« Petits moments d’amour » est une douce collection de bande dessinée sur les moments simples (mais précieux), absurdes et quotidiens d’une relation de couple. Catana Chetwynd partage depuis plusieurs années sur internet sa relation avec son petit ami et des millions de gens suivent ses tendres aventures et se retrouvent dans ces petits moments qui font le sel de la vie à 2.
Chronique : Cette bande dessinée nous raconte la vie quotidienne de Catana et de son petit ami et à quel point ils s’aiment. C’était vraiment trop adorable et mignon, mais parfois je n’ai pas pu m’empêcher de rire à certaines scènes. Ils sont vraiment si mignons tous les deux.
Mais ce n’est pas tout, il y a aussi beaucoup de choses que je peux reconnaître ou auxquelles je peux m’identifier. Comme le sens des fesses (un sens très très important à avoir), mais aussi voler ses vêtements, devoir lui demander de se pencher pour que je puisse l’embrasser (nous avons une différence de 32/33 cm). Et aussi des choses comme quand nous avons commencé à sortir ensemble et comment c’est maintenant après des années sont des choses que je fais aussi/je me demande/je suis heureuse. J’adore lire des livres ou des bandes dessinées et pouvoir me dire : » OMG, nous faisons la même chose ! OMG nous faisons la même chose ! OMG c’est la même chose pour moi ! 🙂 Cela me fait définitivement aimer quelque chose encore plus.
L’art est la seule chose dont je ne suis pas sûr. Je ne dis pas qu’il est mauvais ! Pas du tout, mais, arghh, je ne sais pas comment le dire de la bonne façon. Je pense que ça a à voir avec les yeux ronds géants 😛
Dans l’ensemble, c’est une bande dessinée très mignonne et je la recommande à tous ceux qui ont besoin d’un peu d’amour, de romance et de mignonnerie !
Absolument adorable et il est également un grand cadeau pour les amis. J’espère qu’il y aura bientôt un deuxième volume de ce livre !
ASIN : B07KBQMXCQ Éditeur : M.Pop corn; Illustrated édition (7 février 2019) Langue : Français Relié : 160 pages
Amy, mère de deux enfants et récemment veuve, mène une existence tranquille dans une petite ville des Etats-Unis. Un matin, alors qu’elle part se ressourcer et courir en forêt, un tireur fou fait irruption dans le collège de Noah, son fils. L’établissement est immédiatement placé sous haute surveillance. Pour Amy, la course contre la montre commence : elle va tout tenter pour protéger son fils…
Chronique : À l’approche du premier anniversaire de la mort de son mari, Amy Carr (Naomi Watts) fait de son mieux pour que sa jeune fille Emily (Sierra Maltby) et son fils adolescent Noah (Colton Gobbo, Ginny & Georgia). Mais au cours de l’année écoulée, Noah est devenu colérique et distant, et Amy se demande si son fils l’aime toujours. Amy décide de prendre une journée de congé et de faire du jogging dans les bois pour se vider la tête, mais après avoir été constamment submergée par les appels de son collègue, de sa mère, de son mécanicien et d’autres, elle décide de couper son téléphone. Cependant, après avoir vu passer des voitures de police, elle reçoit soudainement une alerte d’urgence indiquant qu’il y a une sorte d’incident qui a mis l’école de son fils en quarantaine. À des kilomètres de chez elle, de l’école et de tout moyen de transport, Amy essaie maintenant désespérément de rentrer chez elle, d’obtenir des détails sur ce qui se passe et de savoir si son fils va bien, mais ses SMS et ses appels à Noah disparaissent sans réponse et les appels au 911, à la police et à des amis ne font qu’aggraver ses inquiétudes.
The Desperate Hour est un thriller tendu et émotionnel qui se déroule à peu près en temps réel, suivant l’heure la plus terrifiante de la vie d’une mère alors qu’elle court désespérément contre le temps pour sauver son fils. Même si elle est épuisée, blessée et armée uniquement de son téléphone portable, Amy ne reculera devant rien pour trouver et aider son fils – elle ne perdra pas un autre membre de sa famille ! J’ai été assez impressionné par ce film, et surtout par la performance de Naomi Watts. Pendant presque tout le film, elle est la seule actrice à l’écran, offrant une performance forte et émouvante, exprimant le chagrin de cette veuve et mère et vous gardant investi dans ce qui se passe, malgré le fait que ses seuls partenaires de scène sont Siri et voix provenant du téléphone. D’une certaine manière, je me suis un peu rappelé Phone game, où d’une manière ou d’une autre une seule personne dans un seul endroit pendant une grande partie du film fonctionne, et peut toujours être tendue, excitante et émotionnelle. De plus, au début de son jogging, Amy trébuche un peu et se blesse – tout au long du film, Watts fait un excellent travail avec sa performance physique, vous faisant ressentir et croire cette douleur et cette lutte qu’Amy mène alors qu’elle continue à courir pour rejoindre son fils.
Tout se déroule en une seule journée de septembre dans une petite ville du Nord. La journée commence sereine alors qu’Amy traverse les magnifiques bois aux couleurs de l’automne, pensant à son mari tout en regardant les eaux vives du ruisseau. Mais cette tranquillité est interrompue alors que sa concentration devient désespérée en essayant de revenir à son fils. La nature en temps réel du film, sa partition tendue et ses caméras portables contribuent à augmenter la tension de la situation. Même si une grande partie du film trouve Amy courant dans les bois, il reste en quelque sorte complètement engageant, changeant les choses avec des plans de drone aériens pittoresques, ainsi qu’Amy utilisant son téléphone pour demander de l’aide, ou pour canaliser son intérieur Nancy Drew pour comprendre Que se passe-t-il. Elle vérifie également constamment les bulletins d’information en direct et utilise sa carte AR pour essayer de trouver un chemin plus rapide vers son fils.
À l’approche du premier anniversaire de la mort de son mari, Amy Carr (Naomi Watts, The Loudest Voice ) fait de son mieux pour que sa jeune fille Emily (Sierra Maltby) et son fils adolescent Noah (Colton Gobbo, Ginny & Georgia). Mais au cours de l’année écoulée, Noah est devenu colérique et distant, et Amy se demande si son fils l’aime toujours. Amy décide de prendre une journée de congé et de faire du jogging dans les bois pour se vider la tête, mais après avoir été constamment submergée par les appels de son collègue, de sa mère, de son mécanicien et d’autres, elle décide de couper son téléphone. Cependant, après avoir vu passer des voitures de police, elle reçoit soudainement une alerte d’urgence indiquant qu’il y a une sorte d’incident qui a mis l’école de son fils en quarantaine. À des kilomètres de chez elle, de l’école et de tout moyen de transport, Amy essaie maintenant désespérément de rentrer chez elle, d’obtenir des détails sur ce qui se passe et de savoir si son fils va bien, mais ses SMS et ses appels à Noah disparaissent sans réponse et les appels au 911, à la police et à des amis ne font qu’aggraver ses inquiétudes.
The Desperate Hour est un thriller tendu et émotionnel qui se déroule à peu près en temps réel, suivant l’heure la plus terrifiante de la vie d’une mère alors qu’elle court désespérément contre le temps pour sauver son fils. Même si elle est épuisée, blessée et armée uniquement de son téléphone portable, Amy ne reculera devant rien pour trouver et aider son fils – elle ne perdra pas un autre membre de sa famille ! J’ai été assez impressionné par ce film, et surtout par la performance de Naomi Watts. Pendant presque tout le film, elle est la seule actrice à l’écran, offrant une performance forte et émouvante, exprimant le chagrin de cette veuve et mère et vous gardant investi dans ce qui se passe, malgré le fait que ses seuls partenaires de scène sont Siri et voix provenant du téléphone. D’une certaine manière, je me suis un peu rappelé Phone Booth, où d’une manière ou d’une autre une seule personne dans un seul endroit pendant une grande partie du film fonctionne, et peut toujours être tendue, excitante et émotionnelle. De plus, au début de son jogging, Amy trébuche un peu et se blesse – tout au long du film, Watts fait un excellent travail avec sa performance physique, vous faisant ressentir et croire cette douleur et cette lutte qu’Amy mène alors qu’elle continue à courir pour rejoindre son fils.
Tout se déroule en une seule journée de septembre dans une petite ville du Nord. La journée commence sereine alors qu’Amy traverse les magnifiques bois aux couleurs de l’automne, pensant à son mari tout en regardant les eaux vives du ruisseau. Mais cette tranquillité est interrompue alors que sa concentration devient désespérée en essayant de revenir à son fils. La nature en temps réel du film, sa partition tendue et ses caméras portables contribuent à augmenter la tension de la situation. Même si une grande partie du film trouve Amy courant dans les bois, il reste en quelque sorte complètement engageant, changeant les choses avec des plans de drone aériens pittoresques, ainsi qu’Amy utilisant son téléphone pour demander de l’aide, ou pour canaliser son intérieur Nancy Drew pour comprendre Que se passe-t-il. Elle vérifie également constamment les bulletins d’information en direct et utilise sa carte AR pour essayer de trouver un chemin plus rapide vers son fils.
Video / Audio : La version dvd de Wild Bunch est tres bonne. L’image est nette et claire et capture la beauté du cadre naturel de l’automne. Il y a un grand niveau de détail, en particulier dans les gros plans de visages. Les images du téléphone sont également bien intégrées dans l’image d’une manière qui semble naturelle et pas seulement CG. Il y a quelques moments où Amy court, l’image devient un peu tremblante et moins claire, mais je n’ai jamais trouvé cela trop distrayant. La piste audio fait un excellent usage du canal surround pour ajouter l’ambiance immersive de la nature, ainsi que des échos dans la tête d’Amy dans une scène. De plus, les nombreuses conversations téléphoniques semblent pleines et claires. La version n’inclut aucun matériel bonus ni copie numérique.
Rapport de forme : 1.78:1 Classé : Tous publics Audio description : : Français Réalisateur : Phillip Noyce Format : Couleur, Cinémascope, PAL Durée : 1 heure et 21 minutes Date de sortie : 7 décembre 2022 Acteurs : Naomi Watts, Colton Gobbo, Andrew Chown, Sierra Maltby, Michelle Johnston Doublé : : Anglais Sous-titres : : Français Langue : Anglais (Dolby Digital 5.1), Français (Dolby Digital 5.1), Anglais (DTS 5.1) Studio : Wild Side Video
Becky et Hunter sont deux amies passionnées d’escalade. Constamment à la recherche de sensations fortes et endeuillées après un terrible accident, elles décident de relever un nouveau défi : grimper une tour de télécommunication désaffectée de plus de 600 mètres. Malgré leur niveau d’expertise, les deux jeunes femmes se retrouvent accidentellement coincées au sommet, sans ressource, sous un soleil cuisant…
Chronique : Pour les meilleures amies Becky (Grace Caroline Currey) et Hunter (Virginia Gardner), la vie consiste à vaincre ses peurs et à repousser ses limites. Mais après avoir grimpé à 2 000 pieds au sommet d’une tour de radio isolée et abandonnée, ils se retrouvent bloqués sans aucun moyen de descendre. Maintenant, les compétences expertes en escalade de Becky et Hunter seront mises à l’épreuve ultime alors qu’ils se battent désespérément pour survivre aux éléments, au manque de fournitures et aux hauteurs vertigineuses dans ce thriller alimenté par l’adrénaline .
Les horreurs / thrillers de survie minimalistes sont assez amusants lorsque le choix du décor ou de l’environnement est l’un des plus amusants pour votre argent que l’on puisse avoir au cinéma. Des efforts comme l’original Saw ou Phone Booth à des trucs comme The Shallows , il y a du suspense dans la lutte d’un humain pour survivre, des capacités de réflexion critique et de grandes chances de risque prises pour espérer sortir de leur situation. Il y a quelque chose que nous aimons dans le fait de regarder les gens poussés à leurs limites mentales et physiques et, espérons-le, de s’en sortir à la fin. Peut-être sommes-nous contents que ce ne soit pas nous, peut-être prenons-nous des notes ? Néanmoins, cela peut être très amusant.
Grace Caroline Currey et Virginia Gardner jouent les personnages que nous sommes soumis à regarder lutter au sommet d’une vieille tour de télévision rouillée de 2 000 pieds de haut au milieu du désert. Le réalisateur Scott Mann tire tellement des deux protagonistes sympathiques ici dans l’effort et ils réussissent ce qui ne peut pas être une tâche facile. Le scénario et le film ajoutent cependant des peluches inutiles et des rebondissements de conflit qui ne semblent pas assez nécessaires et qui, en fin de compte, ressemblent à un claquement dur sur l’un des personnages pour justifier en quelque sorte grossièrement un certain aspect du film. Sans ce détail, c’est peut-être encore plus efficace d’un film et probablement encore meilleur en 80 minutes plus serrées au lieu de 105.
C’est une avenue étrange ici avec les effets visuels du film. La technologie numérique pour supprimer la malédiction dans le film n’est pas vraiment perceptible du tout. Et des accessoires pour construire une tour de 100 pieds sur laquelle filmer et avoir une bonne idée de l’échelle pour certains plans ainsi que quelque chose pour aider les acteurs à se perdre dans l’instant. Pour la plupart, les effets numériques sont plutôt bons, mais il y a de nombreux moments où nous « regardons vers le bas » que la toile de fond numérique et les personnages ne s’alignent pas via un problème d’éclairage combiné à un faux zoom global. . Vous pouvez probablement attribuer cela au fait que le film est assez agressif et veut y aller là où le temps et l’argent n’étaient probablement pas là en post-production. Bravo à eux pour cela,
Fall est un exercice assez solide de suspense de survie qui est entravé par des peluches inutiles et des effets numériques qui ne peuvent pas correspondre à l’ambition de l’équipe créative. Dans l’ensemble, cela en vaut vraiment la peine et parvient certainement à réaliser des séquences de morsures d’ongles extrêmement divertissantes avec deux protagonistes très capables qui auraient pu faire ce film tout seuls si nécessaire. Cela fonctionne assez bien pour être facilement recommandé et ferait une excellente soirée double ou triple avec d’autres thrillers de survie similaires piégés dans un espace isolé des 10 dernières années comme The Shallows , 127 Hours et 47 Meters down .
Video : Fall arrive sur Blu-ray standard avec une belle image vive et lumineuse. C’est assez net et net avec beaucoup d’informations et de détails assez clairs et proprement la scène. C’est un film super tourné numériquement avec les noirs qui ont l’air un peu gris et qui ont le béguin. Il y a des problèmes qui auraient pu être résolus en utilisant la technologie 4K, mais cela a peut-être aussi rendu les arrière-plans numériques évidents encore plus évidents. La profondeur de champ est assez forte, bien que les effets numériques la gênent un peu et que vous puissiez voir et sentir clairement une séparation entre un acteur et un arrière-plan numérique. Le mouvement est fluide et naturel avec un flou ou une gigue très minime à cause d’un mouvement rapide ou d’un coup de caméra. Les Noirs ont tendance à lutter dans les séquences nocturnes. Il y a beaucoup d’effet d’écrasement et d’entraînement, ce qui n’est pas idéal. Heureusement, il n’y a pas vraiment beaucoup d’action à gêner dans les séquences nocturnes, mais il a du mal à saturer le ciel et, dans certains plans, se débat avec les étoiles.Il s’agit d’un film très vif avec de belles couleurs vives. C’est un désert et très brun. Les filles portaient des vêtements plus sombres mais pas flamboyants. Cependant, des choses comme le drone et leurs étuis pour téléphones portables sont joliment colorés et donnent un peu de pop.Les tons chair sont naturels et constants du début à la fin. Les traits et la texture du visage sont clairs et discernables dans n’importe quelle prise de vue. Aucun problème avec les ajustements numériques du visage / de la bouche, car je ne pouvais même pas remarquer où ces choses étaient faites.
Audio Fall est livré avec un mix 5.1 solide comme le roc qui fait de son mieux pour simuler l’enfer que traversent les filles dans ce film. Il est bien équilibré avec une bonne stratification et de la profondeur. Le mélange garde constamment à l’esprit une expérience à 360 degrés et fait de son mieux pour vous jeter sur cette petite tour minuscule, les basses sont là pour une grande partie de la partition et certains des moments les plus en plein essor lorsque les choses se groupent et tombent à des degrés efficaces. il s’agit d’une expérience assez bien arrondie avec le vent soufflant, les corbeaux et plus provenant des canaux arrière de manière cohérente. Ils accordent également une grande attention aux mouvements de la caméra et conservent ce qui n’est peut-être plus à l’écran. Le débattement est assez bon, efficace et précis entre les enceintes réparties dans la pièce.
Bonus : FALL : Making Of (HD, 15:42) – Il s’agit d’une featurette assez solide qui, bien que basée sur la promotion du film, fait une bonne part de réflexion sans spoilers avec une bonne compréhension de tous les détails ( construire le décor, tourner, simuler profondément le dialogue en plusieurs parties) qui a rendu celui-ci possible.
Rapport de forme : 1.78:1 Classé : Tous publics Dimensions du colis : 17 x 13.9 x 1.3 cm; 70 grammes Audio description : : Français Réalisateur : Scott Mann Format : Couleur, Cinémascope Durée : 1 heure et 47 minutes Date de sortie : 7 décembre 2022 Acteurs : Grace Caroline Currey, Virginia Gardner, Mason Gooding, Jeffrey Dean Morgan, Jasper Cole Doublé : : Anglais, Français Sous-titres : : Français Langue : Anglais (DTS-HD 5.1), Français (DTS-HD 5.1) Studio : Wild Side Video
Al et Birdy habitent dans la banlieue grise de Philadelphie. Le premier, viril, dynamique et extraverti, ne pense qu’à séduire les filles. Tandis que l’autre timide et réservé, n’a de passion que pour les oiseaux qu’il observe en toutes occasions, rêvant même de pouvoir voler comme eux.
Chronique : Le roman extraordinaire de William Wharton a été jugé impossible à filmer. Racontées à la première personne par les deux personnages principaux, les pensées des garçons sont délimitées par le simple expédient d’avoir les souvenirs d’un personnage en caractères normaux et ceux de l’autre en italique. Wharton voulait du type noir et du type rouge, mais cela a été jugé trop coûteux. C’est un moyen humble mais efficace de déclencher qui vous écoutez dans le film de l’œil de l’esprit que vous créez lorsque vous lisez une grande histoire. Mais il y a beaucoup de pensée intérieure et d’envolées littérales de l’imagination. Stanley Kubrick a dit un jour : « Si cela peut être pensé, cela peut être filmé ». Mais Birdy était encore une demande difficile donnée quand il a été fait. Avec un drone 2019 ou un CGI astucieux, cette impossibilité disparaît tout simplement. Après coup, je découvre que Keith Gordon en parle dans l’un des Extras (tout comme le réalisateur Alan Parker et le médiateur Justin Johnson dans le commentaire). Mais Parker disposait de la technologie de 1984 et les tentatives d’installation d’une plate-forme volante ont échoué après deux prises et un crash qui a fait pleurer l’opérateur «Sky-cam». L’histoire d’un garçon obsédé par les oiseaux et le vol pourrait difficilement être cinématographiquement terrestre. Parker a improvisé et c’est tout à son honneur, ainsi qu’à celui de son équipe, que le film qui en résulte est captivant et magnifiquement réalisé.
Birdy est avant tout l’histoire d’une amitié improbable anéantie par la guerre malgré ce que l’auteur lui-même voudra peut-être vous faire croire. Il y a plus sur cette délicieuse petite question d’interprétation plus tard. Dans le roman, c’est la Seconde Guerre mondiale. Parker a mis à jour l’histoire et utilise la guerre du Vietnam beaucoup plus moralement boueuse pour traumatiser les deux amis, l’un dont le visage est rafistolé et l’autre dont le traumatisme l’a envoyé dans un état catatonique d’impuissance après avoir été absent pendant un mois en territoire ennemi. . L’histoire d’Alfonso (« Al ») Columbato et de son amitié naissante avec « Birdy » est racontée avec une structure éblouissante qui, sur le papier, a peut-être intrigué le lecteur, mais les transitions de l’éditeur Gerry Hambling sont si claires que vous vous sentez guidé à travers l’histoire. par un maître narratif. Il y a des moments dans le film qui présentent des plans uniques entrecoupés où nous passons du présent, du fantasme présent, de la mémoire passée, du retour au présent, puis du passé à nouveau. Vous n’êtes jamais confus et toujours intrigué. Je vais créditer Hambling pour cela car je ne peux pas imaginer que l’ordre de tournage soit répertorié dans le scénario et j’ai l’impression que Parker a vraiment fait confiance à son éditeur (c’était leur sixième film ensemble). Hambling est décédé à l’âge de 86 ans en 2013, nous ne pouvons donc pas lui demander. S’il est un métier du cinéma qui ne peut jamais être apprécié en voyant simplement le film, c’est bien le montage. Personne, sauf le réalisateur et le monteur – ceux qui vivent intimement avec les rushes – ne sait qui était responsable de quelles décisions créatives. Le travail d’un monteur consiste à porter à l’écran la vision du réalisateur. Comment quelqu’un en dehors de la salle de coupe peut-il juger ‘ meilleur montage », alors que le réalisateur peut être responsable de la plupart des décisions ? D’après mon expérience, juger le «meilleur montage» revient à prétendre qu’il est possible de reconstituer et d’identifier les tomates à partir d’une délicieuse sauce bolognaise. Seul le cuisinier peut le savoir…
Les deux garçons de Philadelphie sont réunis par l’attrait de gagner de l’argent avec des pigeons voyageurs. Tous deux sont issus de milieux pauvres. Al est le jock, le champion de lutte qui rencontre pour la première fois le garçon que nous ne connaissons que sous le nom de « Birdy » en se battant pour un couteau volé. La seule chose dans le film qui n’est pas tout à fait convaincante, c’est que Nicolas Cage semble beaucoup plus âgé que ses vingt ans réels. Ça n’aide pas que torse nu, il ressemble à un dieu. Mais passons à côté de cela. Je soupçonne qu’il n’y avait pas beaucoup de gymnases à Philadelphie dans les années 60, mais pour être honnête, ils s’entraînent avec des haltères à l’écran dans les bidonvilles et il y a plus d’haltères dans le gymnase de l’hôpital psychiatrique. Alors, ignorez simplement mon observation de gym alors. Leur amitié naissante est entrecoupée de scènes dans ledit hôpital psychiatrique de nos jours où Al rend visite à son ami pour tenter de le sortir de son état catatonique. Au début du film, on ne nous dit jamais comment les deux hommes se sont retrouvés comme ils l’ont fait, mais il y a suffisamment de confiance dans la narration pour que les blancs soient remplis très facilement. Nous sautons d’avant en arrière tout au long du film qui approfondit la relation entre les deux avec Al constamment perplexe et frustré par l’obsession abstraite de Birdy et avec Birdy insensible à ce que l’on suppose qui passe habituellement par l’esprit d’un garçon de dix-huit ans.
Je dois distinguer les performances de Matthew Modine et de Nicolas Cage. Ils rendent la relation de Birdy et Al sans effort et, d’une manière étrange, inévitable. Tout sous-texte homoérotique que certains commentateurs meurent d’envie d’insérer dans des amitiés homosexuelles est pris en charge au début du film avec Cage bandé disant au psychiatre de Birdy « nous n’étions pas queer les uns pour les autres ou quelque chose comme ça ». Je ne sais pas où en est la société aujourd’hui sur le mot ‘q’ donc si je dois me défendre de l’utiliser, c’est dans le film. Ce qui est le plus frappant, ce sont les changements que traversent les deux hommes. Modine n’est pas tenu de faire grand-chose à l’asile bien que sa représentation physique de la catatonie d’inspiration aviaire soit très convaincante. Et c’est un âge loin de l’âme insouciante et du charme enfantin avant que le Vietnam ne lui mette le camp d’entraînement. Dans les premières scènes d’amitié, Modine semble toujours être capable de voir les choses à quelques centimètres derrière l’épaule gauche d’Al, un monde qu’il cherche désespérément à rejoindre mais dont l’entrée est à jamais refusée. L’adhésion dépend de la capacité à prendre l’air. Cage a eu recours à l’extraction des dents parce qu’il estimait que c’était mieux pour le personnage après la blessure. Engagement respectueux ou folie théâtrale ? Sa transformation physique et psychologique est profondément choquante. Cette confiance impétueuse et fluide se déverse en fait de lui en tant que jeune homme à son apogée, pré-Vietnam. De l’autre côté de la guerre, il est une coquille desséchée, moins un homme et plus un symptôme de six pieds des instincts les plus stupides et les plus destructeurs de l’humanité. Toujours le plus félin des déménageurs, Cage opère une étonnante métamorphose. Sa démarche traînante met des décennies sur lui et il ‘ Je suis d’avis qu’à l’âge tendre de vingt ans, je n’ai pas vu une performance aussi immensément sympathique de sa part depuis. Il est tout à fait convaincant en tant que rapatrié endommagé, choqué par les obus et blessé. Et il juge la rage, le chagrin et l’émerveillement d’Al d’une manière que ses performances ultérieures n’ont jamais vraiment touchée. Cette opinion est renforcée par le commentaire, quelque chose que je trouve à la fois gratifiant et ennuyeux (pour la raison fréquente que Slarek et moi sommes en proie à arriver à des conclusions indépendamment avant d’ entendre les figurants). La fin de ce film me laisse un gâchis émotionnel et bien sûr, le film est dans mon top trois des « Fin de tournage les plus satisfaisantes » de toute ma carrière cinématographique. Et je ne me souviens pas des deux autres pour le moment…
Peter Gabriel était une grande pop star dans les années 80 et Parker voulait travailler avec lui. Il avait temporairement suivi le film avec des percussions créatives de ses albums solo, mais on lui a dit que Gabriel travaillait à un rythme qui ne lui convenait pas à Hollywood. Alors Parker a eu son gâteau temporaire et l’a mangé aussi. Gabriel a travaillé avec de la musique existante et l’a remixée et retravaillée pour le film. Et ça marche si bien. Ses morceaux plus lents ont une qualité éthérée, un miroir pour l’esprit de l’oiseau, mais lorsque l’action l’exige, la force et la puissance de la percussion sont saisissantes. La partition de Birdy est autant tissée dans le tissu émotionnel du film que tout autre élément et l’aide à s’envoler. Modine appelle Gabriel son partenaire dans sa performance, une générosité qui mérite d’être célébrée.
Lors de mon énième visionnage, j’ai remarqué à quel point le scénario était intelligent. L’un des avantages de plonger profondément dans les films est que la compétence et l’intention des cinéastes sont parfois intensifiées. Connaissant si bien le film, j’ai enregistré deux livraisons en ligne de Birdy’s qui avaient une signification particulière que je n’avais pas réalisée auparavant. C’était l’équivalent ridicule de mon moi de quarante-huit ans il y a un certain temps, réalisant soudainement que l’album de Bowie Aladdin Saneétait un jeu de mots. Lorsqu’il est en danger de mort alors qu’il est suspendu à une gouttière qui se brise à quarante pieds, la livraison de Modine de la ligne « Non Al. Je vais voler », est en fait livrée avec un petit rire. Cela s’est logé dans ma mémoire et une nouvelle audition a ramené le film avec une telle vivacité. Si je devais critiquer quoi que ce soit (seulement si je devais le faire)… Supposons-nous que Birdy et Al ont dégagé un chemin lisse dans la décharge ? C’est tourné comme s’ils parcouraient les poubelles et je ne sais pas à quel point ce serait crédible. L’accélération optique des garçons est nécessaire pour que Birdy ait au moins un certain élan pour prendre son envol, mais la technologie à l’époque signifiait que vous vous éloigniez d’une génération du négatif et de l’impression d’origine et il y a donc une variation de qualité dans la prise de vue accélérée . Les plans accélérés d’actions humaines courantes courent toujours le risque de risibilité.
Il y a un problème similaire dans l’insertion de trois plans de bibliothèque dans la scène culminante du Vietnam impliquant Birdy. Comme on pouvait s’y attendre, les plans de la bibliothèque étaient granuleux en 1984, soit à l’origine sur 16 mm et soufflés jusqu’à 35 mm, soit filmés en 35 mm, mais à plusieurs générations du négatif original. Alors que l’équipage a travaillé dur pour créer un Vietnam crédible (ils ont fait pousser le bon feuillage bien à l’avance et ont ajouté l’étrange oiseau exotique, à savoir un calao), la nature granuleuse des plans insérés ne sert que de petit coup dans l’immersion totale du scène et sa puissance émotionnelle. Il y a aussi une vanité éditoriale avec laquelle Hambling s’en tire parce que la plupart des critiques n’ont pas d’expérience en cinéma d’histoire naturelle. Birdy tend la main au calao. L’oiseau lève les yeux, voit un plan de bibliothèque de créatures volantes et c’est l’impulsion pour que le calao les rejoigne. Il y a deux éditions plus importantes des essaims de dépliants de la bibliothèque. Il n’y a qu’un petit problème. Ce ne sont pas des oiseaux. Je suis un peu étonné que personne n’ait relevé cela en post-production. Était-il supposé que parce que ces créatures avaient des ailes, elles étaient des oiseaux ? Ou est-ce que Parker et Hambling savaient et supposaient que personne ne s’en soucierait ? Vous pouvez dire que les cinéastes étaient fous de prendre ce risque. On pourrait dire qu’ils étaient chauves-souris, car les dépliants l’étaient certainement – des chauves-souris frugivores. À la fin et à la fin, personne ne s’en soucie vraiment. Le meilleur reste à venir… c’étaient des oiseaux? Ou est-ce que Parker et Hambling savaient et supposaient que personne ne s’en soucierait ? Vous pouvez dire que les cinéastes étaient fous de prendre ce risque. On pourrait dire qu’ils étaient chauves-souris, car les dépliants l’étaient certainement – des chauves-souris frugivores. À la fin et à la fin, personne ne s’en soucie vraiment. Le meilleur reste à venir… c’étaient des oiseaux? Ou est-ce que Parker et Hambling savaient et supposaient que personne ne s’en soucierait ? Vous pouvez dire que les cinéastes étaient fous de prendre ce risque. On pourrait dire qu’ils étaient chauves-souris, car les dépliants l’étaient certainement – des chauves-souris frugivores. À la fin et à la fin, personne ne s’en soucie vraiment. Le meilleur reste à venir…
son et vision
Présenté dans le rapport d’aspect de 1,85: 1, Birdy a l’air d’une propreté étincelante et exempt de tous les suspects habituels en ce qui concerne les tirages de films, des choses comme les rayures, les étincelles ou la poussière. Quelqu’un a soit trouvé une impression impeccable, soit fait un beau et subtil travail de restauration. Bravo, Rita Belda. La merveilleuse cinématographie de Michael Seresin est magnifiquement préservée; les couleurs vibrantes et vivantes dans les flashbacks, calmes et assourdies dans le présent clinique. Le contraste est au rendez-vous. Avec les quatre blips étant une balade à vélo optiquement accélérée et trois plans de bibliothèque douteux (de chauves-souris), le film a l’air absolument génial.
La bande-son stéréo a une belle plage dynamique complète avec tous les dialogues clairs et les basses de la partition percutante et dynamique de Gabriel sont entièrement arrondies. Mélangeur de doublage légendaire (appelé aux États-Unis, un mélangeur de réenregistrement) Bill Rowe a mélangé une partition exquise, puissante et pourtant douce, émotionnelle et immersive.
Il existe de nouveaux sous-titres anglais améliorés pour les sourds et les malentendants.
fonctionnalités supplémentaires
L’abstraction de la guerre Je n’avais jamais vu Modine en tant que Modine auparavant, tout comme Birdy et Private Joker ( Full Metal Jacket) et le reste de ses personnages. Parlant doucement et toujours avec une chevelure pleine, il se souvient du processus de casting dans lequel il a en fait auditionné pour le rôle d’Al pensant qu’il ne convenait pas au personnage de Birdy. Il parle de son côté spirituel et, s’arrêtant avec une mise en garde de « interprétez cela de toute façon », il attribue le mérite aux âmes des victimes du SSPT qui se précipitent à l’intérieur de lui pour le porter à travers le personnage. D’accord … Il s’attribue le mérite de l’image réelle perchée au bout du lit avec Parker annonçant prétendument que « Modine dirige le film maintenant! » après avoir senti qu’il avait obtenu les clichés qu’il voulait. Il y a de jolis détails sur la façon dont sa relation avec Cage a commencé en pré-production et en rencontrant Peter Gabriel à Cannes sans savoir qui il était.Birdy plus et ne se concentre pas sur ses rôles les plus célèbres pour des réalisateurs plus loués. Sa réponse à cela était charmante et réconfortante.
Haut Vol Il s’agit d’un excellent et enthousiaste mémoire des deux scénaristes originaux. Ils mentionnent que le livre a tout en termes de narration même si ça « rebondit beaucoup » mais si « on enlève les plumes, ça a une colonne vertébrale solide ». Il est clair qu’il s’agit d’un partenariat qui a résisté à l’épreuve du temps. Les deux ont cliqué dans leurs passions mutuelles. Il y a une belle rupture du lien entre les deux chronologies distinctes. Aussi le changement dans « qui aide qui? » est touché.
Peter Gabriel ; la musique réinventé Dans une technique séculaire (au moins 15 ans) de présentation de matériel de définition standard plus ancien dans un cadre HD, nous rétrécir l’écran de M. Gabriel pour que les définitions correspondent. Je comprends l’utilisation de clips du film au cas où ces fonctionnalités supplémentaires seraient autonomes, mais il est un peu ennuyeux de passer d’un extra à l’autre et d’être présenté avec les mêmes clips. Juste un petit C’est probablement parce que la société de Gabriel a reconditionné l’ancienne interview dans un nouveau cadre sans savoir quels clips provenaient du supplément précédent dans la liste. Compte tenu de la façon dont le film m’a affecté, je suis surpris d’entendre à quel point il était peu connu ou est.Gabriel nous fait part de la créativité atmosphérique qui donne à Birdy‘s marque un son si unique. Il nous raconte son histoire d’amour bien connue avec le sampler Fairlight. Les crédits montrent que les sections Gabriel ont été tirées d’un documentaire de 2002 qui contredit l’année 2000 répertoriée. « J’ai un très bon ami à Wome qui s’appelle Nittus Pickus. »
Prendre la plume Keith Gordon est un cinéaste et un acteur qui montre un grand respect pour ses collègues cinéastes et films et il est clair qu’il est à la fois intelligent et sensible , des aspects de son personnage qui ne peuvent tout simplement pas s’adapter dans Jaws 2. Gordon prend le style intérieur du romancier Wharton et dit que c’est parfait pour les films parce que pénétrer dans la tête de quelqu’un est ce que les films font le mieux. Et il y a le tour du chapeau ! Les mêmes clips du dernier deux figurants en moins de 90 secondes dans celui-ci ! Est-ce un complot ? Wharton a pris contact après avoir vu l’adaptation par Gordon de son livre A Midnight Clear. Les yeux d’Ethan Hawke n’étaient pas assez bleus apparemment… J’accueillerais ce genre de critique avec plaisir ! Un bon point est fait sur le « réel » par rapport au « poétique ». Il a beaucoup à dire sur les cinéastes utilisant de la musique existante plutôt que sur mesure. Et son résumé de la valeur et de la valeur de Birdy est quelque chose avec lequel cet écrivain est entièrement d’accord.
Rapport de forme : 1.85:1 Classé : Tous publics Dimensions du colis : 19.2 x 14.2 x 2.1 cm; 330 grammes Réalisateur : Alan Parker Format : Couleur, Cinémascope Durée : 2 heures Date de sortie : 7 décembre 2022 Acteurs : Matthew Modine, Nicolas Cage, John Harkins, Sandy Baron, Karen Young Doublé : : Anglais, Français Sous-titres : : Français Langue : Anglais (DTS-HD 2.0), Français (DTS-HD 2.0) Studio : Wild Side Video
Mers, fleuves, îles, déserts, montagnes, villes… D’avril à novembre 2021, l’astronaute Thomas Pesquet a photographié depuis la Station spatiale internationale notre planète sous toutes ses facettes.
Chronique : Notre planète est photographiée sous toutes les coutures sous toutes les coutures par un homme qui ne manquera pas de marquer son temps. Fait intéressant, dans une interview, Thomas Pesquet a expliqué qu’il était le seul à prendre des photos sur l’ISS, éliminant ainsi toute sorte de concurrence, mais tout d’un coup, il était seul sans personne autour pour lui donner des conseils. l’astronaute de renommée mondiale se démarque par une performance stellaire, réalisant de très belles photos aussi spectaculaires que spectaculaires. Il a mis notre planète à l’honneur. C’est le message qu’il a envoyé. Le grand homme a généreusement cédé les droits d’auteur aux Restos du Coeur. C’est un grand pas en avant pour faire comprendre aux gens le destin de notre planète. C’est la terre entre nos mains et il est temps de réagir et enfin de la respecter.
Dans le final de la saison 3, les souvenirs de Dolorès sont totalement effacés par le vil Enguerrand Serac, qui voit son invention Rehoboam être détruite. Avant de « s’éteindre », la jeune femme rallie Maeve et Caleb à sa cause en faisant preuve de sympathie pour la race humaine. Bernard, lui, voyage entre passé et présent et se réveille couvert de poussières… Qu’en sera-t-il pour la suite ? Les nouveaux hôtes de Charlotte vont-ils prendre le pouvoir sur les Humains ? Dolorès est-elle vraiment morte ? Autant de questions auxquelles la saison 4 devra répondre…
Chronique : La quatrième saison de Westworld était presque la réponse décisive à la question : « Où pouvez-vous aller avec une émission sur un parc à thème du Far West rempli de robots ? » En bref, Westworld nous a emmenés à l’extinction de l’humanité, la fin de partie vicieuse et sauvage que Jurassic Park (une autre histoire de parc à thème créée par Michael Crichton) n’a jamais osé aller après six films. Bien que non sans quelques accalmies et lacunes, la saison 4 était choquante, horrible et a établi que l’intelligence artificielle pouvait être tout aussi vengeresse et cruelle que ses créateurs humains – donc également indigne de transcendance.
Un argument pourrait être avancé que Westworld est allé, peut-être, un peu trop gros avec son histoire, mais cette série est encore plus fascinante si vous connaissez ou étiez un fan de Person of Interest de Jonathan Nolan , qui était sa première incursion dans une pocalypse de l’IA (bien qu’elle soit à une échelle beaucoup plus petite et plus enracinée dans la paranoïa de l’État de surveillance post-11 septembre). Regarder le ballon de Person of Interest, du point de vue de l’histoire, d’une procédure avec des fondements de science-fiction doux à une saga entièrement sérialisée explorant des scénarios de cauchemar était presque un apéritif, taquinant le Westworld beaucoup plus grand (et plus fou). À cet égard, du point de vue du POI, vous pourriez peut-être prédire que ce spectacle allait également essayer de nous amener à un point de rupture (tout en ramenant également le compositeur Ramin Djawadi et plus que quelques chansons de Radiohead).
La saison 3 de Westworld était plus en phase avec les couloirs dans lesquels Person of Interest fouillait: un monde secrètement gouverné par un algorithme qui maintenait l’ensemble des citoyens en ligne. Mais grâce à Caleb et Dolores, cette société a été déracinée et défaite à la fin de la saison 3. Qu’est-ce qui pourrait bien nous attendre maintenant ? Eh bien, la « Dolores » survivante de cette histoire, Charlotte Hale, mijotait dans sa colère à propos de l’enfant qu’elle avait perdu (qui n’était pas vraiment le sien, et qui n’était pas non plus très bien établi comme raison de mettre fin à toute vie humaine) et a décidé de mettre au point un stratagème dans lequel un virus goop nanobot pourrait transformer les gens en marionnettes. À partir de là, tout était en descente et après quelques décennies, les êtres humains (à part quelques retardataires) étaient tous des « hôtes » et toutes les villes étaient des parcs à thème où les robots pouvaient les utiliser comme ils l’étaient auparavant.
Pour y arriver, il a fallu quelques chapitres, et les premiers épisodes de la saison 4 étaient légèrement maladroits, nous donnant un saut dans le temps (le premier de deux) et la réactivation de Caleb en tant que combattant de la liberté. Ce n’est qu’au quatrième épisode, « Generation Loss », que l’image complète s’est formée (et qu’une trame de fond entre Maeve et Caleb a été remplie) que la saison a commencé à mieux s’accrocher. En plus de cela (et au-delà de tuer/mettre à l’écart deux personnages principaux), cela a donné à la femme de Caleb, Uwade (Nozipho McLean) et à sa fille, Frankie (Celeste Clark/Aurora Perrineau), une histoire plus vaste et plus proactive que le simple fait d’être la famille à la retraite. flingueur part pour se lancer dans une dernière aventure.
Avant « Generation Loss », nous sommes entrés dans un nouveau parc à thème, The Golden Era, pour s’amuser dans les années 20, mais nous savions, et le spectacle savait, que ce n’était plus ce qu’il devrait être. Heureusement, le parc était un piège et un expéditeur officiel de la disparition de l’humanité. Hale et l’hôte William se sont retrouvés dans les rôles ultimes d’archi-méchants. C’est une direction légèrement superficielle pour les emmener, bien sûr, mais les deux derniers épisodes de la saison ont inversé leurs scripts, après avoir taquiné un possible réveil existentiel de l’hôte William, et l’hôte William vient de devenir une version abominable du vieil humain William. Hale a pu jouer brièvement le héros à la fin, avant de se laisser expirer.
Maeve et Bernard ont également eu de bons moments – alors que Maeve abandonnait ses sentiments pour Caleb afin qu’il puisse tomber amoureux de son infirmière et Bernard a pu jouer un scénario de style Doctor Strange où il a appris, dans le Sublime, que le monde devait perdre pour gagner – mais ce sont Caleb, Frankie et Dolores (qui était maintenant un programme de narration numérique s’imaginant dans le monde comme « Christina ») qui ont brillé le plus avec le plus déchirant émotionnellement et épanouissant, histoires.
L’enfer de la boucle de fidélité de Caleb a été l’une des meilleures choses de cette saison, en suivant la 247e version de lui alors qu’il se frayait un chemin devant plusieurs cadavres de lui-même pour envoyer un message à Frankie. Il a souvent été difficile pour Westworld de se faufiler dans un sentiment qui fonctionne, en raison de ses astuces temporelles et de sa (sur)ambition globale, mais cette randonnée était fascinante et angoissante. De plus, il a utilisé un dispositif d’histoire Westworld établi, le test de fidélité, pour manifester un scénario de course contre la montre, imprégné d’espoir, d’amour et de famille.
Le temps de Dolores en tant que Christina traînait parfois, principalement parce que nous pouvions comprendre comment elle se connectait au reste de l’histoire quelques épisodes avant la série l’a mise au courant, mais le retour de James Marsden en tant que Teddy était agréable et nous a donné , parfois, un sursis paisible de la folie d’armageddon de l’histoire du monde réel. Le fait que Dolores ait créé Teddy pour se réveiller, en tant qu’amour de sa vie qui pourrait l’aider à voir la vérité, a également créé les meilleurs moments Dolores / Teddy de la série jusqu’à présent.
Nous avons compris que ces deux-là étaient amoureux dans la saison 1, mais aussi qu’ils étaient programmés pour l’être. La saison 2 était une montagne russe de Dolores étant Wyatt et Teddy étant transformé en tueur et il était difficile de se laisser entraîner dans une histoire d’amour là-bas. Ici, cependant, dans le monde solitaire et nostalgique dans lequel vivait Christiana, Teddy se sentait comme une ancre naturelle et quelqu’un qui pouvait l’aider à trouver son chemin. Le sort de Christina a pris beaucoup de temps cette saison (peut-être un peu trop puisque ce n’était finalement qu’un moyen de mettre Dolores au banc), mais se diriger vers la saison 5 maintenant avec Dolores à la tête de tout se sent bien. Elle peut maintenant exécuter le test final de l’existence sensible, ce qui est une notion si noble que la salle des écrivains chargée de créer cette finition a du pain sur la planche.
Verdict
À certains égards, la quatrième saison de Westworld était sa saga de science-fiction de « roman d’aéroport » la plus traditionnelle à ce jour. Il s’agissait d’un monde envahi par des robots cruels qui asservissaient l’humanité et jouaient désormais avec les gens selon leurs caprices malveillants. Structurellement, cependant, la saison 4 a pu lancer des balles courbes astucieuses (sans devenir excessivement sinueuses) et utiliser ses personnages existants pour nous aider à investir dans ce cauchemar grandiose. C’est l’histoire la plus éloignée de la piste depuis le début, mais tout a été réinitialisé à la fin d’une manière particulièrement diabolique qui a bien contourné un scénario de dérobade « tout cela n’était qu’un rêve ».
Video : Westworld réalise une autre belle course avec un transfert puissant avec des caractéristiques du visage et les détails des vêtements qui sont grandement améliorés. Le spectacle a été tourné en 35 mm et terminé en 2K DI, il n’y a donc pas de saut qualitatif considérable , cependant, les petits détails prennent leur temps au soleil. Des gouttes de sueur, des traits de rire sur les visages, des poils de barbe, des fils de vêtements perdus, tous sont exquis. Le maquillage pour les hôtes amérindiens et certains des costumes d’hôtes de samouraïs japonais sont merveilleux, offrant une amélioration notable de la clarté. Les scènes CGI lourdes ont encore un peu de planéité et certains effets ne sont pas restitués de manière aussi nette et se démarquent beaucoup plus avec la résolution ajoutée.
Les couleurs et les contrastes bénéficient d’un large éventail d’améliorations, grâce à Dolby Vision. Tous les primaires primaires bleus et rouges lourds dans les laboratoires sont tout aussi percutants. Le sang est une couleur rouge cramoisi particulièrement forte.. Le contraste amélioré permet également d’obtenir des blancs brillants et nets sans une floraison gênante. Étant donné la nature de l’émission à chaque fois qu’une personne vêtue d’une chemise blanche est blessée, le rouge pourpre sur blanc est impressionnant et l’autopsie impromptue d’un animateur est particulièrement cruelle.
Tout au long du spectacle, il y a plusieurs séquences avec un faible éclairage source – une scène dans une grange dans le premier épisode en est un exemple typique – où la présentation SDR a offert un peu plus de lumière pour donner plus de détails. Certaines scènes sombres semblaient beaucoup plus épaisses, presque écrasantes. Alors que dans l’ensemble, le transfert offre de nombreuses améliorations claires par rapport au 1080p, les niveaux de noir, parfois problématiques, empêchent celui-ci d’être la présentation idéale d’un spectacle magnifique.
Audio : Westworld ouvre les vannes avec un mix très actif et immersif. Le dialogue est limpide et se passe à merveille – même contre les nombreux éléments sonores comme les coups de feu, les cris de douleur, les explosions, les moteurs rugissants et l’excellent score de Ramin Djawadi. Il y a un travail sonore exceptionnel dans le jeu qui permet à de légers effets sonores de peupler le paysage sonore tout en maintenant l’ambiance active. L’activité verticale est quelque peu restreinte en fonction de l’emplacement, mais l’espace de canaux supplémentaire offre une bonne atmosphère. Les emplacements intérieurs étroits offrent une excellente qualité d’écho tandis que les panoramas panoramiques extérieurs offrent un paysage sonore fantastique avec le vent qui frôle les feuilles et les brins d’herbe alors que les sabots des chevaux galopent à travers les terres.
Bonus : Les bonus de la série ne sont peut être pas des plus robuste, mais vous disposez de la majeure partie de deux heures d’un excellent contenu en coulisse. Une bonne partie de celle-ci peut dériver dans les dossiers de l’EPK à la tête parlante, mais dans l’ensemble, il contient beaucoup d’informations intéressantes.
Rapport de forme : 1.78:1
Classé : Accord parental souhaité
Dimensions du colis : 17.3 x 13.8 x 1.4 cm; 120 grammes
Réalisateur : Richard J. Lewis, Craig William Macneill, Hanelle M. Culpepper, Paul Cameron, Andrew Seklir
Une expérience de lecture inédite ! Voilà un livre-objet exceptionnel, doté de structures pop-up en forme de maison, pour savourer autrement l’histoire du soir et se laisser porter doucement vers le sommeil…
Chronique : Une belle conception graphique et éditoriale…Comme un jeu où les enfants seront combler et les esprits épris de poésie visuelle et illustreront parfaitement la narration jamais éculée de ce conte traditionnel connu de tous. Le texte est simple et compréhensible par les plus petits mais certaines expressions du texte original qui font toute la magie du conte sont conservées. Ainsi Les Trois Petits Cochons est livre ludique avec un format qui est aussi assez grand et où les enfant pourront s’imaginer des histoire dans le noir et s’évader.
Note : 9,5/10
Éditeur : MARTINIERE J; Illustrated édition (7 octobre 2022) Langue : Français Novelty Book : 6 pages ISBN-10 : 2732497193 ISBN-13 : 978-2732497198
Un grand calendrier de l’Avent magique pour se préparer à des fêtes pleines de joie !
Le cadeau parfait pour faire patienter les enfants avant Noël ! Du 1er au 24 décembre, 24 surprises les attendent : cartes à gratter, coloriages, stickers, badges, magnets, livres de conseils…
Chronique : On retrouve l’esprit de noël dans ce calendrier de l’avent. Les dessins sont magnifiques et les couleurs aussi. Ce calendrier se présente comme un grand livre, qui s’ouvre. Nous pouvons le mettre debout sans soucis de ce faut. Chaque jour, une nouvelle surprise pour passer des fêtes sous le signe de la joie et de la bienveillance, grâce aux conseils de Lilou Macé… pour préparer Noël !
Éditeur : GRUND JEUNESSE; Illustrated édition (17 novembre 2022) Langue : Français ISBN-10 : 2324031973 ISBN-13 : 978-2324031977 Âge de lecture : 9 – 12 ans
Ce roman au ton volontairement burlesque nous entraîne à la poursuite d’un narrateur, l’auteur lui-même peut-être, dans une fuite en avant qui s’apparente à une quête désespérée pour se réconcilier avec soi-même.
On fait connaissance avec notre héros, en pleine promotion de son ouvrage, L’enfant qui voulait disparaître, alors qu’il échappe aux poings d’un mari jaloux, à peine s’il a le temps de s’engouffrer dans l’ascenseur. Accessoirement il est aussi nu comme un ver.
Le ton est donné. Il sera haut en couleur. D’un jaune solaire comme les rayons d’humour, souvent grinçant et ironique, qui illuminent l’ouvrage. D’un vert cynique lorsqu’il s’agit de dépeindre le milieu de la promotion. D’un rouge écarlate lorsque la violence du monde s’invite dans l’univers bariolé du narrateur. Et puis il y a le noir, couleur charbon, que l’on tente d’ensevelir sous la futilité d’une vie frénétique.
Car sous les couleurs chatoyantes se cache la souillure d’une enfance brisée par le harcèlement et le racisme. Jusqu’au drame fatal, celui qui creuse un trou béant dans la poitrine d’un jeune homme qui est peut-être le narrateur, ou pas. Un trou qui avalera toutes les couleurs pour ne laisser qu’un blanc infini de douleur.
Nu dans le premier chapitre, le narrateur prend forme sous nos yeux. À mesure que son univers s’étiole sous les coups de massue de la réalité, son esprit et son corps prennent forme. Son regard s’affûte, sa conscience s’éveille. Le récit nous offre une résurrection littéraire tout en s’emparant d’un sujet qui secoue les USA.
C’est là toute la force du récit, derrière les pirouettes narratives et les bons mots, il aborde un thème complexe qui prend peu à peu l’ascendant sur le burlesque pour livrer une tirade finale bouleversante, qui résonne comme un constat amer mais aussi une victoire personnelle.
En équilibre constant entre la satire sociale et le récit introspectif, ce roman, malicieux et espiègle, offre une réflexion bouleversante sur la difficulté à se réconcilier avec son passé pour mieux faire face au présent.
Résumé : u cours d’une tournée promotionnelle pour son dernier roman, un écrivain noir américain fait la connaissance d’un enfant à la peau si sombre qu’on le surnomme Charbon. D’abord rencontré dans la salle à manger d’un grand hôtel, le gamin d’une dizaine d’années réapparaît à chaque étape de la tournée et raconte sa vie, ses parents et leur idée folle : le pousser à devenir invisible pour ne pas avoir à subir le destin que sa couleur de peau lui réserve.L’enfant existe-t-il vraiment ? Affecté d’un étrange mal qui l’empêche de distinguer la réalité du produit de son imagination, l’écrivain serait bien incapable de le dire. Mais réelle ou fantasmée, cette rencontre va remettre en question son rapport à sa propre histoire, à sa condition et lui faire admettre une cruelle évidence : être noir aux États-Unis signifie vivre sous une menace constante.Comédie féroce, tragédie déchirante, manifeste contre la peur, l’oppression et les violences policières, L’Enfant qui voulait disparaître est tout cela à la fois
Éditeur AUTREMENT (5 janvier 2022) Langue Français Broché 432 pages ISBN-10 2746763001 ISBN-13 978-2746763005
Cet album est un biopic. Mais pas le biopic d’une célébrité ou d’un personnage historique remarquable, c’est le biopic d’un charbonnage. Et qui pouvait mieux raconter son histoire que lui-même ?
Chronique : La bande dessinée retrace l’histoire du Bois du Cazier – de son premier bail à la mémoire d’aujourd’hui et bien sûr la catastrophe de 1956, la modernisation du monde, la construction de colonies, « l’immigration ». Elle dépeint un passé mais Un portrait d’une époque encore vivante. Le but de Pays Noir est de raconter une histoire profondément humaine. histoire industrielle. Et comment le monde s’est adapté après la catastrophe du 8 août 1956, lorsque 262 mineurs ont perdu la vie.
Le protagoniste est la mine de charbon elle-même. Il parle avec « je » et nous emmène dans un voyage de sa vie : les bois plats, calmes, paisibles, montrant un peu de charbon, puis le mineur qui creuse ses tripes pour récolter « l’or noir », les enfants dix ans plus tard le mien, le droit du travail, les « accidents », des décennies d’oubli, transformés en un héritage remarquable et un lieu de mémoire.
L’histoire a été conçue, recherchée et révisée en collaboration avec les responsables actuels du Bois du Cazier, dont l’historien de l’équipe, pour se rapprocher le plus possible de la vérité. La coloriste espagnole Amelia Navarro a colorié et corrigé les peintures de Sergio Salma. La bande dessinée se termine par 8 pages de philosophie et d’éducation, reflétant ce que c’est que d’être dans le Pays Noir, les Mines et la Forêt de Kazir.
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