Choisir paraît toujours plus facile lorsqu’il s’agit de la vie des autres. AvecL’Embarras du choix, Sébastien Azzopardi et Sacha Danino prennent cette idée au pied de la lettre : au Théâtre de la Gaîté Montparnasse, le public décide des directions que prendra l’existence du héros. Un principe ludique qui transforme les hésitations ordinaires en matière à comédie.
Le jour de ses trente-cinq ans, Max réalise que sa vie ne ressemble pas tout à fait à celle dont il rêvait. Amour, travail, amitié, famille : les questions s’accumulent, mais les réponses se font attendre. À chaque décision importante, cet indécis se tourne donc vers la salle. Aux spectateurs de trancher, puis de découvrir les conséquences de leurs choix.
Ce point de départ possède un ressort comique particulièrement fertile : nous voilà responsables d’un personnage auquel nous pouvons conseiller toutes les audaces, sans avoir à en subir personnellement les conséquences. La prudence que l’on applique à sa propre existence résiste-t-elle lorsqu’un autre prend les risques à notre place ?
Le dispositif invite ainsi à une lecture amusante de nos contradictions. On veut que Max soit heureux, mais une décision raisonnable promet-elle forcément l’histoire la plus drôle ? Entre le conseil bienveillant et la tentation de provoquer une catastrophe, le spectateur découvre une position délicieusement inconfortable.
Cette participation change également la manière d’aborder le récit. Une décision engage la suite, tout en laissant planer une question : qu’aurait-il pu se passer autrement ? La présentation annonce 128 parcours possibles, donnant au spectacle une structure à embranchements plutôt qu’un déroulement unique.
Derrière le jeu apparaît alors un sujet plus intime : la peur de renoncer. Choisir une direction, c’est abandonner les autres, accepter de ne pas tout vivre et avancer sans garantie. Max incarne cette hésitation familière, poussée jusqu’à l’absurde puisqu’il confie ses décisions à des inconnus.
L’idée séduisante deL’Embarras du choixtient à cette rencontre entre une interrogation universelle et un plaisir collectif : que faire de sa vie, lorsque tant de possibilités nous empêchent justement de vivre ? La pièce propose d’en faire un terrain de jeu. Et rappelle, avec malice, que les meilleurs conseillers ne sont pas ceux qui devront assumer la suite.
Au Théâtre de la Renaissance, François-Xavier Demaison, Patrick Mille, Ophélia Kolb et Elisa Erka partagent l’affiche de Laponie, une comédie familiale adaptée et mise en scène par Matthieu Delaporte et Alexandre de La Patellière. Au programme : des retrouvailles, une révélation sur le Père Noël et une fête dont la douceur annoncée se transforme en terrain d’affrontement.
Noël possède ce pouvoir étrange : réunir les familles tout en leur demandant de ressembler, pendant quelques heures, à l’image idéale qu’elles se font d’elles-mêmes. Il faudrait oublier les distances, suspendre les désaccords et retrouver une complicité intacte entre deux cadeaux. Mais les retrouvailles ne suffisent pas toujours à effacer les années. Parfois, il manque seulement une étincelle pour que les tensions prennent toute la place.
Dans Laponie, cette étincelle vient des enfants. Deux sœurs, incarnées par Ophélia Kolb et Elisa Erka, retrouvent leurs maris respectifs, joués par François-Xavier Demaison et Patrick Mille, pour un réveillon au pays du Père Noël. Lorsque la fille de l’une révèle au fils de l’autre que celui-ci n’existe pas, la soirée bascule. La pièce de Cristina Clemente et Marc Angelet transforme ainsi une révélation enfantine en point de départ d’un règlement de comptes entre adultes.
Le choix du Père Noël comme détonateur est particulièrement intéressant. En apparence, le sujet semble presque dérisoire. Pourtant, il touche immédiatement à l’éducation, à la confiance et à l’autorité parentale. Dire la vérité devient une question de principe ; préserver la magie, une manière de défendre l’enfance. Chacun peut alors trouver de solides raisons de s’offusquer, et de moins bonnes raisons de vouloir triompher.
C’est là que ce point de départ prend une dimension plus mordante. Une discussion sur les enfants peut très vite devenir un jugement sur leurs parents. On ne parle plus seulement d’une croyance, mais de la manière dont l’autre aime, protège ou transmet. La moindre objection paraît remettre en cause un choix de vie. Et lorsque la famille s’en mêle, les arguments du présent risquent de se charger de blessures beaucoup plus anciennes.
François-Xavier Demaison et Patrick Mille, au centre de la confrontation
La présence de François-Xavier Demaison et de Patrick Mille donne au spectacle deux figures immédiatement identifiables, placées au cœur de cette réunion familiale. Leur association suscite une attente particulière autour de la confrontation des caractères : comment défendre sa place, ses convictions et son couple lorsque le repas commun devient un espace de désaccord ?
L’intérêt de cette configuration tient aussi à ce qu’elle permet d’interroger la position des conjoints. Dans une histoire familiale déjà constituée, ils sont à la fois participants et nouveaux venus. Ils peuvent soutenir, contredire, tenter d’apaiser ou contribuer à envenimer les échanges. À travers eux se pose une question familière : jusqu’où faut-il prendre parti lorsque les tensions de la belle-famille viennent s’installer dans son propre couple ?
Ophélia Kolb et Elisa Erka occupent, de leur côté, une place essentielle dans l’argument de la pièce. Les retrouvailles des deux sœurs portent une histoire commune que leurs maris ne partagent pas entièrement. Entre sœurs, une phrase possède parfois plusieurs sens : celui que tout le monde entend et celui que l’autre reconnaît immédiatement. Cette intimité peut être un refuge ; elle peut également rendre les reproches plus précis.
Léon Foisy et Hugo Gasparini complètent la distribution. La présence des enfants dans ce conflit invite surtout à déplacer le regard. Les adultes prétendent décider de ce qui est bon pour eux, mais quel exemple donnent-ils lorsqu’ils deviennent incapables de s’écouter ? La question de la vérité rejoint alors celle, plus embarrassante, de la cohérence.
Ce que les fêtes révèlent de nous
Le cadre de Noël renforce ce paradoxe. Tout encourage la tendresse, tandis que chacun peut se sentir sommé de tenir son rôle. Il faut être un parent attentif, un conjoint solidaire, une sœur heureuse des retrouvailles. Cette obligation de bonheur peut rendre le moindre incident disproportionné. La fête devient fragile précisément parce qu’on lui demande trop.
À partir de son argument, Laponie ouvre ainsi une réflexion sur les récits qui permettent à une famille de fonctionner. Il y a ceux que l’on raconte aux enfants et ceux que les adultes entretiennent entre eux : nous nous connaissons parfaitement, nous voulons tous la même chose, nos désaccords sont sans importance. Une parole imprévue suffit parfois à montrer combien ces certitudes sont précaires.
Le sujet possède aussi une force universelle. Qui n’a jamais assisté à une conversation où une remarque anodine finit par engager toute une vision du monde ? Qui n’a jamais senti, autour d’une table, que l’on discutait officiellement d’un détail alors que le véritable conflit se trouvait ailleurs ? Cette proximité avec les petites fractures du quotidien donne au projet une matière propice à une comédie qui peut faire réfléchir autant qu’elle promet de divertir.
La question la plus stimulante de Laponie dépasse donc l’existence du Père Noël : faut-il toujours gagner une discussion, même lorsque l’on risque d’abîmer ceux avec qui l’on espérait partager la fête ? Sous la neige et les traditions, le réveillon devient le lieu où chacun pourrait découvrir les limites de ses bonnes intentions.
Il y a des invitations que l’on regrette presque immédiatement. Avec Fallait pas les inviter, actuellement au Théâtre Tristan Bernard, un simple dîner entre voisins devient le point de départ d’une soirée où les bonnes manières ne vont pas résister très longtemps. Patrick et Michel ont décidé de recevoir leurs voisins du dessus. Tout est préparé pour passer une soirée agréable et donner la meilleure image possible. Mais derrière les sourires de circonstance et les conversations polies, les personnalités commencent rapidement à se révéler. Les non-dits remontent à la surface, les maladresses s’accumulent et le dîner bascule progressivement dans un joyeux chaos. La pièce de Fanny Gurunlian repose sur une mécanique comique particulièrement efficace : partir d’une situation quotidienne pour la pousser toujours plus loin vers l’absurde. Les apparences sociales, le besoin de plaire, le regard des autres et nos petites névroses deviennent autant de terrains de jeu. Nicolas Briançon signe une mise en scène très rythmée qui laisse peu de temps au spectateur pour reprendre son souffle. Les répliques fusent, les situations s’enchaînent et la tension monte jusqu’à faire complètement exploser les conventions du début. François Vincentelli, Olivier Claverie, Andy Cocq et Aude Thirion forment surtout un excellent quatuor. Leur complicité donne beaucoup d’énergie au spectacle et chacun possède son propre registre comique. François Vincentelli confirme notamment qu’il peut passer avec une belle aisance de rôles beaucoup plus sombres à la comédie. Mais derrière les éclats de rire, Fallait pas les inviter observe aussi avec une certaine férocité nos comportements en société et tout ce que l’on tente de dissimuler pour préserver les apparences. Une comédie drôle, déjantée et généreuse, portée par quatre comédiens qui semblent prendre autant de plaisir sur scène que le public dans la salle. Et après cette soirée, une conclusion s’impose : parfois, avec ses voisins… fallait vraiment pas les inviter !
Avec Hitchcock et Mary Rose, le Théâtre de l’Œuvre nous entraîne dans les coulisses de l’univers d’Alfred Hitchcock, mais surtout dans les zones beaucoup plus troubles de la personnalité du cinéaste. La pièce de Michael Sadler imagine une rencontre entre Hitchcock, la scénariste Jay Presson Allen et Tippi Hedren, peu avant le tournage de Pas de printemps pour Marnie. Le réalisateur leur présente alors un projet qui l’obsède : adapter Mary Rose, l’étrange histoire fantastique de J. M. Barrie, l’auteur de Peter Pan. Ce qui commence comme une simple séance de travail se transforme progressivement en huis clos psychologique. À mesure que le texte de Mary Rose se dévoile, c’est Hitchcock lui-même qui semble être disséqué. Ses obsessions, ses blessures, son rapport aux femmes et surtout l’emprise qu’il exerce sur Tippi Hedren viennent contaminer la lecture. La grande réussite du spectacle tient à cette frontière constamment brouillée entre cinéma, théâtre, fiction et réalité. Christophe Lidon, qui signe la mise en scène et la scénographie, retrouve quelque chose de profondément hitchcockien : l’inquiétude naît moins de ce que l’on voit que de ce que l’on devine. Les lumières de Cyril Manetta, la musique de Cyril Giroux et l’utilisation de la vidéo participent pleinement à cette atmosphère presque cinématographique. Éric Prat compose un Alfred Hitchcock particulièrement convaincant. Il en retrouve l’ironie, l’autorité et cette présence immédiatement reconnaissable, tout en laissant progressivement apparaître un personnage beaucoup plus dérangeant. Face à lui, Mélanie Page apporte à Tippi Hedren une véritable force. L’actrice n’est pas seulement présentée comme une muse ou une victime : elle devient peu à peu l’adversaire du cinéaste dans un duel où désir, pouvoir et manipulation se confondent. Marjorie Frantz, dans le rôle de la scénariste, complète avec justesse ce trio. Et c’est probablement là que Hitchcock et Mary Rose est le plus intéressant : la pièce ne cherche pas simplement à reproduire l’univers du maître du suspense. Elle utilise ses propres codes pour retourner la caméra vers lui. Pendant 1h20, le spectacle fait ainsi surgir derrière l’immense cinéaste un homme traversé par ses fantasmes et ses contradictions. Un face-à-face tendu et élégant, qui donne envie de replonger aussi bien dans Marnie que dans cette mystérieuse Mary Rose qui n’a jamais cessé de hanter Hitchcock. Hitchcock et Mary Rose Texte : Michael Sadler Mise en scène et scénographie : Christophe Lidon Avec Mélanie Page, Éric Prat et Marjorie Frantz Durée : 1h20
Après avoir conquis Londres et connu de nombreuses adaptations à travers le monde,2:22 A Ghost Storypose ses valises au Théâtre Fontaine. Porté par Louane Emera, Guillaume Labbé, Constance Dollé et Valentin de Carbonnières, ce thriller surnaturel imaginé par Danny Robins joue avec nos certitudes et nos peurs les plus profondes. Une mécanique théâtrale particulièrement efficace, dont il serait criminel de révéler le dénouement.
Il est 2h22. Toutes les nuits, à la même heure, Jeanne entend quelque chose dans sa maison.
Depuis qu’elle s’y est installée avec Sam et leur bébé, elle en est convaincue : ils ne sont pas seuls. Quelque chose rôde entre ces murs. Une présence ? Un fantôme ? Ou simplement le fruit de l’imagination d’une jeune mère épuisée ?
Sam, astrophysicien profondément cartésien, ne veut évidemment rien entendre. Pour lui, tout phénomène possède une explication rationnelle. Mais lorsqu’un couple d’amis, Laura et Ben, vient dîner chez eux, la soirée va progressivement se transformer en véritable confrontation entre croyance et raison.
Une seule solution pour savoir qui a raison : rester éveillés jusqu’à 2h22.
La peur naît de l’attente
La grande réussite de 2:22 A Ghost Story tient moins dans ce que la pièce montre que dans ce qu’elle nous laisse imaginer.
Danny Robins reprend les codes classiques de l’histoire de maison hantée pour mieux construire un huis clos psychologique. Ici, pas besoin d’une débauche d’effets spectaculaires : une lumière, un bruit, un silence légèrement trop long suffisent à installer le doute.
Ladislas Chollat, qui signe la mise en scène ainsi que l’adaptation française avec Léonard Matton, comprend parfaitement cette mécanique. La scénographie d’Emmanuelle Roy transforme la maison en cinquième personnage. Elle paraît familière, presque rassurante, mais devient progressivement un espace dont on observe chaque recoin avec méfiance.
Le travail sonore d’Alain Roy et les lumières d’Alban Sauvé participent énormément à cette montée de la tension. Le spectacle sait provoquer quelques véritables sursauts, mais il évite de reposer uniquement sur eux. Le plus inquiétant reste cette attente permanente : que va-t-il se passer à 2h22 ?
Louane surprend dans un registre plus sombre
Au centre du spectacle, Louane Emera hérite d’un rôle particulièrement exposé avec Jeanne. Elle doit immédiatement nous faire accepter la peur de son personnage sans que celle-ci ne bascule dans l’hystérie ou la caricature.
Et elle s’en sort avec beaucoup de justesse.
Sa Jeanne est fragile sans être faible, inquiète mais déterminée. Plus Sam cherche à rationaliser ce qu’elle ressent, plus son isolement devient palpable. Louane apporte au personnage une vulnérabilité qui fonctionne particulièrement bien dans les moments les plus intimes.
Face à elle, Guillaume Labbé campe un Sam sûr de ses raisonnements, parfois agaçant dans son besoin permanent de trouver une explication logique. Leur opposition constitue l’un des moteurs du spectacle : derrière l’histoire de fantômes se dessine aussi celle d’un couple qui ne parvient plus vraiment à s’écouter.
Constance Dollé et Valentin de Carbonnières complètent efficacement ce quatuor. L’arrivée de Laura et Ben permet surtout à la pièce de multiplier les points de vue. Chacun possède sa propre relation au surnaturel, à la peur et à la mort, donnant lieu à des échanges souvent drôles avant que l’atmosphère ne se fasse beaucoup moins légère.
Croire ou ne pas croire ?
C’est finalement là que 2:22 A Ghost Story devient plus intéressante qu’une simple histoire de fantômes.
Pendant près de deux heures, la pièce nous demande constamment de choisir notre camp. Faut-il croire Jeanne ? Sam a-t-il raison de chercher une explication scientifique ? Les manifestations surnaturelles existent-elles réellement ou voulons-nous simplement y croire parce qu’elles donnent un sens à ce que nous ne comprenons pas ?
Chaque personnage apporte ses certitudes, mais Danny Robins prend un malin plaisir à les fragiliser.
Le spectateur devient alors lui aussi enquêteur. On observe le décor, on écoute les conversations différemment, on cherche l’indice qui aurait pu nous échapper. Et plus l’heure fatidique approche, plus la tension augmente.
Puis arrive 2h22.
Nous n’en dirons évidemment rien.
Car le plaisir du spectacle repose largement sur sa dernière partie et sur la manière dont celle-ci oblige à reconsidérer ce que l’on vient de voir. Certaines scènes, certains dialogues et certains comportements prennent soudain une autre dimension.
Un thriller théâtral particulièrement efficace
Après sept saisons à Londres, une importante tournée britannique et irlandaise et de multiples productions internationales, on comprend facilement pourquoi 2:22 A Ghost Story a rencontré un tel succès.
La pièce possède cette efficacité presque cinématographique des bons thrillers populaires : un lieu unique, quatre personnages, un mystère immédiatement compréhensible et un compte à rebours que le public peut suivre.
Tout n’est pas constamment terrifiant et quelques échanges pourraient parfois gagner à être resserrés, mais la mécanique fonctionne. On rit, on doute, on guette le prochain bruit et, surtout, on veut connaître la vérité.
Avec cette adaptation française portée par un quatuor convaincant et une mise en scène qui sait parfaitement jouer avec les nerfs du public,2:22 A Ghost Storyréussit son arrivée parisienne. Un thriller surnaturel accessible et prenant, à découvrir en évitant soigneusement les spoilers.
Informations pratiques
2:22 A Ghost Story, une pièce de Danny Robins, mise en scène par Ladislas Chollat, dans une traduction et adaptation de Léonard Matton et Ladislas Chollat.
Avec Louane Emera, Guillaume Labbé, Valentin de Carbonnières et Constance Dollé.
📍 Théâtre Fontaine – 10 rue Pierre Fontaine, Paris 9e 📅 À partir du 15 septembre 2026 ⏱ Durée : environ 1h50
Seul en scène, le comédien porte presque entièrement le spectacle sur ses épaules et parvient à installer, progressivement, un véritable climat d’inquiétude. Tout commence par le doute, presque imperceptible. Une sensation étrange, une présence que l’on devine sans jamais pouvoir réellement la saisir. Puis la peur s’installe, l’obsession grandit et la frontière entre réalité et hallucination devient de plus en plus fragile.
Jean-Michel Wollrabe livre une interprétation particulièrement habitée. Son jeu évolue au fil du récit : d’abord posé et presque rationnel, il devient progressivement plus fébrile, plus inquiet, jusqu’à traduire toute la détresse d’un homme qui ne sait plus s’il doit faire confiance à ce qu’il voit, à ce qu’il ressent, ni même à son propre esprit.
C’est justement là que réside toute la force du texte de Maupassant. Plus d’un siècle après sa publication, Le Horla conserve une étonnante modernité. Derrière le récit fantastique et cette mystérieuse créature invisible se dessine aussi le portrait d’un homme confronté à ses propres peurs, à la solitude et à la perte progressive de ses repères.
La mise en scène choisit la sobriété et laisse une place essentielle au texte et à l’interprétation. Plutôt que de chercher à montrer l’invisible, le spectacle laisse travailler notre imagination. Le Horla existe alors autant dans l’esprit du personnage que dans celui du spectateur. Un choix efficace, car ce que l’on ne voit pas devient finalement bien plus inquiétant que ce que l’on pourrait nous montrer.
Au fil de la représentation, la tension monte sans avoir besoin d’effets excessifs. Le spectateur se retrouve peu à peu enfermé avec le personnage dans ses interrogations. Cette présence est-elle réelle ? Est-il réellement poursuivi par une créature inconnue ? Ou assistons-nous simplement à la lente désagrégation d’un esprit qui bascule dans la folie ?
Jean-Michel Wollrabe réussit ainsi à restituer toute l’ambiguïté du récit sans chercher à nous imposer une réponse. Son interprétation constitue le véritable moteur de cette adaptation, avec une énergie qui accompagne la transformation progressive du personnage.
Cette version du Horla rappelle surtout à quel point Maupassant savait explorer les zones les plus obscures de l’esprit humain. Sous les apparences d’un récit fantastique se cache une œuvre profondément psychologique sur la peur de perdre le contrôle de soi et sur cette sensation terrifiante de ne plus pouvoir distinguer le réel de l’imaginaire.
Une adaptation sobre, accessible et prenante, portée par un Jean-Michel Wollrabe convaincant. Un seul-en-scène qui fait confiance à la puissance des mots de Maupassant et à l’imagination du public pour faire naître l’angoisse.
Une proposition théâtrale troublante et captivante, qui donne surtout envie de redécouvrir toute la force et la modernité du Horla.
existe des œuvres que l’on croit connaître avant même de les avoir véritablement écoutées. Pierre et le Loup appartient à cette catégorie. Depuis sa création, le conte symphonique de Sergueï Prokofiev traverse les générations avec une facilité remarquable, devenant pour beaucoup d’enfants l’une des premières portes d’entrée vers la musique classique. À La Seine Musicale, ce monument du répertoire retrouve toute sa vocation populaire et pédagogique dans une version portée par Alex Vizorek, l’Ensemble Est-Ouest et les illustrations de Karo Pauwels.
Présenté dans le cadre du Classique du Dimanche, rendez-vous imaginé pour rendre le répertoire accessible aux familles, le spectacle ne cherche pas à transformer radicalement l’œuvre de Prokofiev. Son intelligence réside plutôt dans sa manière de la remettre en mouvement, de lui offrir une dimension visuelle et théâtrale et, surtout, de rappeler qu’un concert classique destiné aux enfants n’a aucune raison d’être simpliste.
Quand l’orchestre devient un livre d’images
L’idée géniale de Pierre et le Loup demeure intacte près d’un siècle après sa composition : faire découvrir les instruments d’un orchestre sans donner l’impression d’assister à une leçon de musique.
Tout commence par une histoire d’une simplicité enfantine. Pierre quitte le jardin malgré les recommandations de son grand-père et rencontre successivement l’oiseau, le canard, le chat puis l’inquiétant loup. Mais chez Prokofiev, les véritables personnages sont autant les protagonistes du récit que les instruments chargés de leur donner une voix.
La flûte fait virevolter l’oiseau, le hautbois accompagne le canard, la clarinette se glisse dans les pas du chat, le basson impose la présence du grand-père tandis que les cors annoncent le danger représenté par le loup. Pierre, lui, appartient aux cordes.
Cette association immédiate entre une silhouette, un caractère et une couleur instrumentale constitue encore aujourd’hui une formidable initiation à l’écoute. L’enfant ne doit pas apprendre abstraitement ce qu’est un hautbois ou un basson : il découvre d’abord une personnalité, une émotion, un mouvement. L’instrument devient un personnage avant de devenir un objet de connaissance.
Et c’est probablement pour cette raison que Pierre et le Loup conserve une telle puissance pédagogique. Prokofiev ne demande jamais à son jeune public d’étudier la musique. Il lui demande simplement d’écouter une histoire.
Alex Vizorek, un narrateur idéal
Confier la narration à Alex Vizorek apporte naturellement une couleur particulière à cette nouvelle rencontre avec l’œuvre.
L’humoriste et homme de radio possède ce sens du récit qui permet de s’adresser simultanément aux enfants et aux adultes. Sa présence évite notamment l’un des principaux pièges de ce type de spectacle familial : infantiliser son public.
Ici, la narration accompagne la musique au lieu de chercher à la dominer.
Vizorek joue avec les situations, les silences et les changements d’atmosphère. Il apporte cette pointe de malice qui permet aux adultes de retrouver eux aussi le plaisir du conte. Le texte devient ainsi un lien entre la salle et l’orchestre, mais laisse régulièrement la musique reprendre ses droits.
Car dans Pierre et le Loup, raconter signifie aussi savoir se taire.
Lorsque les instruments prennent le relais, tout devient immédiatement compréhensible. La peur, l’espièglerie, la curiosité ou le danger n’ont plus besoin d’être expliqués : Prokofiev les fait entendre.
C’est là que la présence d’un narrateur habitué au rythme de la parole prend tout son sens. Alex Vizorek sait installer une situation rapidement puis laisser l’orchestre prolonger l’histoire.
Une véritable place accordée aux musiciens
Sous la direction de David Navarro-Turres, l’Ensemble Est-Ouest constitue évidemment l’autre protagoniste majeur de la représentation.
La partition réclame une grande lisibilité. Chaque intervention instrumentale doit permettre au spectateur d’identifier instantanément le personnage qui vient d’entrer dans l’histoire.
Cette précision n’empêche jamais l’interprétation d’être expressive.
Les passages les plus légers conservent leur caractère bondissant et presque joueur, tandis que l’arrivée du loup modifie radicalement l’atmosphère. Les cors introduisent alors une menace que les plus jeunes comprennent immédiatement, sans qu’il soit nécessaire d’en rajouter dans les effets.
C’est toute la force de cette musique : elle raconte avant même que les mots interviennent.
L’Auditorium de La Seine Musicale se prête particulièrement bien à cette écoute. Dans un spectacle destiné en grande partie à de jeunes spectateurs, la proximité avec les musiciens est essentielle. On ne se contente pas d’entendre une mélodie : on peut progressivement comprendre d’où elle vient et observer comment plusieurs instruments construisent ensemble une histoire.
Le concert devient alors presque une démonstration grandeur nature du fonctionnement d’un orchestre.
Le dessin complète la musique
La proposition gagne une dimension supplémentaire grâce aux illustrations de Karo Pauwels, réalisées en direct.
Ce choix est particulièrement pertinent pour un spectacle destiné aux enfants à partir de cinq ans. L’image ne remplace jamais l’imagination provoquée par la musique, mais elle lui fournit un prolongement.
Les dessins apparaissent au rythme du récit et donnent progressivement corps à l’univers de Pierre.
Cette présence visuelle permet également d’éviter la monotonie que pourrait provoquer, auprès des plus jeunes, une succession trop longue de narration et de passages orchestraux. Le regard dispose lui aussi de quelque chose à suivre.
Mais le spectacle conserve suffisamment d’espace pour que chacun fabrique son propre loup, son propre jardin et sa propre forêt.
C’est un équilibre délicat. Trop d’images auraient transformé le concert en dessin animé accompagné par un orchestre. Trop peu auraient pu rendre l’expérience plus exigeante pour certains enfants découvrant pour la première fois un concert classique.
La mise en scène de Gabriel Alloing trouve ainsi un terrain intermédiaire où parole, musique et dessin peuvent dialoguer sans qu’un élément écrase les autres.
Faire découvrir le classique sans le simplifier
C’est certainement le principal mérite de ce Classique du Dimanche.
La volonté pédagogique est évidente, mais elle ne prend jamais la forme d’un cours.
Le spectacle rappelle au contraire qu’il existe une autre manière de transmettre la musique classique : provoquer d’abord une émotion et donner ensuite envie de comprendre comment cette émotion a été produite.
Un enfant retiendra peut-être que le basson correspond au grand-père. Un autre sera impressionné par les cors du loup. Certains observeront davantage les dessins. D’autres suivront simplement l’aventure de Pierre.
Peu importe finalement la porte d’entrée choisie.
Tous auront été confrontés pendant quelques dizaines de minutes à un orchestre jouant Prokofiev.
Et cette expérience n’est pas anodine.
Dans un paysage culturel où l’initiation musicale passe souvent par les écrans, permettre à de jeunes spectateurs de voir des musiciens produire devant eux les sons qu’ils entendent redonne quelque chose de concret et presque magique à la musique.
Un coup d’archet existe réellement. Le souffle dans un instrument existe réellement. Les musiciens respirent, attendent, se répondent.
Le spectacle rappelle ainsi que la musique est aussi un geste.
Un spectacle véritablement familial
L’expression « spectacle familial » est parfois utilisée un peu rapidement. Elle désigne alors une proposition destinée avant tout aux enfants, que les parents accompagnent avec plus ou moins d’enthousiasme.
Ici, la logique fonctionne davantage dans les deux sens.
Les plus jeunes découvrent une histoire immédiatement accessible tandis que les adultes peuvent apprécier l’écriture de Prokofiev, le travail de l’orchestre et la personnalité d’Alex Vizorek.
Ce double niveau de lecture est essentiel.
Il permet surtout de créer une expérience commune. Parents et enfants ne sont pas réunis dans la salle parce que les uns accompagnent les autres : ils peuvent véritablement regarder et écouter le même spectacle.
Et lorsque l’on connaît déjà Pierre et le Loup, le plaisir est différent mais tout aussi réel. On attend presque avec impatience le retour de chaque thème, comme on retrouve les personnages d’un livre longtemps après l’avoir refermé.
Un classique qui n’a rien perdu de sa modernité
On pourrait penser qu’une œuvre conçue pour initier les enfants à l’orchestre en 1936 aurait fini par prendre la poussière.
C’est exactement l’inverse.
Pierre et le Loup possède une construction étonnamment moderne. Chaque personnage bénéficie de son propre motif musical, comme les grands personnages de cinéma possèdent aujourd’hui leur thème. Quelques notes suffisent pour annoncer une présence avant même que le personnage n’apparaisse.
Prokofiev avait compris quelque chose de fondamental : notre mémoire associe très facilement une mélodie à une image et à une émotion.
C’est précisément ce mécanisme que cette version met en valeur.
La musique devient langage.
Un enfant qui ne connaît ni le nom d’une clarinette ni celui d’un basson peut parfaitement comprendre ce que ces instruments racontent. Quelques minutes plus tard, il commence pourtant à les reconnaître.
La pédagogie s’est faite presque clandestinement.
Une belle porte d’entrée vers l’orchestre
Avec cette version de Pierre et le Loup, Le Classique du Dimanche réussit avant tout à créer un premier contact chaleureux avec la musique classique.
Alex Vizorek apporte l’humour et la proximité nécessaires au récit, Karo Pauwels lui offre une traduction visuelle tandis que David Navarro-Turres et l’Ensemble Est-Ouest replacent constamment la musique au centre du spectacle.
La réussite tient précisément à cette complémentarité.
Personne ne cherche à moderniser artificiellement Prokofiev. Personne ne semble considérer que la musique classique serait trop compliquée pour être présentée telle quelle aux enfants.
Au contraire, le spectacle fait confiance à leur capacité d’écoute.
Et c’est sans doute sa plus belle qualité.
On entre dans l’Auditorium pour suivre Pierre, son grand-père, un oiseau, un canard, un chat et un loup. On en ressort en ayant, presque sans s’en rendre compte, appris à écouter différemment un orchestre.
Pour certains jeunes spectateurs, ce dimanche à La Seine Musicale aura peut-être simplement été une jolie sortie en famille.
Pour d’autres, il pourrait bien rester le souvenir de leur tout premier concert classique.
Et il est difficile d’imaginer meilleur compagnon que Pierre et le Loup pour commencer l’aventure.
Après avoir conquis le public en 2025, Mur Mure signe un retour très attendu sur les planches du Théâtre de la Michodière. Cette reprise, portée par une nouvelle distribution, confirme l’engouement pour une comédie romantique à la fois délicate, inventive et profondément humaine.
À l’origine de ce succès, la plume sensible de Lilou Fogli et la mise en scène précise et élégante de Jérémie Lippmann, déjà salué pour ses adaptations théâtrales exigeantes. Ensemble, ils donnent vie à une mécanique comique subtile, où le silence devient langage et où les murs deviennent des passerelles.
Une rencontre sans regard
Au cœur de Mur Mure, une idée simple mais redoutablement efficace : comment deux êtres que tout oppose peuvent-ils se rencontrer… sans jamais se voir ?
D’un côté, Machin, inventeur misanthrope, obsédé par le silence. Un homme qui a fait du rejet du monde extérieur un art de vivre, multipliant les inventions farfelues pour éloigner toute présence humaine. De l’autre, Machine, une pianiste qui découvre l’indépendance en s’installant seule pour la première fois. Leur point commun ? Un mur. Leur terrain de jeu ? L’invisible.
Adaptée du film Un peu, beaucoup, aveuglément, la pièce transforme cette situation en un ballet émotionnel où les sons, les silences et les imaginaires dessinent une relation inattendue, tendre et pleine d’humour.
Une distribution renouvelée
Pour cette reprise, la scène accueille Hugo Becker et Judith El Zein, qui insufflent une nouvelle dynamique à ce duo atypique. Leur alchimie repose sur un jeu tout en retenue et en nuances, où chaque geste et chaque intonation prennent une importance particulière.
À leurs côtés, Lilou Fogli, Arnaud Maillard et Alexandre Brik complètent une distribution équilibrée, au service d’un rythme parfaitement maîtrisé.
Une comédie romantique à contre-courant
Loin des clichés du genre, Mur Mure explore une autre forme de romantisme : celle qui naît dans l’absence, dans l’écoute et dans l’imaginaire. Ici, pas de regards échangés ni de coups de foudre immédiats, mais une construction progressive, presque fragile, d’un lien entre deux solitudes.
La mise en scène de Jérémie Lippmann joue habilement avec l’espace et la séparation physique, transformant le mur en véritable personnage dramatique. Ce dispositif crée une tension douce, un suspense émotionnel qui tient le spectateur en haleine jusqu’au dernier instant.
Un succès confirmé
Avec cette reprise, Mur Mure s’impose comme une valeur sûre du théâtre contemporain parisien. À la fois accessible et raffinée, drôle et touchante, la pièce séduit par son intelligence et sa sincérité.
Un spectacle qui rappelle que parfois, les plus belles rencontres naissent là où l’on ne voit rien… mais où l’on ressent tout.
Avec Deuxième partie, Patrick Bruel signe un retour très attendu sur les planches, sous la direction de Samuel Benchetrit. Une pièce qui, malgré le bruit médiatique entourant son interprète, mérite qu’on s’y attarde pour ce qu’elle est avant tout : une proposition théâtrale sincère, fragile et profondément humaine.
Le point de départ est simple, presque classique : un homme surgit dans la vie d’un couple après des décennies d’absence, réveillant souvenirs, regrets et désirs enfouis. Une mécanique de boulevard modernisée, où l’intrusion devient prétexte à questionner l’usure du couple et les chemins que l’on n’a pas pris.
Mais là où la pièce surprend, c’est dans son équilibre délicat entre humour et malaise. Le rire n’est jamais gratuit, il surgit d’une gêne, d’un décalage, d’une vérité parfois inconfortable. La mise en scène de Ladislas Chollat maintient cette tension constante, oscillant entre légèreté apparente et profondeur émotionnelle.
Au cœur du dispositif, le trio d’acteurs fonctionne avec une réelle complicité. Patrick Bruel, loin de toute démonstration, compose un personnage à la fois naïf, obstiné et touchant. Son interprétation, toute en retenue, donne au récit une dimension presque mélancolique. Une présence qui, sans révolutionner le rôle, parvient à capter l’attention et à installer une émotion durable.
Face à lui, Marine Delterme et Stéphane Freiss apportent justesse et relief, incarnant un couple en équilibre précaire, entre confort et frustration.
Bien sûr, tout n’est pas parfait. Le texte de Benchetrit reste parfois attendu, flirtant avec des thématiques déjà explorées, et certains spectateurs pourront regretter un manque de véritable audace. Mais l’essentiel est ailleurs : dans cette capacité à faire émerger, derrière une intrigue simple, une réflexion sensible sur le temps qui passe, les occasions manquées et la possibilité — toujours — de recommencer.
Dans un contexte où les polémiques autour de Patrick Bruel peuvent brouiller la réception de l’œuvre, il est important de rappeler une chose essentielle : le théâtre se juge aussi pour ce qu’il propose sur scène. Et ici, malgré les débats extérieurs, Deuxième partie offre un moment de théâtre honnête, accessible et parfois émouvant.
Une pièce imparfaite, certes, mais habitée — et qui, sans faire de bruit, touche là où ça compte.
Au Théâtre Montparnasse à Paris, le Cirque Éloize frappe fort avec iD-Evolution, un spectacle spectaculaire et résolument moderne qui transforme la scène en véritable paysage urbain en mouvement. Fidèle à l’esprit novateur de la compagnie québécoise, cette création mêle cirque contemporain, danse urbaine et théâtre physique dans un tourbillon visuel et sonore captivant. Dès les premières minutes, l’énergie est palpable. Les artistes envahissent l’espace avec une impressionnante maîtrise technique, enchaînant trampomur vertigineux, cerceau aérien, vélo trial et breakdance dans une chorégraphie millimétrée. Chaque numéro semble repousser un peu plus les limites du corps humain, tout en conservant une grande fluidité scénique. Le spectacle ne donne jamais l’impression d’une simple succession de numéros. Au contraire, iD-Evolution construit une véritable narration visuelle où les corps deviennent langage et où les mouvements racontent l’histoire d’une ville en perpétuelle transformation. La scénographie joue un rôle essentiel dans cette immersion. Structures métalliques, lumières dynamiques et projections évoquent les rues d’une grande métropole contemporaine. Dans cet univers stylisé, les artistes évoluent comme dans un paysage urbain vivant. La ville devient presque un personnage à part entière. Elle accompagne les rencontres, les confrontations et les moments de dépassement de soi qui jalonnent le spectacle. La bande sonore, mêlant rythmes électro et influences hip-hop, accentue cette atmosphère urbaine. Associée à des jeux de lumière particulièrement soignés, elle plonge le spectateur dans une véritable expérience sensorielle. L’un des grands atouts de iD-Evolution réside dans l’énergie collective de la troupe. Chaque artiste possède sa propre identité et son style, mais tous se fondent dans un ensemble parfaitement orchestré. Les transitions sont fluides, les enchaînements d’une précision remarquable et la complicité entre les interprètes est palpable. Au-delà de la performance acrobatique, certains tableaux offrent de véritables moments de poésie. Les corps semblent suspendus dans l’espace, le temps ralentit et la virtuosité laisse place à l’émotion. Avec iD-Evolution, le Cirque Éloize confirme son talent pour réinventer les codes du cirque contemporain. En fusionnant disciplines circassiennes, danse et culture urbaine, la compagnie propose un spectacle à la fois spectaculaire, accessible et profondément vivant. Un spectacle urbain, inventif et spectaculaire qui rappelle combien le cirque contemporain peut encore surprendre et émerveiller.
