce genre de critique avec plaisir ! Un bon point est fait sur le « réel » par rapport au « poétique ». Il a beaucoup à dire sur les cinéastes utilisant de la musique existante plutôt que sur mesure. Et son résumé de la valeur et de la valeur de Birdy est quelque chose avec lequel cet écrivain est entièrement d’accord.
Rapport de forme : 1.85:1 Classé : Tous publics Dimensions du colis : 19.2 x 14.2 x 2.1 cm; 330 grammes Réalisateur : Alan Parker Format : Couleur, Cinémascope Durée : 2 heures Date de sortie : 7 décembre 2022 Acteurs : Matthew Modine, Nicolas Cage, John Harkins, Sandy Baron, Karen Young Doublé : : Anglais, Français Sous-titres : : Français Langue : Anglais (DTS-HD 2.0), Français (DTS-HD 2.0) Studio : Wild Side Video
Mers, fleuves, îles, déserts, montagnes, villes… D’avril à novembre 2021, l’astronaute Thomas Pesquet a photographié depuis la Station spatiale internationale notre planète sous toutes ses facettes.
Chronique : Notre planète est photographiée sous toutes les coutures sous toutes les coutures par un homme qui ne manquera pas de marquer son temps. Fait intéressant, dans une interview, Thomas Pesquet a expliqué qu’il était le seul à prendre des photos sur l’ISS, éliminant ainsi toute sorte de concurrence, mais tout d’un coup, il était seul sans personne autour pour lui donner des conseils. l’astronaute de renommée mondiale se démarque par une performance stellaire, réalisant de très belles photos aussi spectaculaires que spectaculaires. Il a mis notre planète à l’honneur. C’est le message qu’il a envoyé. Le grand homme a généreusement cédé les droits d’auteur aux Restos du Coeur. C’est un grand pas en avant pour faire comprendre aux gens le destin de notre planète. C’est la terre entre nos mains et il est temps de réagir et enfin de la respecter.
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