Cinéma & séries

Les Aventures de Batman de Hal Sutherland (Réalisateur), Anatole Kirsanoff (Réalisateur)

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Préparez-vous à passer à l’action avec cette collection de classiques de la lutte contre le crime ! Vénérées par les fans de dessins animés et produites à l’origine par les studios Filmation, ces 34 aventures passionnantes mettent en vedette les voix des vétérans de l’animation Olan Soule dans le rôle de Batman et Casey Kasem dans celui de Robin. Rejoignez le duo dynamique dans sa lutte contre les criminels à travers Gotham City. Et quelle équipe de criminels ! Qu’il s’agisse de déjouer les nombreux plans tordus du Joker ou de garder Catwoman, le Riddler et le Pingouin derrière les barreaux. Batman et Robin n’auront pas un instant à perdre.

Chronique : La série télévisée Batman de 1966 se distingue fortement des autres variantes de Dark Knight, mais son impact ne peut tout simplement pas être ignoré. Avec ses personnages colorés, son ambiance campy et ses performances surjouées, cette merveille est bien plus qu’un simple classique culte. Suite au succès de cette émission, Filmation a sorti Les Aventures de Batman en 1968, une adaptation animée d qui malgré ses bonnes intentions, ne parvient généralement pas à capturer le même niveau d’énergie que la série originale.

Ces aventures de taille pépite ne parviennent pas à capturer l’énergie ou l’enthousiasme des émissions pour enfants de l’époque. Elles sont diluées à des niveaux encore plus bas que les plats typiques pour enfants. Elles ne peuvent rivaliser avec les aventures excitantes de Jonny Quest ou les bouffonneries de style les pierrafeu, qui tournent en rond autour des aventures de Batman même avec une piste de rire. À chaque sortie, nous obtenons une aventure de base où nos héros, y compris Batgirl plus tard, font équipe pour combattre une galerie de méchants tournante et parfois combinée, ou des variantes adoucies pour les très jeunes spectateurs. Bien que le ton léger de ces sorties conserve certainement l’ambiance lâche de style 1966, mis en évidence par la narration en plein essor de Ted Knight, la formule devient vite répétitive avant la fin de la première et unique saison . Bien que ces émissions aient été produites pour un public jeune, elles ne devraient pas être traitées avec des gants d’enfant et peuvent être examinées avec une rétroaction rétrospective.

Y a-t-il quelque chose de positif à souligner ici? Eh bien, peut-être si vous regardez de plus près. Les Aventures de Batman essaient au moins de suivre un format viable en utilisant des cliffhangers pour garder les enfants accrochés, pendant ce qui était autrefois des pauses publicitaires. Le doublage est également habilement géré, malgré des limites évidentes. Pour la version original Olan Soule et Casey Kasem sont les meilleurs ; Soule était déjà un vétéran de la voix off avec près de 20 ans de travail sous sa ceinture utilitaire, tandis que le beaucoup plus jeune Kasem (qui allait bientôt connaître sa grande pause animée sur Scooby-Doo) n’avait qu’un petit nombre de crédits télévisés à son actif. Mais en dehors de quelques moments de comédie (surtout involontaires), il n’y a pas grand-chose à sauver dans Les Aventures de Batman. Même les fans les plus fervents de la franchise peuvent admettre que ce n’est pas la meilleure adaptation animée de Batman… mais encore une fois, si vous êtes nostalgique, vous pouvez toujours appuyer sur le bouton « Acheter ».

Cet ensemble mince de deux disques comprend 34 aventures, réparties en 17 paires conformément à la diffusion originale en 1968-69. Le premier disque est plus long que le second. Les épisodes sont précédés de la carte de titre originale clignotante rouge et bleu criarde vue pendant la séquence d’ouverture, qui justifie un avis d’avertissement de déclenchement de saisie lorsque chaque disque se charge. De plus, chaque paire d’épisodes est accompagnée de la séquence d’ouverture et du générique de clôture, qui peuvent être facilement ignorés grâce aux cinq arrêts de chapitre distincts disponibles.

Video: Comme beaucoup de productions animées à petit budget de l’époque, Les aventures de Batman ne présentent pas de conceptions de personnages détaillées ni des mouvements fluides. Au lieu de cela, l’animation est raide et répétitive, avec des compositions familières réutilisées plusieurs fois au cours de chaque épisode. Cependant, l’animation de bas niveau de Filmation a été raisonnablement améliorée pour le transfert Blu-ray grâce à Warner Bros., qui a amélioré l’état des éléments sources et a réalisé une transition satisfaisante. Le transfert 1080p conserve l’esthétique générale du style artistique particulier de ce spectacle sans aucun signe flagrant de netteté artificielle ou d’augmentation du contraste. Bien qu’il y ait une petite marge de progression côté « grain de film », les détails de la ligne et la saturation des couleurs sont uniformément excellents. Malgré quelques artefacts errants et anomalies, le résultat est suffisamment bon pour plaire aux fans inconditionnels en quête d’une petite dose de nostalgie.

Audio : Étant donné que Warner Bros. a fait un excellent travail avec la qualité sonore, il n’est pas surprenant que je n’aie aucune critique à formuler sur le mix DTS-HD 2.0 Master Audio. Comme on peut s’y attendre pour une production de cette époque et de ce type, le son est plutôt mono, mais cela correspond parfaitement à l’expérience « samedi matin vintage », avec des dialogues clairs, des effets sonores nets et une musique bien équilibrée. Le son est assez clair et lumineux, avec une gamme dynamique décente, et il n’y a aucun défaut apparent dans la source, comme les clics, les claquements ou les sifflements. Le mixage est propre et tout à fait satisfaisant, sans plus ni moins.

Rapport de forme ‏ : ‎ 1.33:1 Classé ‏ : ‎ Tous publics Dimensions du colis ‏ : ‎ 17.4 x 13.7 x 1.4 cm; 100 grammes Réalisateur ‏ : ‎ Hal Sutherland, Anatole Kirsanoff Format ‏ : ‎ Couleur, Cinémascope Durée ‏ : ‎ 3 heures et 41 minutes Date de sortie ‏ : ‎ 8 mars 2023 Doublé : ‏ : ‎ Anglais, Français Sous-titres : ‏ : ‎ Anglais, Français Studio  ‏ : ‎ Warner Bros. Entertainment France ASIN ‏ : ‎ B0B6Y2YK3M

Rick and Morty-Saison 6 Édition SteelBook de Jacob Hair (Réalisateur), Kyoung Hee Lim (Réalisateur)

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Après avoir disparu pendant presque 20 ans, Rick Sanchez débarque soudainement chez sa fille Beth pour revenir vivre avec elle et sa famille. Si Beth l’accueille chez elle, cette réunion de famille ne ravit pas vraiment son mari Jerry. Celui-ci se méfie de Rick, un scientifique sociopathe qui utilise son garage comme son laboratoire personnel. Dans son labo, Rick travaille sur de nombreux gadgets, dont certains peuvent être considérés comme dangereux. Mais ce n’est pas tout, Rick part également souvent à l’aventure à travers l’univers avec les enfants de Jerry : Morty et Summer.

Chronique : Alors que l’on croyait les péripéties interdimensionnelles de Rick (Justin Roiland) et Morty (également Justin Roiland) révolues, ils réussissent à s’en sortir. Les saisons précédentes sont revisitées, les références à Die Hard et Jurassic Park côtoient les allusions à Panda Express, et Rick, Morty, Jerry (Chris Parnell), Summer (Spencer Grammer) et Beth (Sarah Chalke) sont confrontés à de nouvelles épreuves grotesques. Le groupe doit surmonter plusieurs obstacles et faire face à des conséquences incertaines s’ils espèrent un jour retrouver une vie « normale ».

Je pense que j’ai peut-être touché mon mur avec Rick et Morty – ce qui, franchement, craint un peu. Bien que je ne pense pas qu’il soit au sommet de sa forme depuis les excellentes deux premières saisons, je pensais que le spectacle était divertissant de manière fiable ces deux dernières années. C’était quelque chose pour s’exciter un peu à la fin d’une longue journée avec l’assurance de quelques bons rires référentiels profonds de la culture pop. Au moins, je pensais que c’était le cas avant. 

Le premier épisode de la saison Solaricks est un bon début. Une fois de plus, le spectacle reprend la mortalité du dernier épisode de la saison dernière et saute à travers le canon de la série. C’était grossier, grossier et hilarant alors que Rick, Morty et le reste de la famille Smith interdimensionnelle tentent de comprendre comment accéder à une nouvelle réalité où ils peuvent essayer de vivre leur vie. Un début solide. Puis la saison a continué et mon rire s’est estompé. 

Cela ne veut pas dire que les épisodes intermédiaires de cette saison de dix épisodes sont insupportables, mais les gags commencent à se sentir un peu épuisés. Bien sûr, la relation lesbienne naissante de Beth avec Space Beth était très drôle, et j’ai trouvé amusant que Jerry évite de coucher avec sa propre mère, mais les rappels constants et les références aux moments clés de la culture pop ont commencé à perdre de leur saveur. C’est un peu comme avec Family Guy, où les blagues autrefois hilarantes basées sur des coupes irrévérencieuses ont commencé à sembler plus désespérées et déplaisantes. J’ai quand même réussi à avoir quelques moments de rire tout au long de la série, comme lorsque Dwayne Johnson a fait une apparition aux Oscars, et heureusement, le dernier épisode de la saison, Le Père Rick-Noël est une Mortyure, a réussi à tout rassembler. Cependant, je commence à avoir le sentiment que mon temps avec ce spectacle tire à sa fin. Cette année n’a pas vraiment été une réussite pour moi.

Après les révélations et les conséquences du statut juridique incertain et toujours en cours de Justin Roiland, la saison 7 de Rick et Morty subit actuellement une refonte créative majeure. Je ne vais pas essayer de détailler et d’analyser les problèmes actuels de Roiland, mais il est évident que la perte de l’acteur vocal le plus important de la série est un gros coup dur ! La série pourra-t-elle survivre ? Ou bien est-ce le bon moment pour débrancher la prise de téléportation de Rick et Morty ? Nous saurons probablement dans quelques mois.

Video :La saison est fidèle à la qualité de la série sur Blu-ray jusqu’à présent, avec un solide transfert 1080p 1,78:1 pour chaque épisode. Les lignes fines sont claires et nettes, les couleurs sont audacieuses et vives, et l’image dans son ensemble offre une belle sensation de profondeur. Malgré le fait que la série a été produite au plus fort de la pandémie et achevée à distance, cela n’a pas eu d’impact sur l’attrait visuel global de l’émission. Les créatures sauvages et les lieux restent très agréables à regarder.

Audio : Comme pour les saisons précédentes, la saison six de Rick et Morty bénéficie d’une piste audio DTS-HD MA 5.1 puissante et immersive. Chaque épisode, avec ses batailles au laser, ses créatures effrayantes, ses multiples Jerry et la famille des Night People, offre un plaisir auditif. Chaque épisode est bien noté, avec un paysage sonore rempli à la perfection. Bien sûr, plus il y a d’action, plus la piste 5.1 est immersive, mais dans l’ensemble, chaque épisode est un exemple solide de la série. Le dialogue est net et clair tout au long, vous ne manquerez donc jamais une référence profonde pendant que Rick se lance dans ses diatribes.

Bonus : La sélection d’épisodes n’est peut-être pas la plus exhaustive ni la plus solide, mais ce que nous avons ici est au moins quelque peu instructif. Les petites fonctionnalités spéciales peuvent sembler assez courtes, mais elles méritent d’être vues si vous êtes curieux de connaître le processus créatif de l’émission et d’en savoir plus sur la façon dont ils ont tout réalisé à distance cette année en raison de la pandémie.

Rapport de forme ‏ : ‎ 1.78:1 Classé ‏ : ‎ Accord parental souhaité Dimensions du colis ‏ : ‎ 17.3 x 13.7 x 1.7 cm; 150 grammes Réalisateur ‏ : ‎ Jacob Hair, Kyoung Hee Lim, Douglas Einar Olsen, Lucas Gray, Fill Marc Sagadraca Format ‏ : ‎ Couleur, Cinémascope Durée ‏ : ‎ 3 heures et 43 minutes Date de sortie ‏ : ‎ 29 mars 2023 Doublé : ‏ : ‎ Français Sous-titres : ‏ : ‎ Néerlandais, Français Langue ‏ : ‎ Allemand (Dolby Digital 5.1), Français (Dolby Digital 5.1), Anglais (DTS-HD 5.1) Studio  ‏ : ‎ Warner Bros. Entertainment France ASIN ‏ : ‎ B0BR6H5YLX

Les Miens De Roschdy Zem Avec Sami Bouajila, Roschdy Zem, Meriem Serbah

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Moussa a toujours été doux, altruiste et présent pour sa famille. Un jour il chute et se cogne violemment la tête. Il souffre d’un traumatisme crânien. Méconnaissable, il parle désormais sans filtre et balance à ses proches leurs quatre vérités.

Chronique : Ce film est absolument génial, abordant avec justesse et pertinence de nombreuses notions vitales. Il célèbre la solidarité en tant que remède aux tourments de notre santé fragile, particulièrement éprouvée dans le monde du travail. Le film explore la vie avec toutes ses difficultés relationnelles et ses brefs moments de bonheur dans les relations amicales et familiales, tant conflictuelles que sereines. Il souligne l’importance de la communication, de l’entraide, de l’écoute et de l’attention portée à autrui face au handicap invisible. Les acteurs, tous crédibles, mènent une reconstruction menée tambour battant, garantissant une palette d’émotions riches. Pendant 1h25 de réel plaisir, on ne s’ennuie pas une seule minute, emporté par les rebondissements de l’intrigue d’un scénario véritablement bien écrit et joué.On passe un très bon moment et on repart avec un souvenir en tête, comme une photo tirée du film ou un souvenir de famille qu’on conservera dans un tiroir spécial pour les choses importantes à nos yeux. our le meilleur et pour le pire, cela constitue tout l’intérêt d’un film coécrit avec Maïwenn, dont l’apport est indéniable, en particulier dans les scènes de repas où les protagonistes énoncent leurs vérités les plus crues. Malgré cela, Zem réussit parfaitement à rendre tous les personnages attachants, y compris dans leurs faiblesses et leurs lâchetés. Le film a été tourné en seulement quatre semaines, avec deux caméras et un certain degré d’improvisation de la part des acteurs. Cette contrainte économique a permis de créer une urgence qui se ressent dans le caractère spontané du film. La grande classe de Zem, que l’on connaît bien, s’exprime pleinement dans ce film, où il offre à son ami Sami Bouajila un rôle singulier au premier plan, avec une composition vertigineuse. Lorsque les deux hommes sont à l’écran, seuls ou en groupe, une alchimie naturelle se produit, conférant au film une touche d’authenticité qui oscille entre feel good movie et comédie à l’italienne. « Les Miens » est sans aucun doute le meilleur film de Zem et le plus touchant à ce jour.

Rapport de forme ‏ : ‎ 1.78:1 Classé ‏ : ‎ Tous publics Dimensions du colis ‏ : ‎ 18.8 x 13.2 x 1.8 cm; 100 grammes Réalisateur ‏ : ‎ Roschdy Zem Format ‏ : ‎ Cinémascope, Couleur, PAL Durée ‏ : ‎ 1 heure et 22 minutes Date de sortie ‏ : ‎ 29 mars 2023 Acteurs ‏ : ‎ Sami Bouajila, Roschdy Zem, Meriem Serbah, Maïwenn Le Besco, Nina Zem Doublé : ‏ : ‎ Français Langue ‏ : ‎ Français (Dolby Digital 5.1) Studio  ‏ : ‎ Le Pacte ASIN ‏ : ‎ B0BR6FQDLV

Violent Night avec David Harbour , John Leguizamo de Tommy Wirkola

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Le soir de Noël, quand un groupe de mercenaires entre par effraction sur la propriété d’une famille aisée qu’ils prennent en otage, ils vont devoir affronter un adversaire auquel ils ne s’attendaient pas : Le Père Noël est dans la place et il va leur montrer que ce bon vieux Saint Nicolas a plus d’un tour dans sa hotte.

Chronique : C’est le mois avant Noël qu’arrive Violent Night, un broyeur de crâne tapageur qui revêt une puissance d’action féroce. Le réalisateur Tommy Wirkola honore Die Hard et Home Alone avec soin, dans l’espoir qu’un Père Noël barbare le ferait – je plaisante, les rimes s’arrêtent ici. Il n’y a aucune raison de détourner l’attention de mon enthousiasme pour un mélange de traditions de vacances Hallmark et de séquences de combat sanglantes du cinéaste derrière Dead Snows et Hansel & Gretel: Witch Hunters. Violent Night vend son scénario d’otage au parfum de pain d’épice avec l’innocence ironique du pays des merveilles hivernales, puis le vieux Saint Nick devient un guerrier fou avec un marteau de forgeron.

David Harbour s’amuse apparemment en tant que Père Noël, souffrant actuellement d’une crise de foi due aux habitudes de plus en plus vilaines de la civilisation. Une autre année à voler autour du monde, à offrir aux enfants bratty des appareils électroniques qui seront obsolètes dans quelques semaines – l’esprit de Noël du Père Noël s’estompe. Son prochain arrêt ? Le complexe résidentiel Lightstone où la matriarche Gertrude (Beverly D’Angelo) accueille à nouveau son fils Jason (Alex Hassell), sa fille Alva (Edi Patterson), la famille qui l’accompagne et toute l’aide de restauration embauchée. Le Père Noël craque dans des biscuits faits maison et vibre dans un fauteuil de massage de luxe, vivant la belle vie jusqu’à ce qu’il entende des coups de feu. Entrez John Leguizamo en tant que criminel détestant Noël (« M. Scrooge », il se fait appeler) à la recherche des millions voûtés de Gertrude, faisant exploser son arme de poing et menaçant même Jason ‘

Violent Night assombrit votre drame de Noël syndiqué moyen avec des résidus de charbon en présentant les Lightstones comme des élites dysfonctionnelles qui ont perdu la joie avec leur houx. Alva est une alcoolique méchante, son mari Morgan (Cam Gigandet) est une star de l’action D-list en herbe à la recherche de producteurs, et l’introduction de Gertrude comprend métaphoriquement la torréfaction des châtaignes d’un sénateur sans remords. Violent Night adopte l’approche Krampus de Michael Dougherty consistant à enseigner des leçons de vacances saines avec de fortes doses de danger, sauf que Violent Night échange d’horribles créatures contre des hommes de main mutilés se tenant à la portée du Père Noël. Pas de monstres tout-terrain, seulement des lames de chasse-neige vrombissantes, des pointes de glaçons et des patins à glace aiguisés comme arsenal improvisé du Père Noël

Le scénario de Pat Casey et Josh Miller est agressif sur le nez, appelant des influences et des rythmes de narration comme Rudolph pointant vers son nez rouge clignotant. Les scènes ne se contentent pas de recréer avec effronterie Home Alone – les personnages diront à haute voix à quel point une séquence ressemble à Maman j’ai raté l’avion. Violent Night vit pour divertir en transformant les célèbres lignes de chants de Noël en slogans badass du Père Noël pendant la bataille ou en salissant l’innocence de Noël de Trudy. Le script peut se lire comme initialement ringard puisque l’élan prend quelques battements pour commencer à faire boule de neige, mais ensuite les décapitations commencent, et les sensibilités brutales de Wirkola inaugurent les coups aux heures de grande écoute.

La transformation de Harbour en un Père Noël grisonnant et tatoué montre un acteur aimant chaque seconde à l’écran. Le Père Noël n’est pas invincible, et les séquences de combat chorégraphiées ne sont pas fantastiquement surpassées. C’est le John McClaneisms comme allongé calmement épuisé à côté de cadavres ou de rires chaleureux alors que les soldats explosent après qu’il ait fourré une grenade dans leur « bas ». Beverly D’Angelo, Cam Gigandet et les autres jouent des stéréotypes cimentés, tandis que Harbour réinvente le Père Noël en héros d’action musclé avec seulement de la magie du nez scintillant, un sac de jouets sans fin et un parchemin lisible avec « coquin ». noms d’ennemis. La réinitialisation est tout Harbour traduisant de précieuses images de vacances en une punition brutale pour les mercenaires.

Avec une ouverture plus zippée, Violent Night aurait atteint un niveau supérieur. Lorsque Harbour est hors caméra, il y a moins de raisons d’être enthousiaste.. Harbour est l’arme pas si secrète de Violent Night, qui devient évidente lorsque Wirkola met en scène une séquence de combat qui change la donne sur un autre hit de Noël adapté à la radio qui élève l’intensité et établit une nouvelle norme pour aller de l’avant. C’est alors que Violent Night passe à l’overdrive, lorsque des nouvelles sanglantes éclatent et que les plus vilains sont sans pitié, de la même manière que Deadly Games de 1989 se transforme d’un thriller de Noël « ludique » en une guerre de décembre pleine de suspense.

Dans Violent Night, rien n’est calme et les explosions enflammées sont lumineuses. Le réalisateur Tommy Wirkola protège la joie sentimentale des fêtes dans une vitrine de David Harbour qui devient plus folle que cassante aux cacahuètes. Violent Night peut prendre une minute chaude pour trouver sa place et continue de cueillir des prunes de sucre de jeux de mots à portée de main, mais à pleine puissance, personne n’empêche le Père Noël de faire de cette année le Noël le plus rouge imaginable.

Video : Transfert 1080p d’Universal pour Violent Night satisfait dans tous les domaines. Alors que le bruit de la source prévaut, et parfois omniprésent, tout au long du film, il atteint rarement au-delà du point de gêne gênant. L’image est exempte de tout autre problème sérieux de source ou d’encodage. L’image est suffisamment détaillée, ne se démarquant certainement pas du tout en 2023, mais offrant clairement une image HD généralement satisfaisante. Les détails du visage et des vêtements sont suffisamment nets, idem pour divers environnements à l’intérieur de la maison. Les extérieurs à faible luminosité n’offrent pas de caractéristiques visuelles très intenses, mais l’image gère assez bien la faible luminosité. Les couleurs dans de telles situations sont également limitées, mais à l’intérieur, dans des pièces bien éclairées, les spectateurs apprécieront l’attention portée aux détails tonals. L’image n’est certainement pas ce que l’on pourrait qualifier de trop vive, mais le sang rouge et quelques autres éclaboussures de couleur conviennent à la précision et à l’intensité. Les niveaux de noir ne sont pas les meilleurs de l’histoire du format, poussant un peu la lumière par endroits. Les tons de peau sont assez décents. Ce n’est pas un disque de démonstration, mais c’est très regardable.

Audio : Universal livre Violent Night vers Blu-ray avec une bande-son sans perte DTS-HD Master Audio 7.1 satisfaisante. La présentation répond à toutes les attentes, offrant un espacement suffisant et une utilisation fine du surround pour pimenter le contenu. Comme prévu, diverses scènes de combat mettent en valeur la piste. Les éléments sont en bon état, présentant une bonne clarté quelle que soit la puissance et le contenu, tandis que l’espacement est excellent. Les auditeurs auront toujours une configuration sonore du terrain dans leurs oreilles, et au fur et à mesure que diverses scènes de combat se déroulent à l’écran, l’audio correspond parfaitement au placement et à l’intensité. Les repères musicaux sont justes sur l’argent, tout aussi clairs et bien définis et bénéficiant également d’un bon espacement. La face avant est dominante, bien sûr, mais il y a beaucoup de contenu surround de soutien à apprécier. Les effets atmosphériques sont parfaitement intégrés. Le dialogue est clair et centré sur la durée.

Rapport de forme ‏ : ‎ 1.78:1 Dimensions du colis ‏ : ‎ 17.2 x 13.6 x 1.1 cm; 60 grammes Réalisateur ‏ : ‎ Tommy Wirkola Format ‏ : ‎ Couleur, Cinémascope Durée ‏ : ‎ 1 heure et 51 minutes Date de sortie ‏ : ‎ 12 avril 2023 Acteurs ‏ : ‎ David Harbour, John Leguizamo, Beverly D’Angelo, Alex Hassell, Alexis Louder Doublé : ‏ : ‎ Allemand, Anglais, Français, Italien Sous-titres : ‏ : ‎ Italien, Allemand, Français, Néerlandais Langue ‏ : ‎ Italien (DTS-HD High Res Audio), Français (DTS-HD High Res Audio), Allemand (DTS-HD High Res Audio), Anglais (DTS-HD 7.1) Studio  ‏ : ‎ Universal Pictures France

3h54 ! Le film le plus attendu de 2023 avec DiCaprio pourrait marquer l’Histoire du cinéma

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C’est sûrement le long-métrage le plus attendu de l’année et il vient de révéler sa durée ! Préparez-vous à passer un long moment en salles en compagnie de DiCaprio !

Killers of the Flower Moon, le nouveau film très attendu de Martin Scorsese, sera présenté en mai prochain lors du Festival de Cannes. Réunissant Leonardo DiCaprio et Robert De Niro, le long-métrage s’annonce grandiose. Après l’officialisation de sa projection sur la Croisette, la durée de l’oeuvre a été révélée, répertoriée sur le site spécialisé The Movie Database. Killers of the Flower Moon sera le plus long film de Martin Scorsese avec 3 heures et 54 minutes au compteur ! Son opus précédent, The Irishman, avait déjà une durée record : 3 heures et 29 minutes ! Pour ce nouveau projet porté par DiCaprio et De Niro, Scorsese nous promet donc une plongée vertigineuse dans les années 20 pendant près de 4 heures !

Depuis Autant en emporte le vent (3 heures 58) et Hamlet de 1996 (4 heures 02), jamais un film en salles n’avait atteint une telle durée. Même Il était une fois en Amérique de Sergio Leone est contraint de s’incliner avec ses 3 heures et 40 minutes (pour sa sortie salles en Europe). Si les films de plus de 3 heures ne sont pas inhabituels pour le grand public (Avatar 2, Avengers Endgame, Babylon), ceux qui frôlent ou dépassent les 4 heures sont très rares. En ce sens, il pourrait marquer de son empreinte l’Histoire du cinéma.

Killers of the Flower Moon doit être diffusé sur Apple TV+ mais bénéficiera aussi d’une sortie cinéma aussi bien aux Etats-Unis qu’en France. Paramount s’est associé à la marque à la pomme afin de distribuer ce film événement dans nos salles obscures. Dans l’Hexagone, la date retenue est le 18 octobre.

Cependant, vu la durée du film, il n’est pas à exclure qu’un montage plus court soit proposé pour les salles et la version longue pour Apple TV.

Ce drame historique reviendra sur l’enquête du FBI concernant les meurtres de plusieurs membres de la tribu indienne d’Osage en Oklahoma, assassinés après avoir trouvé du pétrole sur leurs terres dans les années 1920.

Emmené par Leonardo DiCaprio (il s’agit de sa 6ème collaboration avec le cinéaste), Robert De Niro (son 11ème film avec Martin Scorsese), Brendan Fraser, Jesse Plemons et Lily Gladstone, Killers of the Flower Moon est l’un des films les plus attendus de 2023.

Obsession Saison 1 sur Netflix – Critique et Explication de la fin !

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Adeptes d’histoires dramatiques et sensuelles, la nouvelle minisérie de Netfix sera en plein dans vos cordes. Vous serez obsédés par Obsession.

On sait désormais que la série Sex/Life ne reviendra pas pour une troisième saison. Toutefois, après avoir visionné sa seconde saison, vous pouvez continuer à visionner du contenu enlevant sur fond érotique grâce à la série Obsession.

Obsession est tout d’abord la rencontre d’Anna Barton et de Jay, qui finissent par former un couple. Lors d’une soirée mondaine, elle rencontre le père de son fiancé, William, un chirurgien qui tombe immédiatement sous le charme de la jeune femme. William Farrow mène une vie quasi parfaite avec sa femme avocate, Ingrid, son fils, Jay, et sa fille, Sally.

Obsession n’est pas la première adaptation du roman de Josephine Hart, qui a été porté à l’écran en 1992 avec Jeremy Irons et Juliette Binoche dans les rôles principaux, mais il n’a pas rencontré un grand succès auprès des critiques et du public. Netflix a essayé de faire revivre l’histoire, qui a été écrite pour l’écran par Morgan Lloyd-Malcolm et Benji Walters, réalisée par Glenn Leyburn et Lisa Barros D’Sa, et interprétée par Richard Armitage (Le Hobbit), Charlie Murphy (Peaky Blinders) et Indira Varma (Game of Thrones). Les épisodes de la série ont été mis en ligne sur le service de streaming le 13 avril, et font parler d’eux depuis – surtout pour leurs scènes torrides.

La série se concentre sur William (Richard Armitage), qui est un chirurgien renommé et un père de famille à Londres. Un jour, il rencontre Anna (Charlie Murphy), qui n’est autre que la fiancée de son fils Martyn (Rish Shah). William est immédiatement attiré par Anna, qui lui rend son intérêt, et ils se lancent bientôt dans une relation secrète. William ne peut pas résister à Anna, qui a un passé mystérieux et une âme blessée, et qui fait tout pour garder sa place auprès des deux hommes. William, quant à lui, perd de plus en plus le contrôle de sa vie, tandis que sa femme Ingrid (Indira Varma) ne se doute de rien. La série montre comment se développe une liaison passionnée entre deux personnes qui ne peuvent pas se passer l’une de l’autre, mais qui ne font que se faire du mal.

Obsession ne fait pas l’économie de scènes sexuelles, qui vont des plus douces aux plus rudes. La série n’hésite pas à montrer les désirs et les plaisirs physiques des protagonistes, mais elle n’oublie pas non plus les conséquences émotionnelles. La série essaie de montrer que la relation entre William et Anna n’est pas seulement physique, mais aussi émotionnelle, et qu’ils souffrent tous les deux de la culpabilité et de la peur. Cependant, la série ne réussit pas vraiment à convaincre le spectateur que William et Anna s’aiment vraiment, ou qu’ils sont seulement mus par la passion. La série ne donne pas assez d’espace aux motivations et aux antécédents des personnages, ce qui empêche le spectateur de s’identifier à eux ou de les comprendre. La série reste à la surface et ne révèle pas de couches plus profondes ou de messages.

Le plus grand atout d’Obsession est le jeu des acteurs, qui est en grande partie de haute qualité. Richard Armitage et Charlie Murphy jouent très bien William et Anna, et leur alchimie et leur tension sont palpables. Armitage fait particulièrement ressortir le chirurgien confus et passionné qui perd son self-control. Murphy joue de façon convaincante la femme brisée et mystérieuse qui fait tout pour être heureuse. Indira Varma est aussi excellente dans le rôle de la femme de William, Ingrid, qui est une femme forte et intelligente mais qui ne peut pas empêcher l’infidélité de son mari. Parmi les personnages secondaires, Pippa Bennett-Warner se distingue dans le rôle de Peggy, qui est la collègue et l’amie de William, et qui essaie de l’aider à trouver une issue à sa situation.

Obsession est une série courte et intense qui ne laisse pas beaucoup de temps pour respirer. En trois épisodes, les spectateurs peuvent suivre le développement et le destin de la liaison entre William et Anna, qui ne reste pas sans conséquences. La fin de la série ne ménage pas les protagonistes, et ne leur donne pas une sortie facile de leur situation. La fin de la série est dramatique et surprenante, mais pas totalement satisfaisante. La fin de la série donne l’impression qu’il manque quelque chose, ou qu’elle aurait pu dire quelque chose de plus. La fin de la série ne répond pas à toutes les questions, et ne ferme pas tous les fils.

Obsession est une série qui divise les spectateurs. Certains pensent que c’est un thriller excitant et érotique qui les captive. D’autres pensent que c’est un drame superficiel et cliché qui n’apporte rien de nouveau ou de précieux. Obsession est une série qui vaut la peine d’être regardée si vous aimez les histoires passionnées et provocantes, mais ne vous attendez pas à trop.

La série ne compte que quatre épisodes, dont une grande partie est occupée par des scènes de sexe censées être supervisées par un coordinateur de l’intimité. Cependant, le dernier épisode prend des virages abrupts vers de nouveaux territoires fatals, alors regardons comment tout cela va se dérouler pour notre propre amusement. Voici l’explication de la fin de la Saison 1 de Obsession sur Netflix !

Explication de la fin de la Saison 1 de Obsession

A la fin de la Saison 1 de Obsession, lorsque Ingrid presse Jay au téléphone pour qu’il lui dise ce qui ne va pas, il ne répond pas et prend la porte ouverte comme un signe pour monter à l’étage. Il monte l’escalier et entend des gémissements de l’autre côté de la porte d’entrée. Lorsqu’il la force à s’ouvrir, il est choqué de voir son père et sa fiancée en train de faire l’amour.

A la fin de la Saison 1 de Obsession, visiblement dégoûté, il continue à marcher, mais sa main glisse sur la rampe et il fait une chute mortelle. William descend les escaliers en courant pour trouver son fils en train de se vider de son sang. Anna est visiblement choquée mais compartimente les événements, se changeant et sortant de l’immeuble. Lors de l’enterrement, William est peut-être en deuil, mais il est clair qu’il a l’esprit ailleurs, cherchant plutôt Anna.

A la fin de la Saison 1 de Obsession, William attend Anna à l’extérieur après les funérailles, au grand dégoût d’Ingrid. Elle lui dit que c’est la dernière fois qu’ils se voient et, bien qu’on ne voie pas Sonera, on peut supposer que c’est aussi la dernière fois qu’il voit sa fille. Nous sommes transportés dans une piscine et découvrons qu’Anna est venue en France pour la lune de miel qui avait été réservée pour elle et Jay.

Au cours d’une soirée agitée, Anna croise un autre étranger qui n’accepte pas qu’on lui dise « non ». Lorsqu’elle s’enfuit, elle rentre à l’hôtel et trouve William à ses côtés. Il lui donne un bain et le lendemain matin, Anna reste détachée et relativement muette. A la fin de la Saison 1 de Obsession, elle admet qu’ils ne peuvent pas séparer ce qu’ils sont tous les deux de ce qu’ils ont fait, mais William pense qu’ils ne peuvent pas laisser leur liaison pour rien.

On la voit ensuite partir en voiture et plus tard, de retour à son bureau de Londres, elle devient anxieuse et appelle une personne mystérieuse. A la fin de la Saison 1 de Obsession, on nous fait croire qu’il s’agit de William, mais en fait, Anna a appelé Peggy qui la console de la mort de Jay alors qu’Anna retourne à l’appartement pour ce qui semble être la dernière fois.

La caméra filme ensuite William entrant dans l’appartement. Mais ce n’est pas Anna qu’il rencontre, c’est un agent immobilier qui l’accueille, expliquant qu’il est rare qu’un tel appartement soit mis en vente. A la fin de la Saison 1 de Obsession, William déterre alors l’un des journaux d’Anna de la cheminée, et l’écran devient noir.

Le dernier plan d’Anna, cependant, est celui de sa première séance de thérapie, au cours de laquelle son thérapeute lui demande si elle aimerait avoir des règles pour leurs séances. Lorsque la caméra fait un panoramique sur son visage, on se rend compte qu’il présente des similitudes avec Aston, le frère d’Anna, et Jay, ce qu’Anna semble voir pour la première fois, puisqu’elle remarque : « Comme c’est étrange ».

Il est vrai que la fin de la Saison 1 de Obsession est assez ambiguë et qu’il est difficile de savoir où en sont Anna et William. La porte est ouverte à toutes sortes de conclusions, même s’il semble évident qu’ils vont désormais vivre séparément.

THE LAST KINGDOM Le Film: Seven Kings Must Die sur Netflix – Critique et Explication de la fin !

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The Last Kingdom est revenu sur Netflix sous la forme d’un film ! Le long-métrage intitulé « Seven Kings Must Die » conclut définitivement l’histoire d’Uhtred de Bebbanburg (Alexander Dreymon). Attention, spoilers.

Annoncé en 2021, peu de temps avant la diffusion de la cinquième et dernière saison de The Last Kingdom, le long-métrage Seven Kings Must Die (ou Sept rois doivent mourir, en français) est enfin disponible sur Netflix. Ce film met un terme définitif aux aventures d’Uhtred de Bebbanburg, le héros de la série adaptée des romans de la saga littéraire Les Histoires saxonnes de Bernard Cornwell.

Dans ce long-métrage réalisé par Edward Bazalgette, le seigneur Uhtred de Bebbanburg, qui règne sur la Northumbrie, est appelé à aider Æthelstan (Harry Gilby), autrefois son pupille et protégé, à accéder au trône de l’île de Bretagne suite à la mort de son père le roi Edward. Mais la couronne est convoitée par un autre héritier et surtout par des envahisseurs danois et d’autres rois des autres terres britanniques. Les nombreux ennemis et ses conflits avec Æthelstan vont mettre Uhtred dans une position délicate, alors qu’il ne rêve que d’une Angleterre unifiée.

Bien que Seven Kings Must Die soit un film qui conclut The Last Kingdom, il n’est pas nécessaire d’avoir vu la série avant. Le long-métrage d’Edward Bazalgette se déroule plusieurs années après la fin de la cinquième et dernière saison de The Last Kingdom et il prend soin de contextualiser son intrigue grâce à une voix-off et un texte explicatif au début pour décrire ses personnages et la situation politique dans laquelle se trouve l’île de Bretagne.

Seven Kings Must Die est construit de manière à ce qu’un public large puisse suivre l’histoire, sans trop connaître les antécédents des personnages principaux et connus, par le biais des dialogues, des interactions, des indications de lieu, et autres textes et voix-off qui accompagnent le film.

Par ailleurs, de nouveaux personnages sont introduits donc ils seront aussi inédits pour les fans de la série. Plus que la fin de l’épopée d’Uhtred, Seven Kings Must Die est aussi l’histoire de l’unification de l’Angleterre et de la célèbre bataille de Brunanbuhr, que certains historiens voient comme la marque de la naissance de l’identité anglaise.

Évidemment, on vous recommande d’avoir vu la série The Last Kingdom avant de découvrir le film Seven Kings Must Die par soucis chronologique et pour avoir une attache émotionnelle plus intense avec Uhtred de Bebbanburg. Mais vous comprendrez très bien les enjeux de Seven Kings Must Die même si vous n’avez pas vu la série.

Le visionnage du long-métrage vous donnera alors peut-être envie de vous plonger dans l’histoire d’Uthred, fils orphelin d’un noble saxon kidnappé par les Scandinaves et élevé parmi eux à la fin du IXème siècle. Au cours des cinq saisons de The Last Kingdom, on suit l’incroyable histoire de ce valeureux guerrier qui doit sans cesse choisir entre le royaume de ses origines et le peuple qui l’a vu grandir.

Série très populaire sur Netflix, The Last Kingdom s’est achevée à l’issue de sa cinquième saison, qui signait une fin épique pour son héros Uhtred de Bebbanburg (Alexander Dreymon). Mais son histoire n’est pas totalement terminée puisqu’il est de retour dans Seven Kings Must Die, un long-métrage d’environ deux heures.

L’adaptation de la série littéraire Les Histoires saxonnes de Bernard Cornwell se clôture donc avec un film qui mettra définitivement un terme à l’épopée d’Uhtred. Le long-métrage réalisé par Edward Bazalgette met Uhtred face à ses responsabilités alors qu’il doit à nouveau tout faire avec ses camarades pour former une Angleterre unie alors que des envahisseurs et des héritiers rivaux du roi Edouard se battent pour la couronne. Pourtant, la fin de la cinquième saison laissait envisager un happy end pour le héros, qui a passé son enfance chez les Vikings. De retour à Bebbanburg, dans un foyer chaleureux et une protection digne pour sa famille et son peuple, il avait réussi à instaurer une certaine paix entre les Danois et les Saxons, les deux parts de son identité, le tout sous la bénédiction des dieux.

Plusieurs années ont passé et un évènement soudain rabat toutes les cartes : le roi Edward meurt. Son second fils Ælfweard (Ewan Horrocks), soutenu par le Wessex, engage des mercenaires pour s’emparer de la couronne alors que c’est son premier fils, Æthelstan (Harry Gilby), qui est appelé à régner.

Mais ce dernier est un fils illégitime et il est donc considéré comme un bâtard, d’autant plus qu’il a été élevé par Uhtred. La reine Eadgifu (Elaine Cassidy), désormais veuve, se réfugie avec son jeune fils Edmund (Zak Sutcliffe) et le seigneur Aldhelm (James Northcote) chez Uhtred pour éviter les attaques des envahisseurs et d’Ælfweard. Uhtred s’engage à tout faire pour qu’Æthelstan accède au trône. Mais le jeune homme a bien changé, il s’est plongé corps et âme dans la foi et il est manipulé par son nouveau mentor, le seigneur Ingilmundr (Laurie Davidson), qui le pousse à conquérir tous les royaumes par la violence. Æthelstan tue son frère Ælfweard et s’en prend toujours plus aux terres des autres rois des îles britanniques, qui vont se réunir pour faire une alliance et lui tenir tête. Sauf que leurs destins sont annoncés comme funestes. Ingrith (Ilona Chevakova), la femme de Finan (Mark Rowley), l’un des meilleurs amis d’Uhtred, a annoncé la prophétie suivante, qui donnera son nom au long-métrage : « Sept rois devront mourir » (« et ta bien-aimée »). Après quelques stratagèmes inachevés, Uhtred est banni par Æthelstan mais sauvé par les autres rois réunis. Ils lui demandent alors de tuer Æthelstan pour arrêter sa tyrannie. Mais l’on apprend qu’Ingilmundr était de mèche depuis le début avec le roi danois Anlaf (Pekka Strang) et les autres rois des îles britanniques. Uhtred a compris cette manigance et tente de convaincre Æthelstan de sa bonne foi alors que Bebbanburg se fait détruire et avec elle Ingrid, qui était malheureusement « la bien-aimée » concernée par la prophétie.

Æthelstan a alors compris qu’il s’était fait manipuler et il souhaite combattre Ingilmundr et l’armée des rois réunis pour mettre fin au conflit et se sacrifier en martyr. Mais Uhtred ne l’entend pas de cette oreille et il va se lancer dans la bataille pour éviter un sort funeste à Æthelstan pour enfin créer une Angleterre unie, avec l’aide des siens et de son fils Osbert (Jacob Dudman). S’en suit alors une longue et impressionnante bataille, celle de Brunanburh, où Æthelstan et ses hommes l’emportent. Tous les autres rois, qui ont perdu leurs héritiers, ont rebroussé chemin. Æthelstan devient alors le roi incontesté de ce qui devient officiellement l’Angleterre. Le film Sept rois doivent mourir se termine bien avec sept souverains morts : les cinq héritiers des rois vaincus, le roi Edward mais aussi Uhtred, si l’on considère que sa dernière scène rejoignant une pièce très lumineuse de guerriers en fête est une allégorie de son décès. Même si la fin du long-métrage laisse planer le doute. La voix-off de Finan termine l’épopée d’Uhtred ainsi : « Sept rois sont-ils morts ? La Chronique ne dit pas si Monseigneur Uhtred a survécu mais ceux qui comme moi l’ont côtoyé ont connu en lui le plus grand guerrier de son temps. L’homme qui fit un royaume ». L’histoire d’Uhtred de Bebbanburg se termine donc avec la réussite du souhait le plus cher de ce héros : une ultime bataille qui lui vaut un statut glorieux et une Angleterre unie.

Le Chat Potté : le coffret des deux films en Blu-ray vient de sortir !

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Fans de Shrek et de son fidèle acolyte aux bottes légendaires, le coffret Blu-ray des deux films du Chat Potté est sorti hier et ne demande qu’à être ajouté à vos collections !

La comédie d’aventure de DreamWorks, spin-off de Shrek, revient sur le devant de la scène, cette fois dans un tout nouveau coffret Blu-ray 2-en-1 comprenant les deux films de la duologie consacrée au célèbre félin hispanophone.

Le Chat Potté (2011) n’est finalement pas une adaptation du conte de fées que l’on connaît mais s’inspire plutôt du personnage botté en question, apparu pour la première fois dans Shrek 2 en 2004, pour raconter une nouvelle histoire, originale à souhait.

Ici, tout se passe bien avant que notre cher Chat Potté ne croise la route de Shrek… Le légendaire félin est alors embarqué dans un périple riche en rebondissements, aux côtés de la ravissante et rusée Kitty Pattes de Velours et Humpty Alexandre Dumpty. Leur objectif : s’emparer de la fameuse Oie aux Œufs d’Or pour sauver la ville où le Chat Potté a grandi.

Il faudra ensuite attendre dix ans tout pile avant de retrouver le personnage adoré sur grand écran. Dans Le Chat Potté 2 : La Dernière Quête (2022), volet plus sensible et proposant un second niveau de lecture, les enjeux sont encore plus grands. Le protagoniste découvre en effet que sa passion pour l’aventure et son mépris du danger ont fini par lui coûter cher : il a épuisé huit de ses neuf vies. Afin de retomber sur ses pattes, il se lance littéralement dans la quête de sa vie, une aventure épique aux confins de la Forêt Sombre où il doit dénicher la mythique Étoile à vœu susceptible de lui rendre ses vies perdues…

Les deux longs métrages à l’animation époustouflante, mettant en vedette Antonio Banderas qui prête sa voix au héros dans sa version originale, sont désormais à retrouver en Blu-ray dans un seul et même coffret, disponible à la vente depuis hier.

Le Chat Potté, Coffret 1 & 2 en Blu-Ray contient :

  • Le Chat Potté (2011)
  • Le Chat Potté 2 : La Dernière Quête (2022)

Spécificités :

  • Classé : Tous publics
  • Format ‏: ‎Cinémascope, Couleur
  • Durée : 3 heures et 12 minutes
  • Date de sortie de l’édition : 12 avril 2023
  • Nombre de disques : 2

Au programme, plus de trois heures de divertissement rythmé et riche en rebondissements qui fera rire toute la famille. Revivez les aventures du chat séducteur qui n’a pas fini de voler les cœurs, avec passion et ardeur !

Critique : Jusqu’ici tout va bien sur Netflix et Explication de la fin !

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La première série de Nawell Madani est plutôt une bonne surprise même si elle use les poncifs du genre.

La vie d’une journaliste sombre dans le chaos lorsqu’elle aide son frère à échapper à la police, mettant sa famille dans la ligne de mire d’un baron de la drogue.

Nawell Madani porte plusieurs casquettes dans Jusqu’ici tout va bien : créatrice, co-scénariste et tête d’affiche puisqu’elle joue l’héroïne Farah, l’ainée d’une famille de 4 enfants. Madani s’entoure à cette occasion d’une distribution impeccable, allant de la douce mais si drôle Kahina Carina, de la battante Carima Amarouche et de l’étoile montante du petit écran/influenceuse Paola Locatelli. Djebril Zonga (Les Misérables), son conjoint, s’offre quant à lui le rôle du grand méchant.

On ne l’attendait pas sur ce terrain là. Celle qui nous a habitués à la comédie avec ses spectacles de stand-up change de registre avec sa toute première série. Dans Jusqu’ici tout va bien, Nawell Madani campe une journaliste prometteuse qui se met dans une situation compliquée quand elle doit rembourser une somme importante à un dealer avant la fin du Ramadan. C’est la comédienne elle-même qui a imaginé cette histoire pendant le confinement et co-écrit le scénario, aux côtés de Simon Jablonka (Engrenages). Et le résultat est à la hauteur de ses ambitions. Si le postulat de base est assez classique, Madani déroule le fil de son histoire en jouant habilement la carte du suspense et de la tension. Elle n’hésite pas à mettre sa galerie de personnages dans des situations désespérées. Le spectateur est témoin de cette descente aux enfers et se demande jusqu’où ils peuvent aller.

L’humoriste a souhaité faire une série centrée sur un groupe de femmes – des sœurs dans le cas présent – qui arrive à gérer une situation de crise.

Et le pari est réussi, grâce à un casting féminin particulièrement solide.

Avec son format court de 30 minutes par épisode (assez rare pour un drame), qui permet de la binge-watcher en une ou deux soirées si l’on souhaite, la série de Netflix se regarde assez rapidement.

Si vous êtes fan de l’humoriste belge, vous y retrouverez un peu de son style à travers des répliques cinglantes. La jeune femme d’origine algérienne rend d’ailleurs hommage à sa culture et place son action en plein Ramadan. La date de diffusion tombe d’ailleurs durant cette période de jeûne pour les Musulmans de France. Une aubaine.

Une série qui, cette fois, n’est rien sans le poids d’acteurs qui répondent au défi et qui ne se laissent pas porter par les surprises de l’intrigue (thriller classique). Tout est bien ficelé : les personnages ne sont pas des marionnettes de circonstance, un bon scénario.

Il a cette grande vertu du cinéma français, dans sa sincérité brutale et élégante, de réussir à faire un thriller sans tomber dans le « vouloir être hollywoodien ». Il garde sa part de vérité, sa terrible dose de réalité sociale, sa pointe de dénonciation et, en même temps, il parvient à divertir.

Un film sur les femmes, sur la communauté maghrébine en France, sur des réalités qui sont là. Il leur dit, sans les insulter, une grande vertu dont certains mouvements devraient s’inspirer.

Français jusqu’au bout des ongles et j’aime la french touch, toujours (ou parfois) si vindicative, mais qui sait trouver l’équilibre entre la fiction (parfois cachée) et cette nouvelle vague de réalité qui, au fond, cache tant de force esthétique.

La série a été bien reçue par le public et a été saluée pour son écriture intelligente, ses dialogues bien construits et ses performances d’acteurs convaincantes. Cependant, certains critiques ont noté que la série était parfois prévisible et qu’elle reposait parfois sur des stéréotypes de classe et de genre.

En fin de compte, si vous êtes intéressé par la série, je vous recommande de la regarder et de vous faire votre propre opinion.

Quatre femmes absolument différentes mais fortes tentent de prouver qu’elles peuvent survivre et être victorieuses dans ce monde puissant et patriarcal.

Elles appartiennent toutes à un foyer musulman, qui accorde de l’importance à sa famille quoi qu’il arrive. Lorsque Fara dénonce la stratégie de fake news de la chaîne 24 News, elle est presque renvoyée, mais sa famille la soutient et lui suggère de rester forte et de s’en remettre à Dieu.

Lorsque Selim a des ennuis, les quatre femmes élaborent un plan pour aider à résoudre le problème, sans savoir qu’une plus grande complication les attend.

A la fin de la Saison 1 de Jusqu’ici tout va bien, Fara demande à Oumar et à ses hommes de prendre d’assaut la chaîne pendant les informations en direct. Il menace de tuer des gens en direct à la télévision si les officiers chargés de brûler la drogue ne la lui rendent pas. À l’insu du gangster, les sœurs de Fara interceptent la voiture et mélangent la vraie drogue à la fausse.

Mais entre-temps, Lina a trouvé un moyen d’échapper à sa captivité et s’est enfuie. Lorsque Oumar tente de partir, Fara lui parle des faux médicaments. Cela l’exaspère et il braque une arme sur Fara, qui a apporté la sienne dans la bagarre. Au moment où les flics arrivent, la tension sur la scène explose, et Fara et Oumar se tirent dessus. Alors que Fara survit, Oumar semble avoir reçu un coup fatal et meurt sur le coup.

A la fin de la Saison 1 de Jusqu’ici tout va bien, il est révélé que Fara a raconté cette histoire à un avocat devant le gangster à qui appartenait la drogue. Fara lui dit que s’il la fait sortir de prison, elle lui dira exactement où se trouve la drogue. Il est intéressant de retrouver Fara derrière les barreaux, mais la situation n’est pas si surprenante.

Semir quant à lui avait déjà reconsidéré sa décision de fuir sa maison, et lorsque son père se présente, il est convaincu que la fuite ne résoudra aucun problème. Il a créé suffisamment d’ennuis à ses sœurs et il est temps de mettre un terme à tout cela. Finalement, il rentre à Paris avec son père et se rend à la police. Il plaidera coupable des faits qui lui sont reprochés, notamment la mort du policier et la présence de drogue dans sa voiture, et passera un très long séjour en prison.

A la fin de la Saison 1 de Jusqu’ici tout va bien, la drogue est cachée dans une voiture. Lina et ses amis se demandent ce qu’ils vont en faire. Il s’agit d’une marchandise d’une valeur de plusieurs millions de dollars, et si elles parviennent à la vendre à quelqu’un, elles auront assez d’argent pour aider tout leur quartier.

A la fin de la Saison 1 de Jusqu’ici tout va bien, il n’est pas précisé si la drogue est échangée contre la liberté de Fara ou si Lina et ses amis trouvent quelqu’un à qui la vendre. Dans les deux cas, la consignation est un plan sur lequel la famille peut s’appuyer. Et avec des millions dans leur garage, ce n’est qu’une question de temps avant qu’ils ne trouvent un moyen de s’en débarrasser en échange d’un peu d’argent, améliorant ainsi leur situation financière.

Nos frangins avec Reda Kateb (Acteur), Lyna Khoudri (Acteur) de Rachid Bouchareb (Réalisateur)

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La nuit du 5 au 6 décembre 1986, Malik Oussekine est mort à la suite d’une intervention de la police, alors que Paris était secoué par des manifestations estudiantines contre une nouvelle réforme de l’éducation. Le ministère de l’intérieur est d’autant plus enclin à étouffer cette affaire, qu’un autre français d’origine algérienne a été tué la même nuit par un officier de police.

Chronique : Le récit de Nos frangins de Rachid Bouchareb est empreint d’une profonde émotion qui transparaît dans la manière dont il décrit les faits et met en valeur les réactions des familles. Le réalisateur parvient à donner vie à ces affaires politiques en les transformant en expériences personnelles de douleur et d’angoisse, notamment en décrivant les réactions corporelles des personnages, de la colère du frère de Malik Mohamed Oussekine à la prostration du père d’Abdel. Cette incarnation permet d’ancrer le film dans la mémoire et de lui donner une valeur morale et politique qui est encore pertinente aujourd’hui.

Bouchareb utilise une grande sobriété dans sa façon d’entremêler les archives télévisuelles et radio d’époque avec les scènes de fiction. Pour éviter la distanciation qu’instaure la pure reconstitution, le scénario coécrit avec l’écrivaine algérienne Kaouther Adimi introduit des éléments digressifs, tels que Ousmane, l’employé africain de la morgue de l’Institut médico-légal, qui accompagne les morts de ses prières et de ses chants. La musique d’Amine Bouhafa contribue également à cette distance. Mais Bouchareb ne renonce pas aux enquêtes policières et aux manipulations politiques, car c’est là que se joue le scandale d’Etat : le mépris des familles et la recherche d’éléments pouvant détourner la responsabilité de la police face à la médiatisation de l’affaire Oussekine et la colère étudiante.

Le lien entre les deux affaires est opéré par l’inspecteur de l’IGS Daniel Mattei, imaginé par Bouchareb pour matérialiser ce lien entre deux assassinats la même nuit. Cela crée une certaine confusion pour le spectateur en début de film, mais renforce l’évolution des personnages tout en montrant que leur destin est commun, malgré leur différence de réaction face aux événements. Mattei, en tampon entre les familles et l’administration, devient de plus en plus mal à l’aise et fait surgir malgré lui dans le récit les questions morales et politiques qui font de Nos frangins un film incisif et éminemment actuel.

Rapport de forme ‏ : ‎ 1.78:1 Classé ‏ : ‎ Tous publics Dimensions du colis ‏ : ‎ 19.3 x 13.6 x 1.9 cm; 90 grammes Réalisateur ‏ : ‎ Rachid Bouchareb Format ‏ : ‎ Couleur, Cinémascope, PAL Durée ‏ : ‎ 1 heure et 28 minutes Date de sortie ‏ : ‎ 5 avril 2023 Acteurs ‏ : ‎ Reda Kateb, Lyna Khoudri, Raphaël Personnaz, Samir Guesmi, Laïs Salameh Doublé : ‏ : ‎ Français Langue ‏ : ‎ Français (Dolby Digital 5.1) Studio  ‏ : ‎ Le Pacte