Attention, spoilers. Les paragraphes suivants révèlent des éléments d’intrigue du film La Plateforme. Si vous ne voulez rien savoir, ne lisez pas ce qui suit.

Après avoir fait sensation au TIFF (Toronto Internation Film Festival) en 2019, La Plateforme (El Hoyo, en espagnol), de Galder Gaztelu-Urrutia est disponible sur Netflix ce 20 mars. Entre Cube et Snowpiercer, le film nous plonge dans une sombre prison-tour, appelé « La Fosse », traversée en son centre par une dalle transportant des plats d’exception préparés par des chefs cuisiniers et descendant d’étage en étage pour nourrir les détenus. Ce système favorise les premiers servis et affame les derniers. Chaque prisonnier a le droit de prendre un objet pour sa détention et a 2 minutes pour manger ce qu’il peut sur la plateforme mais ne peut conserver aucune nourriture dans sa cellule qu’il partage avec un autre détenu.

Dans La Plateforme, on suit l’histoire de Goreng (Iván Massagué), qui a volontairement intégré la prison-tour afin d’obtenir à sa sortie un brevet lui permettant de s’élever socialement. Il se réveille à l’étage 48 avec le livre et son co-détenu Trimagasi (Zorion Eguileor), un vieil homme enfermé pour meurtre. Pendant des mois, Goreng va tenter de survivre dans la Fosse où la seule loi qui domine est « manger ou être mangé » face à des prisonniers cannibales, violents, déviants et pervers. Mais l’homme va aussi rencontrer d’autres détenus à d’autres étages espérant un échappatoire ou un futur meilleur à l’image d’Imogiri (Antonia San Juan) et Baharat (Emilio Buale Coka), tout en cherchant l’enfant de Miharu (Alexandra Masangkay), caché dans la prison.

La Plateforme, et son héros au bord de la rupture nerveuse [SPOILERS]

À plus de la moitié du film, il vient une idée à Goreng : descendre sur la dalle avec son nouveau codétenu, un dénommé Baharat, afin de distribuer eux-mêmes la nourriture aux détenus, pour que les derniers étages aient également de quoi se nourrir. 

Le but ? Que tout le monde survive !

Mais pour que la situation évolue de manière pérenne, un des détenus confie à Goreng et Baharat qu’il faudrait faire parvenir, tout en haut de la tour, à « l’administration », un symbole.

Ils trouvent alors une idée : renvoyer un plat qui n’aurait pas été touché.

Cela signifierait que le système ne fonctionne plus puisque tout le monde a été raisonnable et que même tout en bas, les prisonniers ont aussi eu à manger.

Ils choisissent ainsi la panna cotta, un dessert italien qu’ils se donnent pour mission de renvoyer en haut pour faire passer « le message », comme ils aiment à le répéter. 

Par ailleurs, d’après les calculs de Goreng, pour que les tout derniers étages aient de quoi se sustenter, il faut un peu en priver les 51 premiers étages.

Il demande donc aux détenus des premiers étages de jeuner juste un jour. 

Mais peu sont ceux qui se plient à cette nouvelle règle, et Goreng a alors recours à la violence pour que tout le monde accepte de partager.

La fin justifie les moyens…

Bref, tout le monde a un peu viré zinzin, surtout Goreng qui « voit les fantômes » de ses deux anciens codétenus.

Des visions qui s’accentuent vers la fin du film, car le héros est blessé et très affaibli psychologiquement.

Que représente l’enfant dans La Plateforme ?

Il y a un personnage dont je ne t’ai pas encore parlé.

Il s’agit de Miharu, une femme qui, chaque mois, descend les étages via la dalle, pour chercher son enfant qui lui a manifestement été retiré et se trouve quelque part dans la fosse.

Sauf que d’après une codétenue de Goreng qui a travaillé à « l’administration », cette femme serait rentrée seule dans la tour.

Cette histoire d’enfant aurait donc été inventée de toute pièce par Miharu, qui aurait juste trouvé une excuse pour descendre chaque mois buter des gens et les manger (comme on l’a déjà vu faire).

Hors, à la toute fin du film, alors que Goreng et Baharat arrivent à l’étage le plus bas, le numéro 333 (le héros pensait à l’origine qu’il n’y avait que 250 étages), ils découvrent une enfant cachée sous un lit.

Présence réelle ou fruit de l’imagination d’hommes à la psychologie bousculée ?

En tous les cas, devant le visage innocent de l’enfant, les deux hommes abandonnent leur mission première et lui offrent la seule nourriture restante : la panna cotta. 

Peu de temps après, Baharat est retrouvé mort par Goreng. Ce dernier prend l’enfant sur ses genoux, et gagne de nouveau la dalle.

Ensemble, ils descendent encore longtemps dans l’obscurité.

Puis Goreng s’en va retrouver le vieil homme mort avec qui il a été enfermé en premier, laissant l’enfant remonter les étages sur la dalle.

Ce qui signifie que Goreng meurt bel et bien, tandis que l’enfant, symbole d’un nouveau système, remonte vers la lumière. 

Une théorie optimiste voudrait ainsi que le système en place ne tienne donc plus puisque l’enfant, au plus bas niveau de la tour, aurait survécu longtemps, tout en étant apparemment en bonne santé, grâce sans doute à sa mère qui lui aurait apporté chaque mois des corps différents pour qu’elle s’en nourrisse.

L’enfant aurait donc niqué le système en survivant au dernier étage tout en étant, en même temps, un produit du système puisque pour s’en sortir, elle a dû devenir cannibale.

Elle ne s’est donc pas nourrie de la générosité d’autrui, mais bien d’autrui tout court.

Goreng est Don Quichotte

Avant d’intégrer la fosse, chacun des prisonniers a eu le droit de choisir un objet à emporter avec eux.

S’ils ont droit à tout et n’importe quoi, la plupart des détenus ont sélectionné des armes.

Mais Goreng, à contre-courant de tous les autres, a choisi… un bouquin. Et plus précisément Don Quichotte, de Miguel de Cervantes.

Un choix très loin d’être anodin de la part des scénaristes puisque Goreng ressemble en réalité beaucoup au héros du livre.

Comme Don Quichotte, Goreng préfère se mettre au service de la communauté plutôt que de penser à lui.

Il préfère par exemple manger son livre, seul vestige de sa vie d’avant, pour ne pas céder au cannibalisme. Bon, après, il bouffe quand même sa pote. Mais l’intention était là.

Il est donc le symbole imparfait de l’altruisme. 

Sa décision de demeurer tout au fond de la tour est donc logique.

Il préfère payer pour ses crimes (il a quand même avalé la chair de deux de ses anciens potes) — et laisser l’enfant, seul symbole de l’échec de l’administration, remonter vers la lumière — plutôt que de remonter avec elle, alors qu’il est lui même devenu un pur produit du système qu’il décrie.

Il se sacrifie au profit du « message ».

Quid de la panna cotta ?

Une scène, toutefois, qui survient à peu près au milieu du film, pourrait venir remettre en doute la fin explicitée plus haut.

En effet, on y voit un maitre d’hôtel sermonner ses employés car il a retrouvé une panna cotta avec un cheveu dessus.

Ainsi, il est possible que la petite fille n’ait été que le fruit de l’imagination de Goreng et Baharat et qu’elle n’ait jamais existé.

Cela signifierait que cette scène est en réalité la toute fin du film, et que les deux hommes ont réussi à faire remonter le dessert intact… mais avec un de leurs cheveux dessus.

Le maitre d’hôtel finit quoi qu’il en soit par gronder ses employés, comme si un de leurs cheveux à eux était responsable du renvoi de la panna cotta.

Comme si finalement, les prisonniers avaient refusé de manger le dessert par coquetterie. Ironique !

Chronique : Dans la lignée d’un huis-clos à la Cube, saupoudrée d’une réflexion sociale sur le capitalisme et la lutte des classes façon Snowpiercer : Le Transperceneige, avec quelques écarts gore que renieront pas les amateurs de Saw, l’intriguant et étrange La Plateforme a fait son arrivée sur Netflix comme une bonne vieille série B fauchée que l’on pouvait découvrir par hasard sur une étagère de vidéoclub.

Objet cinématographique non identifié, La Plateforme a ce petit côté barré comme le cinéma espagnol en raffole. Pour sa première réalisation, Galder Gaztelu-Urrutia parvient plutôt bien à intriguer dès sa première partie  qui sème le dégoût et l’angoisse.

Roi (involontaire) du timing, Netflix a ajouté La plateforme sur son catalogue à point nommé en ces temps de confinement où il serait fort à propos de questionner l’individualisme de nos sociétés contemporaines et la répartition des richesses. La mise en scène de Gaztelu-Urrutia, plutôt oppressante, ne manquera pas de procurer à ceux qui le visionnent une sensation d’enfermement devenue familière. Et alors que son film vire progressivement à l’horreur (visuelle), son protagoniste bascule dans une remise en cause existentielle.

Derrière cette métaphore aussi violente et gore que minimaliste, se cache une petite pépite ibérique que Beckett ou Pinter aurait pu écrire.On parle ici d’inégalité, d’égoïsme, d’individualisme, de redistribution, et le réalisateur bouscule le spectateur sans ménagement, à la limite de l’écœurement. 1H30 de pamphlet à peine supportable sur ce qu’est l’homme pour l’homme.
Totalement assumé, cette « plateforme » remarquable n’est vraiment pas à mettre en toutes les mains. Âmes sensibles s’abstenir…

Bande-annonce

Les Vampires existent. Ici, parmi nous. Aujourd’hui dans Paris, la famille de Martha Radescu vit clandestinement. Mais lorsque Doïna, 16 ans, se révèle vampire d’un nouveau genre, leur équilibre fragile explose. Mi-humaine mi-vampire, Doïna apprend à vivre avec sa double nature.

Disponible en intégralité sur Netflix à partir du 20 mars. 6 épisodes vus sur 6.

Au casting de cette nouvelle série de vampires, on retrouve aussi bien du sang neuf que des comédiens confirmés. La jeune actrice Oulaya Amamra, découverte dans Divines et revue depuis dans Le Monde est à toi, est l’héroïne de cette histoire sanglante en plein cœur de Paris. L’interprète de cette « vamp » en devenir est épaulée par Suzanne Clément, qui incarne la matriarche de la famille Radescu. Au reste de cette tribu marginale, on retrouve Mounir Amamra (Le Monde est à toi), Pierre Lottin (Les Tuche) et Juliette Cardinski (Les Grands). Face à eux, des vampires qui vivent dans l’opulence et qui respectent une certaine loi, dont Kate Moran et Aliocha Schneider, frère de Niels Schneider qu’on verra bientôt dans Pompei avec Garance Marillier. Enfin, Dylan Robert, meilleur espoir masculin aux César 2018 pour Shéhérazade, complète le casting.

Librement adaptée du roman éponyme inachevé et publié à titre posthume de Thierry Jonquet, Vampires est une série créée par Benjamin Dupas (Vernon Subutex, Dix pour cent) et Isaure Pisani-Ferry (Platane), en collaboration avec Anne Cissé. Cette nouvelle production française pour la plateforme américaine se lance le défi de dépoussiérer le genre de la série de vampires. Après un âge d’or dans la pop culture dans les années 1990 et au début des années 2000 puis un passage à vide, la créature vampirique semble intéresser de nouveau puisque Netflix a mis en ligne il y a quelques mois deux séries sur ce thème : V Wars avec Ian Somerhalder et Dracula de Steven Moffat et Mark Gatiss. Alors avions-nous vraiment besoin d’une nouvelle série de vampires ? La réponse est oui.

Premièrement parce qu’on nous propose enfin une héroïne vampire dans un genre qui a souvent présenté un personnage principal féminin humain tombant amoureuse d’un vampire irrésistible. Cette fois, l’hyper sexualisation et le côté prédateur de la figure du vampire ne sont pas abordés en premier plan.  L’immortalité et le goût du sang de Doïna (Oulaya Amamra) est un prétexte pour explorer sa construction identitaire et familiale et son évolution organique lui permet de découvrir sa véritable nature : un être hybride mi-humain mi-vampire. En se rebellant contre sa mère Martha (Suzanne Clément) et en se laissant aller à ses pulsions, Doïna va couper le cordon et accepter sa condition afin d’être libre et en paix avec elle-même. La figure du vampire a toujours permis d’explorer le passage de l’adolescence à l’âge adulte et c’est le cas dans Vampires mais d’une manière plus réfléchie qui fait penser à la culte Buffy.

On apprécie également la sobriété apportée à la représentation des vampires humanisés, sans effets spéciaux et fausses canines. Fait assez rare qui mérite d’être souligné, la capitale n’est pas représentée comme une carte postale comme dans Plan Cœur. Vampires n’hésite pas à filmer Paris dans sa noirceur mais aussi dans sa lumière en baladant le spectateur dans un Belleville tantôt vivant et chaleureux, tantôt dangereux et violent. Il en est de même pour ses personnages avec deux types de représentation : d’un côté La Communauté à la vie luxueuse et paradoxalement lumineuse et de l’autre la famille Radescu, des réfugiés, des marginaux qui se cachent dans l’obscurité. La figure vampirique est autant représentée dans ce qu’elle a de plus beau que dans ce qu’elle a de plus laid et est très souvent rapprochée de ce qu’est la nature humaine.

Vampires réussit son pari de dépoussiérer le genre en ayant trouvé un équilibre entre modernité et retour aux sources. Respectueuse pour ses références culte, entre la série Buffy, Dracula de Francis Ford Coppola, Aux frontières de l’aube de Katheryn Bigelow, cette nouvelle production française pour Netflix bénéficie aussi d’une esthétique gothique et sanglante à l’image de Grave de Julia Ducournau ou de l’univers de Dario Argento pour certaines scènes. La première saison se terminant sur un gros cliffhanger, on espère que la plateforme américaine accordera une deuxième saison à Vampires, une belle série française sincère, appliquée et ambitieuse dans la continuité de Marianne et Mortel.

Vienne, fin du XIXe siècle. Le jeune Sigmund Freud se retrouve impliqué dans un complot obscur aux côtés d’une voyante en enquêtant sur des meurtres et des disparitions.

Freud, une série créée et réalisée par Marvin Kren, avec Robert Finster, Ella Rumpf, Georg Friedrich, Brigitte Kren, Christoph Krutzler…

Disponible sur Netflix à partir du 23 mars. 2 épisodes vus sur 8. 

C’est une scène d’hypnose qui introduit le pilote de Freud. Très vite, on comprend que la séance est une farce : il s’agit en fait du jeune Dr Freud qui, peu sûr de ses capacités à vraiment pratiquer l’hypnose, fait répéter sa gouvernante pour qu’elle parvienne à simuler parfaitement un état hypnotique. Tout ça dans le but de convaincre un collège de chercheurs du bien fondé de ses travaux. C’est alors que deux policiers font irruption chez lui avec le corps agonisant d’une jeune femme qu’on a cru assassinée jusqu’à ce qu’elle se remette à respirer, sans tarder à mourir à nouveau.

Dans la peau du jeune Sigmund Freud, Robert Finster, comédien autrichien venu du théâtre et dont le visage est peu connu, voire inconnu du public français. A ses côtés, la comédienne franco-suisse Ella Rumpf, découverte dans Grave où elle jouait la soeur de l’héroïne, interprète une médium, Fleur Salomé (dont le nom a certainement été inspiré par Lou Andreas-Salomé, véritable élève de Freud). Enfin, Georg Friedrich, aperçu notamment chez Michael Haneke, campe l’agent de police Alfred Kiss qui complète le trio.

Dès le premier épisode, le ton est donné : cela part dans tous les sens, tant en matière de scénario qu’en matière de mise en scène, et les choses vont continuer à tourner en eau de boudin pour Freud et sa petite clique. De multiples intrigues vont commencer à s’entremêler (et nous, à nous embrouiller) : une jeune fille assassinée et aux parties génitales violemment mutilées, une petite fille disparue, un jeune médecin ambitieux dont personne ne semble vouloir prendre les théories au sérieux (Freud), une médium qui enchaîne les crises d’hystérie non simulées et qui a des visions graphiques et fort inconfortables (Fleur), un flic tourmenté par d’horribles souvenirs de guerre et mu par une soif de revanche des plus intenses (Kiss), le tout sur fond de tensions politiques entre l’Autriche et la Hongrie.

Trop, c’est trop. Toutefois, si vous aimez vous laisser porter dans un univers étrange sans trop savoir où on vous emmène, si vous fantasmez secrètement en imaginant un Sigmund Freud cocaïnomane agiter un pendule sans grande conviction, si vous n’avez pas peur des personnages de méchants un brin carcaturaux, si vous êtes féru de récits de faits divers glauques situés dans un cadre historique, mais qui ne respectent pas forcément les événements historiques et qui mélangent indistinctement le vrai du faux pour former une sorte de gloubiboulga un poil indigeste, mais dont la lourdeur visuelle pourrait passer pour quelque chose de simplement baroque sur un malentendu… Alors, cette série est certainement faite pour vous.

Les vies de trois femmes vivant à trois époques différentes alors qu’elles font face à l’infidélité dans leur mariage respectif. Si le rôle des femmes a évolué dans la société, leur réaction est toujours la même : un profond désir de vengeance. Dans les années 60, Beth Ann, femme au foyer, attend sagement son mari le soir alors qu’il la trompe avec une serveuse. Dans les années 80, Simone, une working girl, découvre que son mari la trompe… avec un homme. De nos jours, Taylor, bisexuelle, s’essaye au couple libre non sans difficultés…

Créée par Marc Cherry (Desperate Housewives, Devious Maids, American Beauty). Réalisée par Marc Webb (500 jours ensemble, The Amazing Spider-Man).

Tous les jeudis soirs sur M6. 10 épisodes vus sur 10.

Après Marcia Cross, Teri Hatcher, Felicity Huffman et Eva Longoria, Marc Cherry se devait de frapper fort. Et c’est sur deux bonnes actrices, qui sortent de près d’une décennie sur la même série, qu’il a mis son grappin : d’abord Lucy Liu, la Watson d’Elementary et Ling d’Ally McBeal, vue au cinéma dans Charlie’s Angels; ainsi que Ginnifer Goodwin, la Blanche Neige de Once Upon A Time, révélée en épouse mormone dans Big Love sur HBO. La 3e femme de la bande est une jeune révélation. Très demandée, Kirby Howell-Baptiste s’est faite remarquer dans The Good Place et Killing Eve, et vient d’apparaître dans la saison 4 de Veronica Mars. A ses côtés, Alexandra Daddario, star des films Percy Jackson, San Andreas et Baywatch, passée par la case True Detective en télé.Chez les hommes adultères, on retrouve Sam Jaeger, le papa parfait de Parenthood, croisé dans la saison 3 de The Handmaid’s Tale; l’anglais Jack Davenport, vu dans Smash et Flash Forward; et Reid Scott, qui sort tout juste de sept ans dans Veep.

Desperate Housewives vous manque ? Les rediffusions en boucle sur M6  -en ce moment même- vous lassent ? Why Women Kill a clairement été conçue pour vous combler. Elle saura assurément répondre à vos désirs de plaisirs coupables, comme l’avait déjà fait en son temps l’autre succulente série de Marc Cherry trop sous-estimée, Devious Maids. Il va sans dire que ceux qui n’accrochent pas à cet univers entre la fable et la farce n’y trouveront à nouveau pas leur compte. Dès le générique façon bande dessinée, il ne fait aucun doute que Wisteria Lane et ses femmes au foyer désespérées ne sont pas loin.

Si l’action se situe à Pasadena en Californie, le petit quartier américain caractéristique qui sert de lieu à l’action en est une copie conforme, voisins (trop) curieux compris. La différence majeure, c’est que les trois héroïnes ne se croiseront (presque) jamais puisqu’elles vivent à trois époques différentes dans la même demeure luxueuse. Les transitions entre les périodes sont d’ailleurs mises en scène avec fluidité. Les petites musiques typiques de Desperate Housewives sont de retour, pour nous indiquer en toute subtilité quand on doit se marrer et quand on doit être attendri. 15 ans ont passé mais il faut reconnaître à cette recette de n’avoir pas perdu en efficacité, elle ne nous émerveille juste plus autant. A noter que grâce à une diffusion sur la plateforme de streaming CBS All Access aux Etats-Unis, la série peut se permettre d’aller un peu plus loin que sur une chaîne traditionnelle. Les « fuck » sont donc au rendez-vous, mais la nudité reste très légère en revanche.

Là où Desperate avait du mal à tenir sur la longueur, Why Women Kill bénéficie d’une narration resserrée sur 10 épisodes. On sent que les scénaristes savent très exactement où ils vont, sans trop de gras et de sous-intrigues inutiles, quoique les passages d’interviews façon Modern Family ne semblent pas primordiaux. En filigrane, derrière les dialogues ciselés et les rebondissements bien ficelés, la série tente de dépeindre l’évolution de la condition féminine des années 60 à nos jours, en dépassant les clichés. Mais c’est bien le mystère qui nous tient en haleine tout du long : comment ces femmes qui n’ont pas l’air d’être des psychopathes en puissance vont se retrouver à tuer leurs maris, tôt ou tard ? La réponse s’avère plus complexe et plus inattendue que prévu.

On ne peut que saluer les prestations des actrices, à commencer par celle de Lucy Liu, qui semble tout droit sortie de Dynastie -la version originale- et qui nous régale de piques bien senties dont Marc Cherry a le secret. L’actrice semble s’éclater, loin du format corseté d’Elementary. Son intrigue lorgne en revanche un peu trop du côté de Gaby et du jardinier. Le sentiment de déjà vu est inévitable. Ginnifer Goodwin, en pré-Bree Van De Kamp, offre la performance la plus émouvante  avec une intrigue plus classique mais qui devrait nous réserver de belles surprises. Le personnage nous montre dès la fin du pilote qu’il est prêt à en découdre avec le patriarcat ! En ce qui concerne la 3e héroine, moderne et bisexuelle, on est un peu plus perplexe mais elle a le mérite de ne pas aller exactement là où on l’attend malgré une mise en place un peu ronflante.

Why Women Kill a donc beaucoup de fun à revendre, un charme indéniable, un équilibre entre drame et comédie trouvé, et un léger parfum de scandale qui ne peut que donner envie de la dévorer. Restez bien jusqu’au bout, le dernier épisode est un petit bijou de mise en scène !

En pleine pandémie de coronavirus, Stephen King a décidé de partager un extrait audio de son roman Le Fléau, paru pour la première fois en 1978 dans sa version courte et dont la version longue incluant des extraits supprimés par l’éditeur a été publiée en 1990. Dans Le Fléau, les Etats-Unis sont frappés par une pandémie de virus de la grippe créé en laboratoire. La population est décimée et les survivants se scindent en deux camps opposés.

Le chapitre 8, que le romancier a partagé sur Twitter, raconte comment le virus se propage. Dans son tweet, il rappelle toutefois que le COVID-19 est beaucoup moins meurtrier que la « supergrippe » de son roman.

Si vous avez Le Fléau dans votre bibliothèque et que vous n’avez pas peur de vous atteler à une oeuvre un poil anxiogène, cette période de confinement est peut-être l’occasion de le (re)lire, ou bien de (re)voir la mini-série adaptée du roman avec Gary Sinise et Molly Ringwald.

• Scott Pilgrim (2010)

Réalisé par Edgar Wright, à qui l’on doit déjà Shaun of the Dead et Hot Fuzz, Scott Pilgrim est un film quelque peu What The Fuck, qui suit un jeune geek un peu loser, incarné par Michael Cera, qui, pour conquérir le coeur d’une jeune femme, devra vaincre ses 7 ex diaboliques. Adapté d’une série de comics du même nom, le film est bourré de références à la pop culture… Saurez-vous les retrouver ?