Dans une petite ville de Nouvelle-Angleterre, la chienne cocker Lady voit sa vie parfaite bouleversée par l’arrivée d’un heureux événement dans la famille de ses maîtres. Elle fait alors la rencontre de Clochard, un chien errant pour qui la rue n’a plus aucun secret
Chronique : La belle et le clochard en prise de vue réelle. La nouvelle mode de chez Disney. On peut voir le côté négatif en disant que Mickey se repose sur ses acquis et joue sur ça pour gagner du fric. On peut aussi voir le côté positif en se disant que cela nous permet de revoir des vieux classiques au cinéma.
Niveau crédibilité, la plupart des chiens sont parfaits ! Seule Lady ( le cocker ) n’est pas vraiment bien réalisée. C’est dommage car il s’agit du personnage principal. On sent vraiment une différence entre le clochard , vraiment attachant et réussi, et elle qui ressemble à un personnage de jeu vidéo .. ( je trouve )
Sinon on connait déjà l’histoire, et ça fait plaisir de revoir ce film .
Le réalisateur a ajouté quelques détails par ci par là.
Le message envers les personnes qui abandonnent les animaux est magnifique, et superbement placé .
L’humour fonctionne également très bien. ( Le chien qui bave par exemple, c’est excellent . )
De plus, le réalisateur a travaillé avec des vrais chiens abandonnés, et je trouve l’idée
Pour garder son histoire fraîche, l’un des meilleurs outils dont dispose une sitcom est l’association des personnages. Tout ce que vous avez à faire pour faire bouger les choses de temps en temps est de séparer des personnages dans des configurations différentes de la norme et, si vous avez une distribution forte, des trucs amusants devraient en découler.
Pour garder son récit frais, l’un des meilleurs outils d’une sitcom est le jumelage de personnages. Tout ce que vous avez à faire pour secouer les choses de temps en temps, c’est de faire des paires de personnages dans des configurations différentes de la norme et, si vous avez une distribution forte, des choses amusantes devraient en découler.
Dans The Old Man And The Seat, nous avons un complot Summer and Beth, un complot Morty and Jerry et un complot Rick tout seul. Bien sûr, ce n’est pas la première fois qu’ils font cela, mais jusqu’à présent, la plupart des épisodes de Rick et Morty se sont appuyés sur les solides paires de personnages par défaut de l’émission : celle du titre de la série, Beth et Jerry, et, euh, Summer est assez seule, je suppose. Donc, à ce stade, c’est encore nouveau de diviser la famille Smith, de les mettre en couple, de les mettre dans des aventures de science-fiction et de voir ce qui se passe.
Ça marche très bien dans The Old Man And The Seat. L’intrigue de Rick est une longue blague de caca qui culmine étonnamment avec un moment de caractère brillant et mélancolique. L’intrigue de Morty et Jerry est plus une histoire de gags et ne va pas trop loin, mais c’est quand même amusant de voir Morty s’occuper à contrecœur de son père perdant. Beth et Summer sont les pires. Leur histoire est assez simple : Summer continue d’utiliser une application de rencontre appelée LoveFinderrz pour chasser l’âme sœur après l’âme sœur, avec Beth à sa poursuite.
En réalité, les deux n’interagissent pas tant que ça, car Beth a un pas de retard sur Summer pendant la majeure partie de l’épisode. Cependant, il souligne toujours que Summer et Beth sont les personnages les moins développés de l’émission. Ce n’est peut-être pas juste pour Summer, qui a eu beaucoup de bons moments au cours de la série, mais Beth reste juste un peu fade. La série a fait de grands pas en avant avec sa dernière saison, mais malheureusement elle tombe encore souvent dans le rôle ennuyeux de matriarche que beaucoup de mères de sitcom font.
Ce n’est pas que l’histoire de Summer et Beth est terrible. C’est juste le plus faible. Cependant, un bon moment que je noterai, c’est quand la copine de Summer, l’âme soeur de quelques minutes, dégoûte Summer quand ils montent ensemble dans un avion et qu’elle enlève immédiatement ses chaussures et commence à se gratter les pieds.
Comme nous l’avons mentionné, l’aventure de Morty et Jerry fonctionne mieux. Ils doivent travailler ensemble pour détruire l’application de rencontre LoveFinderrz, que Jerry a créée avec l’interne alien de Rick, Glootie. Glootie n’est pas trop dans l’épisode, mais, comme l’a dit Taika Waitititi, sa ligne est naturellement charmante et hilarante. L’entendre répéter : « Tu veux développer une application ? » m’a donné beaucoup de joie. C’est aussi un concept amusant que Glootie est un membre de l’espèce Monogatron qui a perfectionné les relations monogames, mais qui essaie aussi de s’emparer de la Terre parce qu’elle manque d’eau.
L’intrigue de Morty et Jerry comporte de bons arguments, Jerry foutant tout en l’air comme il a l’habitude de le faire et le duo menaçant maladroitement les Monogatron avec ses coups de poing. Il se termine par une subversion drôle et délibérée du moment de développement du personnage sensible auquel nous avons tous été entraînés à nous attendre dans les sitcoms lorsque Morty dit à Jerry : « Papa, je veux dire quelque chose. J’ai commencé aujourd’hui dégoûté et embarrassé d’être ton fils. Plus tard, j’ai cru qu’on allait mourir parce que tu es un loser. » Puis il le laisse là.
C’est bien que Jerry et Morty n’atteignent aucun développement émotionnel dans leur relation père-fils parce que c’est principalement l’histoire de Rick, et tout le pathos est empli avec lui. Ce qui est génial, c’est que le conflit de Rick commence avec l’un des prémisses les plus juvéniles que la série ait jamais fait, mais se transforme peu à peu en une histoire tragique où Rick perd un nouvel ami.
Il y a un argument à faire valoir que Rick et Morty a déjà sorti le film « Surprise ! Rick est seul et triste » qui se termine plusieurs fois maintenant et peut-être que pour certains d’entre nous, c’est un peu paresseux. Mais je crois que The Old Man And The Seat le développe d’une nouvelle façon. Dans Auto Erotic Assimilation, par exemple, nous avons appris que Rick est un individu tellement unique et puissant qu’il ne peut être attiré que par d’autres êtres extraordinaires comme Unity, qui est un esprit de ruche collectif. Dans cet épisode, le personnage de Rick est mis de côté alors que nous découvrons qu’il rencontre occasionnellement des schlubs au hasard auxquels, pour une raison ou une autre, il s’attache et ne peut pas se résoudre à répartir sans ménagement.
La triste intrigue de Rick prend aussi de grandes tournures comiques en cours de route, comme lorsqu’il met fin par hasard, à lui seul, à une guerre entre les robots et les gens lézards. Et c’est une belle surprise que l’histoire de Rick se termine tragiquement, mais pas d’une manière qui ressent le besoin de devenir plus sombre comme le font si souvent les autres épisodes de Rick And Morty (par exemple, Auto Erotic Assimilation se termine avec une tentative de suicide de Rick). En plus, comme je l’ai dit, l’intrigue n’est qu’une grosse blague sur les toilettes et le caca, avec une séquence de rêve où Dieu déclare : « Moi aussi, je fais caca ! » Qu’est-ce qu’il n’y a pas à ne pas aimer ça ?
Trois ans après les événements du premier film, Elsa commence à entendre une étrange voix venant du nord qui l’appelle. C’est accompagnée de sa sœur Anna, de Kristoff, d’Olaf, et de Sven qu’elle embarque pour une nouvelle aventure loin de son pays, Arendelle, pour découvrir les origines de son pouvoir et sauver son royaume.
Chronique :
Après le succès mondial du 1er opus en 2013, Disney Animation Studios propose la suite tant attendue du plus gros succès des studios Disney. Et j’ai clairement passé un bon moment pendant la projection.
L’histoire nous emmène cette fois-ci à la recherche de réponses sur d’étranges événements perturbant Elsa, sur ses origines, et sur des faits qui se sont déroulés bien avant le 1er opus, impliquant les parents d’Anna et Elsa et d’autres personnages du royaume d’Arendelle. Mais je souhaite que vous le découvriez par vous-mêmes afin de ne pas vous spoiler.
Concernant les personnages de ce film :
Elsa : elle joue un rôle bien plus important dans cet opus, en raison de l’intrigue et du contexte du film. C’est le point de repère pour le spectateur. La voix française d’Elsa par Charlotte Hervieux (depuis Ralph 2.0) présente une continuité avec le doublage réalisé pour le premier film. Je la trouve même plus agréable au final.
Anna : elle endosse plutôt un rôle de soutien durant la 1re partie du film, avant de prendre de l’importance dans la 2e moitié. Son attitude est similaire au 1er opus mais cette fois-ci, elle fait preuve d’une meilleure maîtrise d’elle-même, ce qui la rend moins agaçante. Sa relation avec Elsa est plus joyeuse.
Olaf : il est toujours aussi adorable et garde son humeur de blagueur du 1er opus mais avec un peu plus de maîtrise. Une scène m’a particulièrement marqué en me déclenchant un gros fou rire, digne de ce personnage.
Kristoff : il prend confiance au fur et à mesure que l’intrigue avance, malgré un rôle plus secondaire selon moi (de même que Sven). Il prend son courage à deux mains pour aider ses amis (et particulièrement Anna)
Au niveau de l’animation, elle est toujours propre chez Disney, malgré un point négatif sur les effets d’eau que j’ai trouvés moins réalistes sur certaines scènes, voire fades.
Concernant les musiques, elles sont agréables à écouter pour certaines, et d’autres le sont un peu moins. Le plus gros défaut du 1er film a été gommé grâce à une meilleure répartition des chansons pendant le film. Selon moi, le prochain HIT qui va peut-être soûler les parents sera la chanson « Dans un autre monde », mais qui est peut-être moins puissante que « Libérée, Délivrée ».
Conclusion :
Est-ce que ce film est une suite digne du 1er opus, ou peut-il même le surpasser ?
Pour moi, il est à la hauteur, c’est incontestablement une suite digne. Maintenant je pense qu’il ne le surpasse pas car le scénario est disons peut-être un peu classique, et certaines scènes sont prévisibles.
Mais la suite du film se justifie par l’importance du rôle d’Elsa face à l’intrigue et au contexte (les origines de ses pouvoirs notamment).
Je suis content que les producteurs et scénaristes n’aient finalement pas inclus une petite amie féminine pour Elsa pour répondre au mouvement lancé quelques années auparavant sur les réseaux sociaux, car cela n’aurait pas apporté grand-chose à l’histoire.
Pour conclure, La Reine des Neiges 2 est un super film pour ces fêtes de fin d’année, avec une aventure chaleureuse et agréable à suivre grâce à nos personnages favoris et cultes que nous retrouvons avec enthousiasme.
Je prendrai plaisir à le revoir prochainement et avant de terminer, gardez l’œil ouvert pour trouver les quelques Easter Eggs, notamment au début du film. Et surtout, restez bien jusqu’à la fin pour découvrir une scène surprise après le générique.
Voulez-vous savoir combien de temps il vous reste à vivre ? Téléchargez l’appli Countdown ! Lorsque Quinn, une jeune infirmière, télécharge cette application à la mode, elle découvre qu’il ne lui reste que 3 jours à vivre. Elle doit trouver un moyen d’échapper à son sinistre destin avant la fin du compte à rebours.
Chronique : Countdown postule que dans un monde paranoïaque de doutes et d’inquiétudes sans fin, causé par le déluge de contenu débordant, il existe une application qui pourrait mettre fin à des questions sans fin avec une seule et dernière information: accepter les termes et conditions et voir la date à laquelle vous allez mourir, à la seconde.
C’est une promesse inquiétante, qui repose sur une curiosité perverse – de l’utilisateur et du spectateur du cinéma – pour voir ce qui se passe lorsqu’une horloge en direct décide combien de temps vous resterez en vie. Cela va-t-il apaiser votre esprit pendant de nombreuses années ou déclencher une bombe à retardement qui explose trop tôt?
Elizabeth Lail découvre qu’il ne lui reste que quelques jours – et déploie ainsi une mission nerveuse pour aller à la racine du paysage infernal. Le scénario est prometteur, mais ont finalement à trop peu de ressources. L’actrice principale ressemble à toutes les héroïnes pleines d’espoir et saines jetées au beau milieu d’un cauchemar.
Il y a quelques tentatives de comédie, mais le film n’a pas assez de construction pour rendre crédible la réalité de cette application. La sous-parcelle soignée contre le harcèlement sexuel sur le lieu de travail fonctionne bien. Il est juste dommage que la présentation en une ligne de l’application, indiquant à l’utilisateur que les informations qui changent la vie (ou qui mettent fin) ne demandent qu’un téléchargement, est aussi profonde et complexe que la menace le devient. On gardera tout de même en tête que le film nous a laissé entrevoir un semblant d’intérêt à son univers d’appli meurtrière (ce qui n’est déjà pas rien !) mais, pour le reste, un simple compte à rebours de 10 secondes suffira à nous le faire oublier…
Il s’est avéré que le Mandalorian était vraiment excellent, capturant l’esthétique et l’esprit classiques de Star Wars sans ressasser les récits les plus anciens, tout en élargissant l’univers et les traditions de manière très inattendue.
À la fin de l’épisode 1, nous avons été choqués de découvrir que la cible que le Mandalorian (Pedro Pescal) chasse est en réalité un bébé Yoda, un bambin de cinquante ans issu de la même espèce mystérieuse dont il est originaire. C’est une grande surprise – et surprenante, en soi, que la grande révélation n’ait jamais été gâchée auparavant.
Dans l’épisode d’aujourd’hui, Mando – je l’appelle désormais comme ça, grâce à Kuiil (Nick Nolte) – prend la situation où nous nous sommes arrêtés, ramenant le bébé à son bateau. Sur le chemin, il est tombé dans une embuscade à cause d’autres extraterrestres avec lesquels il s’est battu la semaine dernière, mais il les envoie assez rapidement.
Le véritable obstacle à la sortie de la planète se présente sous une autre forme familière: les Jawas. Les petites créatures qui ont pris en otage les droïdes R2-D2 et C-3PO dans A New Hope, puis les ont vendues à Luke Skywalker et à son oncle, sont bien préparées à démanteler le navire de Mando avant son retour.
Je suppose que cela signifie que nous sommes sur le monde natal de Tatooine – Luke – ce que je soupçonnais mais dont je n’étais pas sûr jusqu’à présent. Je ne pense pas que les Jawas conduisent leurs véhicules de la forteresse nulle part ailleurs. C’est certainement une planète désertique, et il serait approprié que Mando y trouve le bébé Yoda.
Quoiqu’il en soit, Mando fait exploser quelques-uns des petits imbéciles, mais ceux-ci s’échappent dans leur énorme dragueur de sable et il est obligé de poursuivre à pied. La séquence d’action suivante est plutôt bonne. Mando fait de son mieux pour grimper dans la forteresse piétinée, tandis que les Jawas le jettent sur lui, le zappent et le blessent avec une douzaine de rafales d’étourdissements à la fois. Il bascule jusqu’au sol, loin en dessous.
Notre héros peut certainement être battu.
Mando et le bébé Yoda retournent chez Kuiil après cela, et il propose d’emmener le chasseur de primes échanger avec les Jawas – un plan auquel Mando se moque bien car ils lui ont volé ses affaires, mais il n’y en a pas. autre choix.
Pendant ce temps, bébé Yoda se promène et mange une créature ressemblant à une grenouille et tout cela est bien trop mignon. Je ne peux pas gérer à quel point ce petit gars est adorable. Jon Favreau mérite tout particulièrement le mérite d’avoir créé le personnage le plus mignon de Star Wars depuis les Ewoks.
Alors ils partent et rencontrent les Jawas qui demandent d’abord l’armure de Mando, puis le bébé, et disent enfin qu’ils rendront les pièces s’il les récupère «l’oeuf». Il s’avère que l’oeuf en question se trouve dans une grotte sombre et menaçante.
Et ce rhinocéros monstre amusant est la mère:
Je suis presque sûr que Mando passe autant de temps à plat ventre dans la boue ou dans la boue que dans cet épisode. Le rhinocéros extraterrestre est rapide et fort et le fusil de Mando se bloque. Il peine à peine à gratter et, à un moment donné, il doit utiliser la télécommande du berceau flottant pour sortir bébé Yoda du chemin de la créature.
Mais c’est le bébé qui sauve la journée. Nous l’avons vu plus tôt dans l’épisode très bien utiliser la Force. Lorsque Mando se soigne pour soigner ses blessures avant la rencontre avec Jawa, le bébé ne cesse de sortir de son berceau et s’approche de Mando en levant la main, comme s’il essayait de le soigner, mais Mando n’arrête pas de le prendre retour.
Cette fois, le bébé Yoda lève la main et utilise la Force pour arrêter la bête avant de l’élever dans les airs. C’est une incroyable démonstration de puissance, même s’il ne peut la retenir que quelques instants avant de perdre connaissance. Pourtant, cela montre à quel point cette espèce doit être puissante avec la Force, que même un enfant en bas âge peut l’utiliser si habilement.
Mando tue le rhinocéros et récupère l’œuf – qui semble recouvert de mèches de vadrouille – et l’amène aux Jawas qui dévorent rapidement le jaune à l’intérieur. Mando secoue la tête avec dégoût.
Lui et Kuiil passent la nuit à reconstituer son navire, puis à faire leurs adieux. Je suis content que nous ayons un autre épisode avec Kuiil, car il est un si grand personnage et Nolte est tout simplement parfait dans le rôle. Je ne suis pas sûr que nous le reverrons.
Ce fut un autre épisode formidable. C’est assez fou de voir à quel point ils se sont retrouvés dans les maigres 27 minutes, mais d’une manière ou d’une autre, ça n’a pas semblé trop court. C’était juste comme il faut. Juste assez d’action, juste assez d’adorable, juste assez de suspense. La magnifique partition originale balayant tout.
Le réalisateur Rick Famuyiwa a fait un travail fantastique après la première de la saison. Ce spectacle capte vraiment parfaitement la vieille magie de Star Wars , du rythme à l’humour, en passant par le look des vieux films.
Je suis vraiment curieux de voir où cette histoire va et comment bébé Yoda est lié à l’histoire plus grande. Je me demande s’il y aura un lien avec les nouveaux films?
Ce ne sont que huit épisodes et s’ils sont tous courts comme ça, eh bien, ce n’est pas assez de temps à passer avec des personnages aussi charmants!
Dans un climat où la plupart des histoires de vacances ont déjà été racontées et racontées, Klaus, de Sergio Pablos (Despicable Me), se démarque agréablement en tant que pièce unique et douce de l’animation de Noël. Pour ceux qui recherchent quelque chose de nouveau à montrer à leurs enfants cette saison, ou simplement de profiter des enfants même sans enfants, c’est une version élégante et pleine d’humour de la tradition du père Noël.Klaus se mêle à une poignée de clichés familiaux, mais ils sont tous mélangés dans une fable originale mettant en scène un étudiant riche et gâté de l’académie postale nommé Jesper qui va être banni dans la ville nordique éloignée de Smeerenburg, où son seul moyen de sortir est de faire envoyer à la population six mille lettres dans un an.
Smeerenburg est un village gelé et désolé qui vit de la haine entre deux clans en guerre, les Krums et les Ellingbo. Tous les tristes habitants font des farces vicieuses, comme il est de tradition de s’en prendre au voisin. Jesper, qui est lui-même une énorme pilule, doit maintenant tromper les gens en leur faisant écrire et envoyer des lettres pour gagner sa liberté. C’est un montage intéressant – mais pas aussi fou que là où tout mène.
Jesper découvre un grand fabricant de jouets barbu dans les bois, le titulaire Klaus), ainsi que des stratagèmes visant à utiliser les articles de recluse pour séduire les enfants des parents amers. Les enfants écrivaient des lettres à Klaus (en utilisant un affranchissement payé) et Klaus leur remettait des cadeaux. La légende de Santa Klaus commence à se former, du traîneau guidé par des rennes au plateau de biscuits laissé à l’écart par Jesper et Klaus, dans lesquels la forme nerveuse de Jepser est utilisée pour glisser dans les cheminées. La question ici n’est pas tant de savoir si Jesper apprendra ou non à tomber amoureux de son environnement pittoresque , alors que l’humeur de chacun commence à s’éclaircir et que la ville commence à s’épanouir. La tradition de bonne volonté et d’altruisme naîtra essentiellement en conquérant la jeune génération et en trompant les plus âgés.
L’animation est nette et astucieuse, tandis que l’histoire est une fusion puissante d’ancien et de nouveau. Le privilège est réfléchi, le désespoir est exploré, les leçons sont apprises et une étincelle surnaturelle est allumée. C’est une initiative audacieuse d’offrir un nouveau point d’origine fictif pour le Père Noël, en particulier un élément essentiel du service postal, mais Klaus est un gagnant et une belle addition à la frénésie de vacances.
Verdict
Sergio Pablos ‘Klaus est un mélange joliment animé d’ancien et de nouveau – offrant une interprétation unique et décalée des débuts modestes du Père Noël. C’est une histoire amusante et fraîche sur l’amitié et le pouvoir de la gentillesse qui recouvre les clichés enneigés d’un éclat brillant.
Vous voyez ces vieillards , pardon, ces personnes du troisième âge, que vous croisez dans la rue ou en voiture, ceux qui roulent lentement ? Ou dans les magasins, qui payent en liquide à la caisse ? Ces vieux qui vous font enrager au point de vous faire revoir votre position sur l’euthanasie ? Et bien Chuck Lorre a décidé d’en faire une série.
Si ce nom vous dit quelque chose c’est tout simplement qu’il s’agit du créateur des sitcoms Mon oncle Charlie et the big bang theory, pas le premier venu donc. Il s’essaye ici à la comédie dramatique pour un résultat plutôt réussi même si la série s’en sort mieux lors des moments de comédie pure. La première saison a d’ailleurs été reconpensé par deux golden globes, dont celui du meilleur acteur pour Michael Douglas.
Vu l’âge de ces protagonistes il serait aisé de comparer cette série avec Grace et Frankie, une autre série Netflix traitant du troisième âge mais, si les deux séries se rejoignent dans leur volonté de mettre en avant une frange de la population souvent ignorée par les médias, les séries s’éloignent sur d’autres aspects.
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La méthode kominsky se distingue en effet par un esprit caustique, nos deux vieux messieurs respectables degainent plus de punchline qu’il y en a dans un album de rap. Cette deuxième fournée de huit épisodes accentue le ton sarcastique au détriment des moments intimistes. Les bons sentiments n’ont pas vraiment leur place, même si les intrigues offrent quand même leur instants familial. le propos est plutôt de montrer la difficulté de vieillir dans un monde ou vieillir est interdit, la solitude qui s’installe, les problèmes de santé entre autres. L’humour acide est alors devenu un mécanisme de défense pour nos personnages qui font preuve de résilience face au temps qui passe.
Quand tu te marre à l’idée d’annoncer l’âge de ton petit ami à ton père
Les acteurs sont excellents, mention spéciale à Alan Arkin, qui vole la vedette à Michael Douglas. Tout le casting offre une prestation convaincante, voire bluffante par moments, notamment lors des cours de Sandy.
Une série mordante et touchante qui vous fera porter un regard nouveau sur nos personnes âgées.
Note : 8/10
Depuis 2018 / 28min / Comédie, Drame
Titre original : The Kominsky Method
De Chuck Lorre
Avec Michael Douglas, Ashleigh LaThrop, Alan Arkin
Nationalité U.S.A.
Basé sur une histoire vraie, le film suit une équipe d’excentriques ingénieurs américains menés par le visionnaire Carroll Shelby et son pilote britannique Ken Miles, qui sont envoyés par Henry Ford II pour construire à partir de rien une nouvelle automobile qui doit détrôner la Ferrari à la compétition du Mans de 1966.
Chronique :Je vais juste « partager » mon ressenti, après avoir vu ce film en avant-première…Je précise avant que je ne suis pas un fan de voitures ni de courses, mais simplement un amateur de cinéma et fan de C. Bale.Eh bien j’ai adoré ce film, pour plusieurs raisons… D’abord un duo impressionnant des acteurs C. Bale et M. Damon: la relation d’amitié et de respect fonctionne à merveille! Ensuite une immersion totale dans le monde – passionné et dangereux – des pilotes et des voitures de cette époque des années 1960.
On est vraiment pris aux tripes, on prend littéralement des « coups d’accélération » dans ce film, bref, pour les passionnés de voitures comme les néophytes on en prend plein la vue (et les oreilles) ! Enfin que dire du scénario et de l’histoire, juste un hommage à ces hommes qui relevaient des défis tous les jours, ainsi que le combat entre deux grandes marques automobiles…Comme l’ont dit certains, peu importe le titre du film, ce qui compte c’est de ressentir toute la renommée et l’importance de cette course d’endurance (on sue vraiment par moments avec les pilotes) qui est et restera mythique, à tous égards, en particulier hors de France…
Pendant les 12 années qu’elle dura, l’Affaire Dreyfus déchira la France, provoquant un véritable séisme dans le monde entier. Dans cet immense scandale, le plus grand sans doute de la fin du XIXème siècle, se mêlent erreur judiciaire, déni de justice et antisémitisme.
Chronique : L’homme et l’œuvre, l’œuvre et l’homme. Le débat, vieux débat, s’enflamme, plus que jamais. Mais J’accuse ne nous semblera pas moins bon que si on parle où non de son réalisateur qu’est Polanski Il se nimbera toutefois d’une lumière différente, inévitablement, parce qu’on ne peut pas, ou plus, voir un film sans tenir compte de son actualité. Parce que la libération de la parole des femmes depuis l’affaire Weinstein et le mouvement #MeToo il y a deux ans nous obligent à sortir d’une bulle purement cinématographique. Dans cette réflexion nécessaire, nous avons malgré tout des certitudes. Jamais appeller à la censure d’un film. Jamais substituer à la justice (les faits décrits par Valentine Monnier sont prescrits et Roman Polanski, qui clame son innocence par voie d’avocat, reste présumé innocent selon la loi). N’oublierons ni n’omettrons de rappeler, si nécessaire, que l’histoire du cinéma, comme toute l’histoire du monde, est aussi faite de domination et de violence.
Alors, on fait quoi d’un nouveau film de Polanski sur les écrans ? On le boycotte ? Ce serait présenter l’addition à Louis Garrel (Alfred Dreyfus), Jean Dujardin (Marie-Georges Picquart), à Hervé de Luze le monteur, à Alexandre Desplat le compositeur, à tous les artistes et techniciens qui ont fait un travail remarquable.
Séparer l’homme de l’œuvre ? Impensable avec ce cinéaste-là. Imagine-t-on voir Le Pianiste (Palme d’or 2002) ou même Le Locataire sans se souvenir du gamin juif acculé dans le ghetto de Cracovie dans les années 40 ? Comment appréhender le climat de paranoïa, les représentations du mal et le cynisme dévastateur de nombre de ses films sans imaginer l’individu dont la mère est morte à Auschwitz et dont l’épouse Sharon Tate a été massacrée, enceinte, un soir de 1969 à Los Angeles (le drame a inspiré le dernier Tarantino).
J’accuse nous donne à voir un officier juif clamant son innocence alors qu’il est publiquement dégradé. L’analogie saute aux yeux. C’est ce qui a fait sortir Valentine Monnier de son silence. Le malaise vient ainsi s’ajouter aux nombreuses émotions qui nous traversent à la vision du film.
Le rythme et l’élégance du découpage, dont Polanski demeure un maître, sont pour beaucoup dans l’impression de fraîcheur que dégage le film. Le cinéaste parvient même à donner une dimension ludique à ce récit pourtant lesté de significations historiques fondamentales et finalement très actuelles.
Comme il l’a lui-même écrit, la vie de Roman Polanski est un roman. Mais dont l’épilogue, qui tend de plus en plus vers le sordide, lui échappe désormais totalement.
Note : 9,5/10
Réalisateur. Roman Polanski.
Interprètes. Jean Dujardin, Louis Garrel, Emmanuelle Seigner, Grégory Gadebois, Mathieu Amalric…
Ce n’est pas tous les jours que sort un produit Apple pas cher. Depuis vendredi, le géant de l’informatique a ouvert son service de vidéo en ligne, gratuit une semaine, puis seulement 6 francs par mois. Si l’on souscrit pour une année, on a une petite ristourne, le total est alors de 60 francs. Il faut changer le choix dans les réglages. Afin de jouer sur sa force de frappe dans les appareils, Apple offre une année d’Apple TV + lors de tout achat d’un téléphone ou une tablette.
Sur une Apple TV, l’apparition des fictions TV maison se révèle discrète: celles-ci sont noyées dans l’ensemble, et il faut même farfouiller un peu pour atteindre le bouton d’abonnement. Trois épisodes sont proposés par série, le reste viendra en diffusion hebdomadaire. L’outil se révèle assez fruste: on ne peut éviter ni génériques ni récapitulations.
Désormais, la firme à la pomme entre dans le cercle, qui s’agrandit, des robinets à images produisant du contenu, secteur pour l’heure dominé par Netflix. Que dire de ses premières propositions?
«The Morning Show»: on peut être déçu en bien
La tête de gondole est sans conteste la série coproduite et interprétée par Jennifer Aniston et Reese Witherspoon. Alex (l’ex-Friends, excellente) anime le Morning Show, institution télévisuelle depuis quinze ans, avec son collègue Mitch. Un matin alors qu’elle arrive au studio, elle apprend que celui-ci a été licencié pour harcèlement sexuel. Alex va devoir composer avec une direction de chaîne qui veut aussi la pousser dehors, et une jeune et remuante journaliste que la même direction pousse sous les projecteurs. Le feuilleton a été démoli aux Etats-Unis, on peut se montrer plus nuancé. La bonne idée réside dans le choix d’une narration en continu, chaque journée qui suit le licenciement de l’accusé. Cette temporalité donne une certaine densité au récit. Mais The Morning Show souffre du fait qu’elle risque de ne pas être une grande série sur le monde de la TV, pas plus que sur la question du harcèlement et de l’ère #MeToo.
«For All Mankind»: l’intrigante uchronie de Ronald R. Moore
La plus originale. Ronald R. Moore, qui avait piloté la saisissante Battlestar Galactica des années 2000, se pose la question: que se serait-il passé si les Russes avaient mis les premiers le pied sur la Lune, en 1969? Par ce postulat original, l’auteur développe une uchronie subtile, car sans grands retournements historiques. L’enjeu est d’abord de rattraper le regard, puis de reprendre la main dans la bataille spatiale. Le feuilleton constitue aussi une chronique des vies des astronautes et autres ingénieurs de la NASA, avec femmes et enfants, dans ces années 1960-1970. Agréable saga, mais à ce stade, on se demande toujours ce que Ronald R. Moore veut vraiment raconter.
«Dickinson»: Nouvelle-Angleterre puritaine et rap
L’essai paraît bancal, il énerve même parfois, mais il y a au moins une proposition. La scénariste Alena Smith esquisse une biographie de la poétesse Emily Dickinson lorsqu’elle a 18 ans et s’oppose toujours plus fortement à son milieu. La jeune femme vive et créative est dépeinte comme féministe avant l’heure, toujours en avance sur son époque. Cette ligne donne un caractère assez intempestif au propos. Le choix de séquences accélérées avec rock et rap d’aujourd’hui renforce le caractère plutôt agaçant de l’ensemble.
«See»: rhaaa, worf, plouf
Elle était fort attendue, c’est la pire de l’offre. Dans un futur assez lointain, à la suite d’un virus, il ne reste que 2 millions d’humains vivant dans les bois, et, surtout, devenus aveugles. Le curieux suit les batailles et déplacements d’une tribu poursuivie par l’armée d’une reine qui se masturbe en priant et qui entretient des torches dans son bastion, alors que tout le monde est non-voyant. Ça grogne, ça beugle et ça brame sans fin dans ce post-apocalyptique ennuyeux animé par de ridicules singeries. La seule intrigue qu’inspire cette ânerie consiste à comprendre ce que Steven Knight, le créateur de la singulière Peaky Blinders, compte faire dans ces marécages.
L’offre des débuts comprend également un documentaire animalier et quelques programmes pour enfants, dont un sympathique Snoopy dans l’espace, ou quand le petit chien fait tout pour devenir astronaute. En somme, pour aller chez Ronald D. Moore, le monde d’Apple est petit.
Au fond, même si elles n’ont aucun rapport entre elles, les premières fictions d’Apple ont un point commun clair: elles semblent écrites en roue libre, sans forte tension ni arcs structurés. Il leur manque, en fait, un caractère, de vraies personnalités d’auteurs.
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