Le Théâtre des Variétés accueille une comédie jubilatoire et cruellement actuelle : Toute la famille que j’aime, écrite par Fabrice Donnio et Sacha Judaszko, auteurs déjà salués pour La Moustache.

Et une chose est sûre : on rit beaucoup… parfois de bon cœur, parfois un peu nerveusement.

😂 Une histoire d’héritage (très) mal intentionnée

Un frère et une sœur sont persuadés que leur père, fan absolu de Johnny Hallyday, pourrait décider de les déshériter pour imiter son idole.
Plutôt que d’attendre le couperet, ils décident donc de prendre les devants : récupérer la fortune paternelle de son vivant.

À partir de ce point de départ savoureux, la pièce déroule une mécanique comique implacable où mensonges, manipulations et calculs familiaux s’enchaînent à un rythme effréné.

🔥 Une écriture mordante et terriblement efficace

Fabrice Donnio et Sacha Judaszko signent un texte d’une précision redoutable. Les répliques claquent, les situations dérapent, et l’humour — parfois noir, souvent grinçant — ne laisse aucun répit au public.

La pièce observe la famille avec une loupe grossissante :
l’amour y côtoie l’intérêt, la tendresse se mélange à la cupidité, et les liens du sang valent parfois… très cher.

🎬 Une mise en scène rythmée

La mise en scène est assurée par Anne Bouvier, qui insuffle à la pièce une énergie constante. Le rythme ne faiblit jamais, porté par une direction d’acteurs millimétrée et une scénographie élégante signée Citronelle Dufay.

Les lumières de Denis Koransky accompagnent parfaitement les changements de ton, tandis que les costumes de Noémie Balayre soulignent avec finesse la personnalité de chaque protagoniste.

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🌟 Un casting de haut vo

Le spectacle repose aussi sur une distribution remarquable :

• Michel Boujenah, impérial, à la fois touchant et irrésistiblement drôle
• Guillaume Bouchède, explosif de précision comique
• Anne-Sophie Germanaz, subtile et percutante
• Raphaëline Goupilleau, pleine d’énergie et de finesse

L’alchimie entre les comédiens est immédiate et transforme chaque scène en véritable moment de jubilation.

🎵 Une ambiance soignée

La musique originale composée par Mehdi Bourayou et Laurent Guillet vient subtilement souligner les émotions et renforcer l’efficacité comique de l’ensemble.

❤️ Une comédie drôle… et étonnamment juste

Sous ses airs de farce déjantée, Toute la famille que j’aime parle de sujets universels :
l’argent, la transmission, la peur de perdre ses parents, et cette vérité parfois dérangeante : la famille est ce qu’il y a de plus cher… surtout quand il s’agit d’héritage.

On rit énormément, mais on se reconnaît aussi un peu — parfois trop.

⭐ Verdict

Une comédie brillante, rythmée et savoureusement cruelle.
Un texte ciselé, une mise en scène efficace et un casting exceptionnel font de Toute la famille que j’aime l’un des grands succès théâtraux de la saison.

👉 Un véritable coup de cœur, à voir absolument… avant le prochain repas de famille.

ℹ️ Informations pratiques

• Titre : Toute la famille que j’aime
• Auteurs : Fabrice Donnio & Sacha Judaszko
• Mise en scène : Anne Bouvier
• Durée : 1h25
• Public : à partir de 13 ans
• Dates : du 4 février au 9 mai 2026
• Lieu : Théâtre des Variétés – Paris 2ᵉ

🎟️ Une comédie féroce, populaire et intelligente, portée par une salle qui rit du début à la fin.

Un humour qui pique juste… et profondément

Inutile de chercher bien loin pour comprendre le ton de Cactus. En donnant ce nom à son nouveau spectacle, Élie Semoun annonce d’emblée la couleur : ça va piquer.

Après plus de trente ans de carrière, l’humoriste demeure l’une des figures les plus incisives, audacieuses et singulières de la scène française. Son humour grinçant, jamais confortable mais toujours finement observé, a marqué plusieurs générations et continue d’influencer la nouvelle scène comique.

Pour ce huitième spectacle, Élie Semoun opère un virage subtil mais assumé : le stand-up y occupe une place plus importante, une évolution notable dans son écriture. Pourtant, les amateurs de ses célèbres personnages peuvent se rassurer : Cactus reste profondément fidèle à son ADN.

La galerie de portraits qu’il déploie est aussi dérangeante que savoureuse. On y croise Jean Abdul, chargé d’assurer la première partie, un fils emmenant son père visiter un EHPAD, Xavier, handicapé moteur, présentant sa femme à sa mère, un père déstabilisé par la transition de son fils, un professeur de karaté raciste, ou encore des tableaux féroces autour du harcèlement sexuel, de la religion et des non-dits sociaux.

Comme souvent chez Semoun, le rire surgit là où on ne l’attend pas. Derrière la provocation se cache une véritable observation humaine, parfois cruelle, souvent bouleversante. L’humoriste ne juge pas : il expose, il met en lumière, il confronte le public à ses propres contradictions.

Avec Cactus, Élie Semoun livre un spectacle à la fois drôle, inconfortable et profondément humain. Une plongée dans une société traversée par la peur de l’autre, l’intolérance et les tabous, traitée sans filtre mais toujours avec intelligence.

Un humour qui pique, oui —
mais un humour qui réveille, interroge et fait réfléchir, longtemps après les applaudissements.

Isabelle Adjani et Laure Calamy explorent le courage féminin dans une adaptation théâtrale captivante de La Fin du courage au Théâtre de l’Atelier.

Il est rare qu’une pensée philosophique trouve une traduction scénique aussi juste, aussi incarnée et profondément humaine que La fin du courage. Adaptée librement de l’essai éponyme de Cynthia Fleury, cette lecture mise en scène transforme une réflexion intellectuelle majeure en expérience sensible, portée par la puissance du théâtre et la grâce de l’interprétation.

Sur scène, deux femmes se font face. Une auteure — philosophe, penseuse du politique et de l’intime — et une journaliste. Deux figures contemporaines, deux manières d’habiter le monde, deux postures face à la violence sociale, à l’usure morale, au sentiment d’impuissance. À travers quatre actes, quatre situations, leurs échanges dessinent une cartographie du découragement moderne : fatigue démocratique, effritement du sens, brutalité du réel, difficulté à « tenir » sans se renier.

Le texte avance par fragments, par élans et résistances, refusant toute démonstration figée. Ici, la philosophie ne surplombe jamais l’émotion : elle la traverse. Les mots interrogent la chute, le doute, la honte parfois, mais aussi la nécessité vitale du courage — non comme héroïsme spectaculaire, mais comme exercice quotidien, fragile, recommencé.

La mise en scène de Jacques Vincey choisit la retenue et la précision. Une scénographie épurée, presque nue, laisse toute la place aux corps, aux silences et aux regards. Rien n’illustre : tout accompagne. Le théâtre devient un espace de pensée vivante, un lieu où l’écoute importe autant que la parole.

La singularité du projet réside dans son dispositif : six duos de comédiennes se relaient pour incarner les deux personnages. Chaque duo apporte sa couleur, sa respiration, sa tension propre. Cette pluralité de voix, loin d’affaiblir le propos, l’enrichit. Elle prolonge la pensée de Cynthia Fleury elle-même, pour qui le courage ne peut se construire qu’à plusieurs, dans la confrontation des expériences et des sensibilités.

Parmi ces interprétations, la rencontre entre Isabelle Adjani et Laure Calamy frappe par sa justesse. L’une, habitée par une intensité presque tellurique ; l’autre, ancrée dans une modernité nerveuse, lucide, souvent traversée d’ironie. Ensemble, elles donnent chair à ce dialogue où la gravité n’exclut jamais l’humour, où la lucidité se pare d’autodérision, où la pensée respire.

La fin du courage ne propose ni réponse toute faite ni leçon morale. Elle pose une question essentielle : comment continuer à faire face quand le monde devient brutal, instable, parfois vulgaire ? Comment ne pas céder au cynisme ni à la fuite ? Où puiser la force — et auprès de qui ?

À mesure que le spectacle avance, quelque chose se déplace. Ce qui semblait opposition devient reconnaissance. Ce qui paraissait faiblesse devient point d’appui. Le courage n’est plus une injonction, mais un lien. Une capacité à tenir ensemble.

Plus qu’une lecture théâtralisée, La fin du courage est une traversée intérieure, une fable contemporaine sur la dignité, le doute et la persévérance. Un moment rare où la philosophie cesse d’être abstraite pour redevenir ce qu’elle n’aurait jamais dû cesser d’être : une manière de vivre.

Avec Armelle Deutsch, Sophie-Anne Lecesne, Laura Elko, Philippe d’Avilla ou Franck Harscouët​

Dans l’ombre glaciale d’un hôpital psychiatrique canadien de l’après-guerre, Je m’appelle Adèle Bloom nous plonge dans un huis clos troublant où la folie n’est plus une échappée, mais un territoire conquis, balisé, mutilé. Sous la plume acérée et poétique de Franck Harscouët, cette pièce bouleversante dévoile les contours violents d’une époque où l’on « soignait » à coups de lobotomies transorbitales et de sentences médicales totalitaires.

Placée par sa mère, Adèle Bloom, jeune postière et autrice en devenir, se retrouve projetée dans un monde suspendu où l’écriture devient sa dernière boussole. Face à Miss Wilbord, infirmière en chef tyrannique, et au docteur Freeman, tortionnaire au scalpel idéologique, Adèle lutte pour ne pas sombrer. Une amitié fragile avec Poppie, internée depuis longtemps, vient troubler ce cauchemar éveillé d’une humanité à bout de souffle.

La mise en scène volontairement cloisonnée, presque statique, accentue cette sensation d’étouffement collectif. Les corps semblent figés dans une prison mentale saturée d’angoisses, où les murs ne protègent rien, sinon l’orgueil aveugle d’un corps médical qui se prend pour Dieu.

Mais c’est surtout le jeu habité des comédiens qui saisit :
– Armelle Deutsch, incandescente, campe une Adèle qui se délite tout en s’accrochant désespérément à ses mots comme à un radeau ;
– Sophie-Anne Lecesne, caméléon de l’ombre, traverse les figures maternelles et soignantes avec une intensité troublante ;
– Philippe d’Avilla incarne un médecin à la séduction glaçante, dont les élans visionnaires masquent la cruauté clinique ;
– et Laura Elko, tout en douceur, redonne un souffle poétique à cette tragédie grâce à sa marionnette complice.

Je m’appelle Adèle Bloom est plus qu’un spectacle : c’est une fable noire, documentée, portée par une langue précise et viscérale. Harscouët ne décrit pas seulement l’horreur : il la fait ressentir, dans toute son absurdité, sa violence et ses résonances contemporaines. Car au-delà du cadre historique, c’est bien d’un système que l’on parle — d’un regard sur les femmes, sur les déviantes, sur les rêveuses — que l’on a voulu corriger à coup de piques à glace et de sourires forcés.

On en ressort bouleversé, presque hanté, avec l’étrange impression d’avoir lu un roman à haute voix dans une salle d’audience silencieuse.

Un spectacle à vif, nécessaire, terriblement humain.

Achat spectacle : https://www.cirquedhiver.com/evenements/alex-lutz-16/

Sept ans après son dernier one-man-show, Alex Lutz revient sur scène avec un spectacle intime et puissamment incarné. Intitulé Sexe, Grog et Rocking Chair, ce troisième seul-en-scène est présenté du 4 au 27 avril au Cirque d’Hiver Bouglione, avant une tournée à travers la France. Fidèle à sa signature singulière, l’artiste y mêle théâtre, confidences et performance équestre : ses deux chevaux, Nilo et Saint-Trop, font partie intégrante de ce “seul en selle” aussi atypique que bouleversant.

Ce nouveau spectacle est marqué par un événement personnel profondément intime : la mort de son père, Gérard Lutz, survenue trois ans plus tôt. Plutôt que d’en faire un simple hommage, l’artiste choisit d’interroger, sur scène, les liens filiaux, les transmissions générationnelles, et cette faille universelle qu’est le deuil. « Plutôt que de mettre cet événement sous le tapis, j’ai voulu le convoquer dans le spectacle », confie-t-il. Le résultat est un récit pudique et sensible, tissé de souvenirs et d’humour, de tendresse et de désenchantement.

Alex Lutz évoque son père comme « un enfant de l’après-guerre », un homme habité par l’idéal de paix, capable de « mettre des œillets dans les fusils ». À cette figure lumineuse, il oppose sa propre génération, marquée par « le chômage, le sida, la gueule de bois de la fête ». Devenu père à son tour, il se dit à la fois inquiet et fasciné par les jeunes d’aujourd’hui, qu’il observe avec une admiration teintée d’humilité.

La scénographie s’appuie sur des images d’archives personnelles, retraçant la vie de son père, les compagnes successives, les foyers recomposés. « À chaque nouvelle relation, la maison changeait complètement. C’était haut en couleur, assez drôle… Une école de vie, en somme. » Ce va-et-vient entre mémoire et fiction donne au spectacle une matière organique, humaine, au bord de l’émotion mais jamais loin du rire.

Artiste multiple, Alex Lutz s’est imposé ces dernières années comme l’un des visages majeurs de la scène française. Révélé au grand public par le duo Catherine et Liliane sur Canal+ aux côtés de Bruno Sanches, il a remporté deux Molières de l’humour (2016 et 2020) et le César du meilleur acteur pour Guy, faux documentaire musical qu’il a écrit, réalisé et interprété.

Avec Sexe, Grog et Rocking Chair, il prouve une fois encore sa capacité à allier virtuosité comique et profondeur émotionnelle. Plus qu’un retour : une mue, un vertige, une traversée.

Après Paris, Alex Lutz partira sur les routes : il sera à Caluire-et-Cuire le 25 mai, à Roubaix le 16 juin. D’autres dates seront annoncées prochainement.

Dans son dernier tour de force artistique, Frédéric Beigbeder a orchestré une véritable odyssée littéraire intitulée « L’Amour dure 1h15 ». Cette pièce de théâtre, présentée au prestigieux Théâtre Édouard VII à Paris, est bien plus qu’une simple performance ; c’est une exploration envoûtante de sept siècles de littérature et de chansons dédiées à ce noble sentiment qu’est l’amour.

Inspiré par son roman éponyme « L’amour dure trois ans », Beigbeder offre une vision poétique et captivante de l’amour en réduisant son éternité à une durée symbolique d’une heure et quinze minutes sur scène. Les rideaux s’ouvrent pour révéler un spectacle où chaque instant est soigneusement choisi parmi une mosaïque de textes, de l’amour courtois des siècles passés aux réflexions contemporaines de Virginie Despentes.

Au cours de cette représentation, Beigbeder ne se contente pas de lire des extraits de ses propres écrits, dont « L’Amour dure trois ans », mais il parcourt également les chefs-d’œuvre de la littérature française. Les noms de Racine, Molière, Laclos, Constant, Proust, Colette, et Houellebecq résonnent dans l’espace du théâtre, tissant une toile complexe qui explore les différentes facettes de l’amour.

C’est un voyage dans le temps, où chaque époque apporte sa contribution à la compréhension du sentiment amoureux. Beigbeder, tel un guide passionné, nous emmène des délices subtils de l’amour courtois aux tourments contemporains décrits avec justesse par des auteurs modernes tels que lui-même et Leonard Cohen.

A partir de 22h le public est plongé dans un univers où le temps semble suspendu, reflétant la manière dont l’amour, malgré son apparente fugacité, reste ancré dans la trame même de la vie humaine.

À la clôture de cette représentation, Beigbeder soulève la question éternelle de la complexité de l’amour. À travers cette œuvre, il suggère que malgré les siècles d’écriture sur le sujet, l’amour demeure insaisissable, indomptable, et pourtant, omniprésent. C’est une célébration de la richesse de la littérature française et de la façon dont elle a capturé l’essence même de l’humanité à travers les époques.

Pour les amateurs de littérature et d’exploration artistique, « L’Amour dure 1h15 » offre une expérience inoubliable, une plongée profonde dans le riche héritage littéraire de la France, avec la vision unique et captivante de Frédéric Beigbeder.

Imaginez ce que cela serait si vous découvriez soudainement qu’une caméra filme dans votre cuisine, révélant en direct le quotidien de votre couple. C’est précisément la situation dans laquelle se trouvent Justine et Jean-Marc, mariés depuis vingt-cinq ans, dans la nouvelle comédie de la rentrée au Théâtre Antoine à Paris, intitulée « Vidéo Club ». Interprétés par les talentueux Yvan Attal et Noémie Lvovsky, ce couple forme un duo mémorable sur scène, donnant vie à une expérience à la fois hilarante et amère.

L’histoire commence lorsque Justine et Jean-Marc découvrent qu’une mystérieuse webcam filme leurs moindres faits et gestes dans leur cuisine. Cette intrusion inattendue soulève de nombreuses questions : Qui a installé cette caméra, et dans quel but ? Depuis combien de temps sont-ils sous surveillance ? Chaque jour, ils reçoivent une nouvelle vidéo par e-mail, révélant leurs petits secrets, mensonges et trahisons.

Dans cette comédie subtile de Sébastien Thiery, Justine (Noémie Lvovsky) et Jean-Marc (Yvan Attal) rivalisent tour à tour de mauvaise foi pour justifier leurs comportements que la caméra a dévoilés. La transparence totale est-elle possible au sein d’un couple ? La pièce explore cette question avec humour et intelligence.

Sous la direction habile de Jean-Louis Benoit, « Vidéo Club » captive le public en le faisant tourbillonner au gré des révélations et justifications du couple. Les confrontations entre Yvan Attal et Noémie Lvovsky sont percutantes et drôles, démontrant une complicité évidente sur scène.

La pièce aborde des questions profondes sur la vie à deux et l’impact des images dans notre société moderne. Les personnages se retrouvent confrontés à la vérité nue, et les subterfuges pour justifier leurs actions sont à la fois jouissifs et féroces.

« Vidéo Club » se révèle être une comédie divertissante, cocasse, et brillamment interprétée. Yvan Attal excelle dans son rôle, tandis que Noémie Lvovsky apporte une touche de douceur et de caractère à son personnage. Cette pièce offre une expérience théâtrale mémorable et invite le public à réfléchir sur la transparence, la vérité, et les dynamiques des relations de couple.

« Vidéo Club » est une pièce grand public attachante, qui vous fera rire tout en vous laissant avec des réflexions profondes sur les secrets et les mensonges qui façonnent nos vies. Pour une soirée théâtrale divertissante, « Vidéo Club » au Théâtre Antoine est un choix parfait.

Pour ceux qui souhaitent découvrir cette comédie captivante, « Vidéo Club » se joue au Théâtre Antoine à Paris à partir du 14 septembre 2023, avec des représentations du mardi au vendredi à 21h et le samedi à 16h et 21h. Ne manquez pas cette opportunité de rire tout en réfléchissant sur la vie à deux et l’impact des images dans notre société contemporaine.