2016, alors qu’il est en pleine procédure pour l’obtention de la garde alternée de sa fille Lise, Thomas découvre par hasard le » drame de Cestas » (1969), qui fut l’un des premiers faits divers médiatisés à outrance. Au terme d’une véritable enquête, il reconstitue le puzzle de cette tragédie.
Chronique : Ce roman graphique est juste une claque. rTès belle analyse des données pour démontrer que la violence humaine a diminué sur la terre. Les sociétés seraient devenues moins violentes avec une baisse sensible des crimes et des châtiments brutaux. Époustouflante lecture. Exaltation de l’état. Interprétation très hobbésienne , peu rousseauiste. Salutaire. Je pense toujours que les êtres humains sont violents mais la violence brute a baissé. Alors qu’on entend que notre époque est de plus en plus violente, faits à l’appui, Cojo et Revel montrent qu’il n’en est rien et que jamais nous n’avons vécu une période de l’histoire aussi pacifique. Cojo et Revel proposent de dizaines de statistiques qui montrent que nos ancêtres étaient plus violents, et la palme reviendrait à ces chasseurs-cueilleurs qu’on présente souvent comme des parangons de pacifisme.t. En ayant le monopole de la violence légitime, l’Etat va mettre fin au règne de la violence de tous contre tous. Des mécanismes annexes vont bien entendu jouer aussi : le rôle du commerce, de l’empathie, de la lecture, le contrôle croissant de soi bien mis en évidence . Ici un point de vue radicalement positif et optimiste qui s’oppose à la morosité ambiante, mais qui est basé sur une argumentation serrée et des statistiques solides.
L’affaire connaît un traitement médiatique important, chose alors inédite au cours des années 1960, et fait la une de nombreux journaux français et étrangers., Que rien n’est juste et qu’il est trop tard pour revenir en arrière. « La justice doit être juste sinon ce n’est plus la justice ! » il n’a jamais rien fait de mal et le seul problème qui se pose, c’est que Andrè Fourquet aime ses gosses. « Faut pas aimer car si vous aimez, vous allez en taule ! » Pour ce père de famille, c’est plus fort que lui : il aime […]
Dur et âpre cette lecture nous reste en tête.
Note : 9,5/10
Éditeur : Les Arènes (17 juin 2021) Langue : Français Relié : 157 pages ISBN-13 : 979-1037502209
Timoté est un petit lapin qui, au fil des albums, partage sa vie avec ses copains et sa famille. Aujourd’hui, c’est avec ses parents et Artus qu’il découvre le château de Versailles. Dès l’arrivée, la petite troupe est très impressionnée par la statue du Roi-Soleil et les somptueuses grilles dorées du château.
Chronique : Un livre de Timoté est toujours une une jolie histoire à raconté au enfants. Les couleurs du livre sont à la fois vives et douces et animent des dessins tendres et ronds. Il y a des détails charmants dans les illustrations. le jeune lecteur est invité à chercher des petites choses dans la page, à faire marcher son imagination et son observation et ici il y découvre le château de Versailles avec la chambre du Roi et son drôle de lit à baldaquin, la chambre de Marie-Antoinette et son serre-bijoux et bien sûr la somptueuse galerie des Glaces et ses lustres en cristal. La visite continue dans les jardins où les amis découvrent le bassin de Latone, l’étonnante fontaine du Dragon, et le hameau de la Reine.
L’album est adorable, Timoté et sa famille sont si mignons !
Note : 9/10
Éditeur : Grund (24 juin 2021) Langue : Français Relié : 24 pages ISBN-10 : 2324027704 ISBN-13 : 978-2324027703
Dans une France ravagée par le changement climatique et la Grande Guerre des Frontières qui s’en est suivie, l’État contrôle tout et abreuve la population de fake news. Daniel Sagnes est l’un de ces monteurs/menteurs, simple rouage de la grande machinerie du mensonge institutionnalisé.
Chronique : Deuxième roman que je lis d’Emmanuel Quentin et toujours autant de plaisir ! J’avais déjà apprécié l’univers travaillé de « Dormeurs », mais dans « Replis », le monde de 2072 y est encore plus développé et riche. L’écriture est toujours aussi dynamique, et le rythme soutenu incite à ne jamais lâcher le livre. Le personnage principal nous dépeint un monde post-apocalyptique noir et violent. Sans jamais s’attarder dans de longues descriptions, son cynisme suffit à distiller toutes les cruautés visibles ou latentes qui peuplent cette dystopie, ainsi que les mensonges qui égrènent le récit. Car il s’agit là du thème majeur du roman : les fake-news (privés, publiques, y’en a pour tous les goûts !), sujet brûlant d’actualité et qui sert à merveille le roman – autant son contexte que son enjeu – au point d’en trembler pour notre propre futur ou, tout du moins, de se questionner sur certaines issues qui nous pendent au nez ! Le plaisir de lecture vient aussi du cynisme du narrateur qui nous retient de l’apprécier mais n’empêche pas de s’identifier à lui, parfois à contrecœur ! Bref, une lecture qui marque, qui interroge et qui surprend à plusieurs reprises.
Note : 9/10
Éditeur : Pocket (10 juin 2021) Langue : Français Poche : 312 pages ISBN-10 : 2266297694 ISBN-13 : 978-2266297691
Chronique : Belgarath le Sorcier est à lire de préférence après la Belgariade et le Mallorean. Bien qu’il s’agisse d’un roman autonome, le prologue s’appuie sur des événements qui se déroulent à la fin du Mallorean.
Comment décrire le roman ? Le qualifier de livre d’histoire est une grave injustice, à l’échelle de celle qui consiste à appeler une Lamborghini une voiture (ce qu’elle est, bien sûr, mais vous pouvez sûrement trouver des façons bien plus éblouissantes de décrire une Lamborghini). « Belgarath le Sorcier » est l’histoire de l’amour d’un homme – pour son dieu, pour sa femme, pour ses « frères », pour ses filles et pour les gens. C’est l’histoire d’un devoir et d’une responsabilité (et d’un sens de l’humour) qui persiste en dépit de diversions qui durent des décennies, de déviations qui durent des siècles et de deuils qui durent des millénaires.
Eddings gère très bien le rythme : il traverse les siècles en un paragraphe, puis consacre des chapitres entiers aux événements de quelques semaines, sans que le lecteur ait le vertige de se demander ce qui vient de se passer. Le flux de l’histoire transporte le lecteur de manière fluide à travers des scènes détaillées. Les personnages sont à la fois vivants et mémorables, et les lecteurs apprécieront de voir comment toutes ces blagues d’initiés de la Belgariad ont commencé.
Le concept d’un personnage qui a vu l’humanité se sortir de la boue, et qui a été à l’avant-garde de tous les événements mythiques et historiques de mémoire, ne manque jamais de me fasciner. Les Eddings font un travail fantastique pour capturer comment un homme doit être différent après avoir vécu ce type de vie. Plutôt que l’histoire d’un garçon qui doit sauver le monde, c’est l’histoire de l’homme qui a ordonné ce monde pour que le garçon ait quelque chose sur quoi s’appuyer pendant qu’il accomplit la prophétie. Belgarath a mené une vie brutale, même si le livre lui-même est assez léger et sarcastique dans son récit.
De plus, l’apparition du Vieux Loup rend la série qui l’a précédé – la série sur Garion – beaucoup plus puissante. Il y a toute une couche de subtilité qui s’ajoute lorsque vous lisez ces livres après celui-ci.
Si vous aimez les fantaisies épiques qui vivent et respirent, « Belgarath » et les autres ouvrages de David et Leigh Eddings sont faits pour vous !
Loki est disponible sur Disney Plus ! Si vous souhaitez savoirsi Loki est bisexuel, lisez la suite ! Le statut de bisexuel de Loki dans le MCU a finalement été confirmé dans l’épisode 3 de Loki. Cette affirmation est intervenue en plein mois des fiertés, cimentant le statut de Loki en tant qu’icône LGBTQ. Cependant, cette révélation ne devrait pas jouer un rôle majeur dans les prochains épisodes de la série, car Loki n’est pas le personnage le plus amoureux, étant plus obsédé par la conquête du pouvoir que par la satisfaction physique ou la romance. Pour tout savoir concernant la sortie de l’épisode 4, lisez ceci.
La confirmation de l’orientation sexuelle de Loki vient juste après que la série ait également révélé que le Loki du MCU est genderfluid. Ces deux aspects du personnage de Loki sont fermement établis dans les bandes dessinées depuis de nombreuses années, où Loki passe librement d’une forme masculine à une forme féminine grâce à ses pouvoirs de métamorphose et est montré comme étant attiré par les deux sexes, bien que peu enclin à des relations sérieuses.
Cela est conforme aux mythes nordiques classiques, où Loki, tout en se présentant généralement comme un homme, a pris la forme de femmes et, dans une histoire, est tombé enceinte et a donné naissance au cheval à huit pattes d’Odin, Sleipnir. On vous en dit plus concernant la bisexualité de Loki !
Loki est il bisexuel, homosexuel, pansexuel ?
Alors que la planète est sur le point d’être détruite, les deux hommes sont confrontés à une course contre la montre pour quitter la planète. Au cours du processus, une conversation confirme que Loki fait partie de la communauté LGBTQ+. Cependant, son identité sexuelle exacte n’est pas claire, ce qui ouvre trois options possibles : Loki s’identifie soit comme gay, soit comme bisexuel, soit comme pansexuel.
Cependant, Loki dit qu’il est attiré par les hommes et les femmes. Cela signifie qu’il n’est probablement pas gay. Le terme pansexuel désigne généralement une personne qui est attirée par une personne indépendamment de son sexe. Bisexuel désigne une personne attirée par des membres du même sexe et du sexe opposé.
Selon notre compréhension des orientations sexuelles, les mots de Loki laissent entendre qu’il est bisexuel. Cependant, il a déjà été confirmé que Loki est fluide dans le MCU, ce qui signifie que son orientation sexuelle peut changer avec le temps et qu’il peut avoir été gay ou pansexuel dans le passé ou le futur. Pour l’instant, on peut affirmer sans risque de se tromper que Loki est le premier personnage ouvertement bisexuel du MCU.
Cette révélation, qui intervient pendant le mois des fiertés, est un autre exemple de l’engagement de Marvel Studios à créer des personnages diversifiés. La normalité et la douceur avec lesquelles la révélation de l’orientation sexuelle de Loki a été gérée sont admirables. Félicitations à l’équipe créative de la série !
La petite “annonce” du jour, c’est le premier prototype satisfaisant de brique LEGO à base de plastique recyclé. Plus précisément le fameux PET (polyéthylène téréphtalate) utilisé notamment pour les bouteilles d’eau : une bouteille d’un litre permettrait de fabriquer une dizaine de briques 2×4.
Cette annonce a surtout pour but de rappeler que LEGO continue ses recherches pour une production plus durable, puisque l’ABS utilisé historiquement chez LEGO est un dérivé du pétrole. Il ne suffit évidemment pas de fondre une bouteille en plastique et de la mouler en forme de brique, il faut trouver la bonne composition, via différents additifs, pour garantir les mêmes caractéristiques que les briques classiques : résistance, durabilité, sécurité, clutch power, toucher, etc…
Le prototype annoncé aujourd’hui par LEGO cocherait apparemment ces cases, mais il reste encore du chemin à parcourir avant de retrouver des briques en plastique PET recyclé dans les boites : LEGO lance une phase de test d’au moins un an et devra s’assurer que cette nouvelle formule peut remplacer sans problème l’ancienne, offrir la même tenue dans le temps et garantir un maximum de continuité lorsque briques ABS et briques PET seront mélangées (cohérence des couleurs notamment).
Bref, il y a encore du travail pour l’équipe de plus de 150 personnes qui creuse le sujet depuis trois ans et qui aurait déjà testé plus de 250 formules différentes de PET recyclé. Et si LEGO se donne 2030 comme horizon pour avoir 100% de matériaux durables dans sa production, un changement de formule du plastique n’est pas un sujet à prendre à la légère.
Le polybag s’ajoute automatiquement au panier dès que le seuil est atteint. Offre valable jusqu’au 11 juillet prochain, dans la limite des stocks disponibles.
Chronique : Dark Run est le deuxième livre de la série de livres de science-fiction Keiko. Dans cet épisode, l’équipage du Keiko profite d’un repos bien mérité après les événements du livre précédent. Ichabod Drift a amené son équipage sur la planète New Samara dans l’un des casinos les plus prestigieux de la galaxie, dirigé par le mafieux russe Orlov. Après qu’Orlov ait engagé Ichabod pour effectuer un simple travail sur la planète minière d’Uragan (qui fait partie de la Confédération de l’étoile rouge), l’équipage se retrouve dans une situation encore plus délicate : celle d’une ville en pleine révolution.
J’ai vraiment apprécié ce livre, encore plus que le premier. C’est une aventure vraiment amusante et pleine d’action, et les problèmes de la seconde moitié du premier livre et du rythme sont grandement améliorés ici. C’est un livre solide d’un bout à l’autre ; il n’y a pas de moments où j’ai eu l’impression que l’intrigue s’échappait de Brooks comme elle l’a fait dans le premier livre, et il n’y a pas de véritables détours inutiles. Les personnages présentés sont pour la plupart sympathiques et bien développés, et je dois admettre que je ne pensais pas que l’intrigue prendrait la direction qu’elle a prise après les premiers chapitres. De légers spoilers pour le développement de certains personnages à partir de ce point.
Dark Run a commencé comme une petite histoire centrée sur les personnages qui s’est transformée en une superproduction d’action à la fin, sans transition appropriée entre les deux. Dans cette histoire, Brooks fait un excellent travail pour créer une tension et établir les personnages qui sont importants pour les développements ultérieurs de l’histoire. Dès que l’équipage pose le pied sur Uragan, il y a une atmosphère oppressante et lourde, et les choses ne font qu’empirer et se tendre au fur et à mesure que l’histoire progresse jusqu’à ce qu’elle explose en une émeute ouverte. Nous sommes présentés à la fois à Murat et à Ricardo Moutinho très tôt dans l’histoire, et cela les rend tous deux plus fascinants. De même, l’équipe est divisée plus tôt, ce qui augmente les enjeux et la tension, car ils sont séparés à différents niveaux, sans aucun moyen de communiquer et en sachant qu’ils sont pris dans une situation très grave qu’ils n’ont pas vraiment le pouvoir d’influencer.
Uragan est une planète minière contrôlée par l’Étoile Rouge, qui semble être une fédération perdue de contrôle russe et chinois. En tant que telle, c’est une planète régie par la bureaucratie, les règles et l’ordre. D’après la description de la ville, elle est conçue et construite de manière strictement utilitaire, les gens sont tous fatigués et effrayés, et le gouvernement contrôle pratiquement toute leur vie. J’ai trouvé certaines des choses sur l’oppression de la planète russe un peu archaïque, mais compte tenu de ce qui se passe actuellement en Russie, cela n’a pas semblé trop tiré par les cheveux. Il était intéressant de lire sur une planète qui ne parle que le russe et utilise le cyrillien, et comment cela a affecté l’équipage, en particulier Ichabod qui ne le connaissait pas.
Une autre chose que j’ai vraiment appréciée en termes d’intrigue, c’est que la situation n’était pas noire et blanche et peinte en tant que révolution bonne, gouvernement mauvais. Il y avait beaucoup d’avantages et d’inconvénients des deux côtés, présentés par les personnages et le cadre lui-même. Même le point de départ de l’intrigue, à savoir l’insistance des Shirkov à être expulsés de la planète, dépeint une ville où, bien que les gens soient désespérés de partir, l’anéantissement complet de la structure sociale et gouvernementale aurait des conséquences désastreuses qui rendraient la vie des habitants encore pire. Ayant grandi dans un pays où les vestiges de cette peur sont encore bien réels et ressentis au quotidien, j’ai trouvé cet aspect très vrai. J’ai apprécié que Brooks ne dépeigne pas non plus les autres fédérations comme étant meilleures ; Ichabod était un pirate pour les Européens après tout, et le travail de Rooke pour les Nord-Américains consistait à fomenter des rébellions et des insurrections en territoire étranger, puis à les laisser être écrasées par les gouvernements pour marquer des points politiques.
Cela m’amène à parler des personnages. Comme je l’ai dit dans ma précédente critique, ce que je préfère dans cette série, ce sont les personnages. Je ne pense pas avoir déjà lu un livre où le personnage principal est de loin mon préféré, mais on peut dire qu’Ichabod est ce qui fait l’équipe Keiko pour moi. Il est jeté hors de son élément dans ce livre, car non seulement il est incapable de parler russe, mais il se retrouve également du côté de la loi pour une fois. J’ai aimé sa relation avec Murat, la façon dont il reconnaît que l’homme est capable et se soucie de son peuple, tout en cherchant constamment une issue pour lui-même et son équipe. J’ai également apprécié que Micah soit souvent mentionné, et que son absence affecte Ichabod à la fois sur le plan du caractère et de l’intrigue. De même, son secret a été évoqué, influençant certaines de ses décisions ainsi que la façon dont les autres personnages (notamment Aparna et Jenna) le perçoivent.
Ichabod est associé à Jia et Kuei dans ce livre, et Jia n’a pas beaucoup de moments pour briller. Elle a droit à une scène plutôt sympa avec son frère où ils se disputent sur le fait de négliger leurs parents, mais l’accent est surtout mis sur Kuei. Je ne me suis pas particulièrement attaché à lui. Je ne sais pas si c’est sa personnalité, car il est censé être un homme un peu lâche et passif agressif, mais Micah était passif agressif aussi, et je l’aimais. Je pense que Brooks ne sait pas vraiment quoi faire de lui, donc Kuei finit par avoir très peu de personnalité. Il est sous-entendu qu’il pourrait être gay, mais c’est une phrase tellement banale que je ne suis même pas sûre que ce soit intentionnel ou que je l’ai mal interprété.
Le personnage que j’ai beaucoup aimé dans ce groupe est Murat. Pour poursuivre sur le thème de la diversité des personnages, Murat est musulman, sur une planète de mineurs majoritairement russes orthodoxes. C’est un très bon personnage ; il est bon de bout en bout et j’ai beaucoup aimé son badinage avec Ichabod qui est la définition du chaotique neutre. C’est un homme qui se soucie de ses devoirs et de sa ville, il est intelligent mais aussi trop attaché à suivre les règles pour être réellement efficace dans son travail. Son changement de caractère à la fin était authentique et construit, et je suis heureux qu’il fasse partie du prochain livre.
Dans l’autre équipe, nous avons Rooke, Jenna et Aparna. J’adore Aparna, et dans ce livre, il est encore plus attachant. C’est un personnage si doux, malgré son tempérament, et j’ai adoré sa relation avec Jenna. Au début, je n’étais pas sûre d’aimer la direction que prenait leur relation, mais honnêtement, elle est si douce et semble très naturelle. Ce sont deux personnes qui ont passé toute leur vie à construire des murs et des attentes, alors se trouver l’un l’autre comme un réconfort et un soutien était très naturel. Il y a quelque chose de remarquable dans le fait que l’homme maori, grand et intimidant, soit autorisé à ne pas être seulement un bon personnage qui n’est pas seulement là pour la violence ou le soulagement comique, mais qu’il soit également autorisé à avoir une relation authentique, douce et romantique avec un autre personnage. Jenna était le personnage que je préférais le moins dans le premier livre, et dans celui-ci, je n’arrive toujours pas à me défaire du sentiment qu’elle est un peu trop parfaite. Brooks essaie d’équilibrer cela en la rendant maladroite et plus qu’un peu snob et pleine de préjugés, ce qui est bien, même si j’aurais pu me passer de ses crises de colère. J’aime le fait qu’il soit très clair que son personnage prend de l’assurance, et je suis curieuse de découvrir ce qui s’est passé avec le Circuit pour qu’elle leur soit si hostile. Rooke est le dernier membre de la distribution principale, et j’ai vraiment apprécié que nous puissions la voir davantage dans ce livre. Elle était bien dans le premier tome, mais elle semblait toujours un peu trop parfaite et impénétrable en tant que personnage. Ici, nous la voyons fatiguée, faire des erreurs et s’investir dans la rébellion, malgré ses intentions et son meilleur jugement. Le fait qu’elle s’introduise dans le bâtiment de diffusion par le tuyau m’a rappelé la scène où Inej escalade l’échappement dans Six of Crows, ce qui est approprié puisque les deux personnages sont similaires. J’ai apprécié que le livre reconnaisse l’âge du personnage, surtout pour elle, mais les meilleurs moments ont été ses plaisanteries avec Moutinho.
Il est logique que le faire-valoir d’Ichabod soit un contrebandier brésilien qui parle portugais et russe et qui a couché avec Rooke. Moutinho était une explosion, un personnage complètement fourbe et égoïste que j’ai néanmoins beaucoup apprécié. Il n’a pas l’occasion de se confronter à Ichabod et passe une grande partie du livre à contrarier Rooke et à essayer de convaincre Jenna de changer d’équipe, mais j’attends avec impatience l’inévitable confrontation dans un prochain livre.
Note : 9,5/10
Éditeur : Fleuve éditions (20 mai 2021) Langue : Français Broché : 368 pages ISBN-10 : 2265118400 ISBN-13 : 978-2265118409
Demon Slayer : Mugen Train change la donne pour l’industrie de l’anime. Voici comment le phénomène s’est produit.
Lorsque Mugen Train est arrivé dans les salles américaines le 23 avril, un monde de possibilités nouvelles et passionnantes s’est ouvert pour l’industrie de l’anime. Kimetsu no Yaiba (Demon Slayer) : Mugen Train a battu des records au box-office après avoir détrôné le détenteur du record de longue date, Spirited Away , pour devenir le film d’animation le plus rentable au monde avec 440,15 millions de dollars.
Inutile de dire que le monde de l’anime a été profondément secoué. Avec une vague de personnes choisissant Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba comme leur tout premier anime après avoir entendu parler de son succès mondial, les vétérans de l’anime se demandent peut-être comment l’industrie continuera de croître à partir de maintenant. Voyons comment une histoire touchante sur un garçon et sa sœur a été si acclamée par la critique et a réussi à battre tous les records imaginables.
Qu’est-ce que Demon Slayer : Kimetsu no Yaiba ?
Demon Slayer (parfois appelé par son titre japonais Kimetsu no Yaiba ) suit la vie d’un jeune adolescent – Tanjiro – alors qu’il tente de libérer sa sœur – Nezuko – de la malédiction d’un démon. Voulant la rendre humaine et se venger du mystérieux agresseur qui a assassiné sa famille, Tanjiro se lance dans une aventure à travers le monde à la recherche de réponses. La série a duré 26 épisodes au printemps 2019 sur plusieurs réseaux japonais (dont Tokyo MX, GTV,GYT, BS11) et a ensuite été diffusée sur des réseaux américains (dont Adult Swim et Toonami) ainsi que sur des sites de streaming tels que Funimation. Le spectacle a été bien reçu et a rapidement rassemblé un public de fans fidèles.
Cependant, après la sortie de Mugen Train dans les cinémas, il a gagné du terrain auprès de plusieurs médias atypiques (le LA Times par exemple) en raison de la somme d’argent qu’il générait. Il semblait que des gens qui n’étaient pas des fans de la série originale, ni des fans d’anime en général, faisaient la queue pour avoir la chance de regarder Mugen Train . Cela soulève la question; juste pourquoi estMugen train si populaire?
L’intrigue simple mais efficace
L’une des principales raisons liées au succès de Mugen Train est l’accessibilité de la franchise. La prémisse est assez facile à comprendre (une histoire d’amour inconditionnel entre frères et sœurs) et bien que les éléments fantastiques des démons et de la magie restent répandus, ils ne s’enlisent pas dans des rames d’exposition.
Cela permet à n’importe qui de prendre le spectacle avec une relative facilité.
Cependant, pour ceux qui restent, la prémisse d’une simplicité trompeuse explose dans un monde merveilleusement riche et stratifié avec des personnages très intéressants, chacun étoffé avec ses propres histoires et des développements surprenants de l’intrigue qui maintiennent la prémisse simple engageante pendant tant d’épisodes. Dans l’ensemble, l’ intrigue de Kimetsu no Yaiba est simple à première vue, mais ceux qui y regarderont d’un peu plus près verront un récit captivant qui a clairement été méticuleusement soigné.
Super animation
La qualité de l’animation est du plus haut niveau dans Demon Slayer et Mugen Train . Même ceux qui ne sont pas particulièrement intéressés par l’intrigue seront captivés par les visuels époustouflants. Des détails encore plus petits, comme l’eau de style artistique qui coule de l’épée de Tanjiro chaque fois qu’il termine une attaque, sont tout simplement époustouflants à voir se dérouler.
Demon Slayer n’explose cependant pas tout son budget pour animer de superbes scènes de combat. Les moments plus lents sont magnifiquement animés et les expressions faciales variées prêtées à chaque personnage créent des interactions hilarantes. Zenitsu (l’un des amis de Tanjiro) en particulier a un visage expressif (sans parler de la qualité de jeu de voix stellaire de lui et de sa distribution) qui fait de l’action de chaque épisode un délice.
L’excellente matière première
Beaucoup d’anime ne sont pas créés à partir de zéro. Alors que plusieurs émissions originales sont produites et envoyées directement sur les écrans de télévision, de nombreux dessins animés émergent de leurs sources manga respectives. Demon Slayer ne fait pas exception ici, car le manga continue de publier des numéros périodiquement, avec une histoire qui a depuis longtemps dépassé les événements de Mugen Train .
Koyoharu Gotouge, le cerveau mangaka derrière la série Kimetsu no Yaiba , a créé une œuvre d’art époustouflante sous la forme de son manga. Pour cette raison, l’animation aura toujours de l’inspiration (étant donné qu’elle laisse suffisamment d’espace entre son épisode le plus récent et le chapitre le plus récemment publié du manga). Bien sûr, plusieurs scènes devront être créées pour combler les lacunes entre les panneaux de manga, mais le scénario de base est là pour être pris et continuera de l’être tant que Koyoharu ne s’ennuiera pas !
Tracer le succès de l’émission
La montée en popularité de Demon Slayer était remarquable. Le spectacle était assez méconnu sous sa forme manga (du moins par rapport au public qu’il atteint aujourd’hui). Cependant, c’est normal pour la plupart des mangas. Sans l’aide de publicités télévisées, de promotions et d’autres moyens de faire connaître l’histoire, les ventes de mangas aboutiront rarement à un tel phénomène mondial. Tout cela change, cependant, lorsqu’un manga reçoit son adaptation en anime.
Le manga a été publié pour la première fois au Japon en 2016, mais lorsque l’anime est sorti en 2019, sa popularité n’a cessé de croître et, en tant que tel, a conclu des collaborations parrainées avec diverses sociétés à travers le Japon. Être un manga Shounen (un anime facile à digérer, léger, généralement axé sur la bataille, destiné aux jeunes garçons) n’a fait qu’ajouter à son accessibilité, et avec le visage de Tanjiro collé partout où vous allez au Japon, il y avait plus d’incitation que jamais rejoindre le train en marche! Tout cela a ensuite abouti à la sortie de MugenTrain. Après avoir été bombardé de Demon Slayer depuis sa sortie en anime, bien sûr, les nombreux fans qui avaient été créés grâce à sa large couverture regarderaient le film.
Faire remarquer le monde
Toutes ces qualités positives ont permis à Mugen Train de se démarquer de la foule de ses concurrents animés, ce qui en fait une excellente montre pour toute la famille. Il va sans dire que les parents seront beaucoup plus enclins à emmener leurs enfants voir un film dont ils pourront eux-mêmes s’amuser. Mugen Train , avec son cocktail parfaitement mélangé d’un film d’animation, a parfaitement capitalisé sur cela. Il a fourni non seulement une action stylistique et grandiloquente pour divertir les enfants, mais aussi une histoire magnifiquement conçue et étonnamment profonde que les adolescents et même les adultes peuvent apprécier.
L’impact que Mugen Train a laissé sur l’industrie de l’anime est gigantesque et, espérons-le, nous voyons plus d’attention et de considération être accordées aux œuvres animées. Long a un stigmate englouti le monde des dessins animés. « Les dessins animés sont pour les enfants », « L’ anime est enfantin » ou « Ce ne sont pas de vrais films », ont toujours été des arguments populaires des opposants. Mugen Train écrase cette idéologie et prouve que n’importe qui, de tout âge, peut trouver du plaisir à regarder des animes. Semblable à la façon dont le coréen oscarisé Parasite a ouvert la porte aux films étrangers pour faire leur place dans les festivals de films internationaux, Mugen Train a clairement indiqué que l’anime est une force commerciale avec laquelle il faut compter.
L’avenir de l’anime
La popularité de l’anime ne cesse d’augmenter et Mugen Train a joué un rôle énorme à cet égard. Les émissions moins discutées peuvent être captées par les plateformes de télévision ou de streaming occidentales en raison de leur demande de niche. Il existe déjà plusieurs façons de diffuser des animes dans le monde occidental. Des sites comme Crunchyroll et Netflix offrent une grande variété de choix. Espérons qu’ils élargiront encore plus leurs bibliothèques dans un proche avenir.
À l’avenir, nous pourrions assister à de plus en plus de sorties en salles d’anime de studios souhaitant capitaliser sur le succès de Mugen Train (post-pandémie, bien sûr). Il est évident que les œuvres d’animation peuvent générer autant d’argent que les grands films d’action à succès. Peut-être pourrions-nous également voir un long métrage d’animation remporter non seulement le prix du meilleur film d’animation, mais aussi le prix du meilleur film en général aux Oscars.
Nous pouvons également voir une augmentation de la popularité du manga. Pendant un mois en effet, le manga de Kimetsu no Yaiba a réussi à dépasser One Piece en ventes globales (chose absolument inédite depuis l’avènement du train de marchandises imparable qu’est le manga One Piece ). Beaucoup de gens sont devenus tellement captivés par les aventures de Tanjiro et de ses pairs qu’ils n’ont pu s’empêcher de prendre le manga pour voir ce qui se passerait ensuite. Peut-être, grâce à l’ influence de Mugen Train et de Kimetsu no Yaiba , verrons-nous naître une nouvelle génération de fanatiques de mangas qui, sans l’ombre d’un doute, prêcheront aux téléspectateurs d’anime que la version manga est « InFiNiTeLy SuPeRioR ».
Michael Keaton a l’air très cool alors que Bruce Wayne, le costume de Supergirl de Sasha Calle est révélé et Barry Allen d’Ezra Miller obtient des détails sympas des bandes dessinées du film DCEU The Flash.
Le film Flash est en cours de tournage et apportera toutes sortes de nouveaux looks au DCEU. Ezra Miller reprend le rôle de Barry Allen après ses apparitions dans Batman v Superman : Dawn of Justice and Justice League , mais il portera un nouveau costume et il sera rejoint par de tout nouveaux héros (mais familiers). Une seule scène qui a été tournée à Londres fournit un véritable trésor d’informations sur deux de ces héros : le retour deBatman deMichael Keaton(à partir d’une chronologie alternative) et la toute nouvelleSupergirl deSasha Calle.
Une chose à considérer dès le départ, même si l’emplacement morne de Londres donne l’impression d’être Gotham City, d’autres photos de tournage montrent clairement qu’il s’agit de la maison de Flash à Central City, alors ne vous faites pas d’idées cet égard. Mais vraiment, ce n’est même pas le truc amusant. Allons-y…
Michael Keaton dans le rôle de Bruce Wayne
Tout d’abord, nous avons ce qui semble être une scène majeure sur les marches de ce qui pourrait être un palais de justice, avec Barry Allen de Miller s’adressant apparemment aux journalistes. Serait-ce le moment où Barry rend publiques des informations qui pourraient blanchir le nom de son père pour un meurtre qu’il n’a pas commis ? C’est peut-être trop de spéculation pour l’instant, mais jetez un oeil, et vous verrez une raison principale pour laquelle cette scène semble être si importante… au sein de cette foule, nous pouvons voir Michael Keaton, en plein mode Bruce Wayne, tous deux en train de converser avec Barry dans une paire de lunettes de soleil cool et aussi seul dans la foule
Ils ont même fait en sorte que ses cheveux correspondent à son look Batman ’89 . Wayne de Keaton était la meilleure partie de sa performance de Batman, et il est sans doute le plus grand Bruce Wayne en direct, donc le voir ici à ce titre est vraiment cool.
Bruce monte même sur scène dans une voiture qui n’est pas nécessairement une Batmobile, mais qui a certainement l’air assez cool et élégante pour en être une !
Kiersey Clemons dans le rôle d’Iris West
Quoi qu’il se passe ici, Iris West est sur les lieux pour en parler, et elle partage également un moment quelconque avec Barry…
Sasha Calle dans le rôle de Supergirl
Mais peut-être que la révélation la plus grande et la plus cool de toutes vient du premier regard sur la DCEU Supergirl en costume. L’autre jour, le réalisateur Andy Muschietti a dévoilé le premier aperçu du costume de Supergirl de Sasha Calle, qui a l’air extrêmement cool et emprunte des éléments au look kryptonien de Man of Steel et d’autres projets DCEU.
Mais le costume presque complet était également exposé pendant le tournage de cette scène sur les marches, et cela ne déçoit pas ! Nous n’allons pas intégrer celui-ci ici, juste au cas où quelqu’un pourrait considérer un costume de cette ampleur comme un spoiler, mais si vous voulez jeter un coup d’œil, il existe d’excellentes photos de Calle en costume (et dans un harnais volant !)
Barry Allen d’Ezra Miller a The Flash Ring
Il y a deux détails particulièrement amusants sur l’apparition de Miller dans ces scènes. Tout d’abord, c’est plutôt mignon que Barry ne porte pas un costume parfaitement adapté « approprié pour le film », et à la place, c’est un peu conservateur et idiot. Mais regardez sa main gauche…
Oh oui, en plus du nouveau costume Flash que Barry va basculer dans ce film, il va également s’intégrer dans le célèbre anneau Flash. Fondamentalement, le costume Flash est super compressé dans cet anneau, qui s’ouvre et éjecte le costume pour une action de changement rapide maximale. C’est une petite chose qui permet à Barry de ne pas avoir à porter son costume rouge sous ses vêtements, mais c’est un détail tellement amusant qui perdure depuis les premières bandes dessinées Flash, et savoir qu’il sera vu sur grand écran est un autre signe encourageant qu’ils ‘essaye vraiment de capturer la totalité du personnage cette fois-ci.
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