The Mandalorian, saison 2, épisode 7 / Chapitre 15

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L’avant-dernier épisode de la deuxième saison se passe de toute prétention. Dès le saut, cet épisode fantastique écrit et réalisé par le vétérinaire de la première saison, Rick Famuyiwa, revient directement à l’entreprise. Din Djarin a besoin de retrouver Moff Gideon et un seul homme peut l’aider: le criminel Mayfeld. Avant de plonger dans les détails, découvrez comment nos amis de The Resistance Broadcast ont réagi à toutes les grandes nouvelles de Star Wars hier , et assurez-vous de consulter leur critique et leur discussion sur le chapitre 14!

Commençons par un bref aperçu avant d’entrer dans les spoilers. Le chapitre 15 est d’une simplicité trompeuse. Le Mandalorien a besoin que Mayfeld déchiffre les codes impériaux pour traquer le navire de Moff Gideon, et ils doivent infiltrer une installation impériale pour le faire. L’épisode semble très familier aux rythmes déjà établis cette saison, la différence majeure étant que Famuyiwa profite de son opportunité en tant qu’écrivain et réalisateur pour ralentir The Mandalorian et offrir certains des moments calmes et de renforcement du personnage que j’ai sentis que la série avait été. manquant.

Mayfeld devient un personnage infiniment plus convaincant qu’il ne l’était la saison dernière, et Bill Burr surprend avec une performance nuancée qui se classe parmi les meilleures de la série jusqu’à présent. Lui et Din Djarin infiltrent une base impériale sur une planète éloignée pendant que le reste de l’équipage, y compris Cara Dune, Fennec Shand et Boba Fett jouent leurs rôles relativement petits dans le câprier. Des complications s’ensuivent naturellement, mais l’épisode tourne autour de l’excellente performance de Burr et de l’influence conséquente de Mayfeld sur Din Djarin en cours de route.

Il ne fait aucun doute que Din Djarin obtiendra ce qu’il veut. Le comment n’a presque pas d’importance, mais où il finit à la fin de cet épisode est beaucoup plus intéressant que le chemin qu’il a pris là-bas. L’épisode se termine par un coup de grâce de Din qui enverra des frissons dans le dos des fans et des Moffs ambitieux partout. Il ne reste qu’un seul épisode dans une saison qui a vu la série voler plus vite que la lumière dans une intersection avec la plus grande histoire de Star Wars, même si elle se concentre résolument sur le voyage personnel de The Mandalorian.

Spoilers à partir de maintenant.

Cara Dune renvoie Mayfeld à sa garde sur la planète prison junky sur laquelle il détruit les TIE Fighters. Aussitôt, il est enrôlé dans le plan pour obtenir des renseignements sur le vaisseau de Gideon. Ils doivent accéder à un terminal dans une installation impériale pour le faire, ce qui nécessitera un scan facial. Mayfeld part avec Din et Cara à bord de Slave I , ce qui vous fait ne pas manquer le Razor Crest (RIP Razor Crest ). Comme ça, l’équipage est sur une planète jungle appelée Morac et cherche à pénétrer dans la base impériale. Il y a beaucoup de bases impériales dans la bordure extérieure , semble-t-il.

La dune mandalorienne Fennec Cara

Cette installation particulière traite quelque chose appelé rhydonium, un carburant volatil pour vaisseau spatial qui est plus qu’un peu comme du coaxium. Une petite bosse fait boum et malheureusement pour les Impériaux, les pirates locaux harcèlent leurs convois. Le seul moyen d’entrer dans l’établissement? Le convoi. C’est là que l’épisode se distingue vraiment. Bien que l’action soit très familière – la pièce de théâtre des pirates attaquant inévitablement le transport de fret impérial (un mini-Turbo Tank) en rappelle plusieurs autres dans la série – le jeu du personnage ne l’est pas.

Din Djarin ne peut pas simplement entrer dans l’établissement habillé en Beskar, alors il abandonne son armure pour celle d’un pilote impérial. Lui et Mayfeld conduisent le transport le long de la route dangereuse de l’installation. En chemin, Mayfeld, un ancien impérial, commence à s’ouvrir. Il est clairement mal à l’aise de traîner autant de ses anciens copains. Alors qu’il commence à parler, il commence à grignoter Din. «Les règles changent-elles?» il demande. «Je pensais que vous ne pouviez pas enlever le casque?» Din porte maintenant un casque impérial, mais cela lui convient autant que la situation.

Empire, Nouvelle République, dit Mayfeld. C’est tout pareil. Comme les Mandaloriens. Bien que ce ne soit pas dit, l’implication est qu’il n’y a aucune différence entre les sectes du peuple mandalorien, un thème qui s’est lentement développé en arrière-plan cette saison. Les règles selon lesquelles Din vit – The Way – n’ont pas de sens dans le contexte de Mandaloriens comme Bo-Katan et Boba Fett. Les règles changent selon les circonstances, et ce qui était autrefois un dogme devient inutile lorsque la pression est suffisante.

Les pirates mandaloriens

Din Djarin est exposé de nombreuses manières lors de l’attaque des pirates. Sans son armure, les pirates le submergent. Il réussit finalement à les empêcher de faire exploser le rhydonium sur le transport car ils en ont plusieurs autres, mais certaines de ses armures se cassent. Ce n’est pas seulement son armure pratique qui le fait. À l’intérieur de l’établissement, Mayfeld se replie à la vue de son ancien commandant. Il ne peut pas accéder au terminal. Din Djarin doit le faire et pour le faire, il doit enlever son casque. La guerre au sein du Mandalorien atteint son paroxysme et The Way perd.

Pedro Pascal parvient à respirer un moment alors qu’il obtient l’emplacement du navire de Moff Gideon. La scène se déroule alors que l’ancien officier de Mayfeld l’aborde. Mayfeld invente une histoire sur Din étant malentendant, ce qui les conduit tous les trois à partager un verre et un toast. La scène devient sombre et amère alors que Mayfeld se souvient des officiers et des civils impériaux morts – cinq à dix mille d’entre eux – qui sont morts dans cette bataille. Il souffre manifestement de SSPT, tressaillant à l’idée de cela et la joie de son ancien commandant qu’un jour bientôt, cette bataille pâlira en comparaison.

Bill Burr est fantastique dans cette scène. Il éclate avec une colère silencieuse, tirant sur son commandant puis sur d’autres soldats dans la salle à manger (qui, pourquoi est un terminal d’accès si critique dans la salle à manger?). Lui et Din Djarin s’échappent par une fenêtre, sous le couvert des snipers Fennec et Cara. Beaucoup de soldats le mangent alors que Boba fonce dans le Slave I et extrait l’équipe. Mayfeld souffle le rhydonium sur les quais comme cadeau d’adieu et pour ses ennuis, obtient une sorte de pardon de Cara Dune. Je m’attendais à ce qu’il reste avec l’équipage, mais il repart pour une nouvelle vie. Peut-être qu’il reviendra sur la route.

Le mandalorien Din Djarin

L’épisode se termine avec Moff Gideon à bord de son croiseur. Il reçoit un message holographique – un avertissement, vraiment – de Din Djarin. Dans un renversement de leur même conversation dans l’avant-dernier épisode de la première saison, The Mandalorian cite le mot à mot impérial. «Vous pouvez penser que vous savez ce que vous avez. Il compte plus pour moi que vous ne le saurez jamais. La bataille est lancée et Moff Gideon ne sourit plus. C’est un grand épisode qui n’augmente pas nécessairement les enjeux, mais qui livre le personnage et les thèmes que la saison a construits.

Le thème de l’identité et de savoir si une personne est plus sûre de sa foi qu’en elle-même revient de manière unique dans cet épisode. L’ancien commandant de Mayfeld dit à propos de la nouvelle République naissante: «Tout le monde pense vouloir la liberté. Mais ce qu’ils veulent vraiment, c’est de l’ordre. On pourrait dire la même chose de Din Djarin, du moins avant de rencontrer Grogu. Il a suivi aveuglément la voie mandalorienne, pour autant qu’il la comprenne. Mais maintenant, il comprend qu’il existe une autre voie, qui dépend de l’enfant et qui compte tellement pour lui.

The Mandalorian, saison 2, épisode 6 / Chapitre 14

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Un autre personnage classique de « Star Wars » apparaît dans le dernier épisode de « The Mandalorian », réalisé par Robert Rodriguez.

"Le Mandalorien"

Boba Fett est de retour!

OK, ce n’est donc pas la seule chose qui s’est produite dans le dernier opus de «The Mandalorian», mais même dans un épisode plein de surprises, le retour du légendaire chasseur de primes était facilement le point culminant. Comme l’épisode stellaire de la semaine dernière , « Chapitre 14 – La tragédie » a donné à Mando (Pedro Pascal) une excuse pour faire équipe avec un personnage  » Star Wars  » préféré des fans pour toutes sortes de scènes d’action tout en continuant à faire avancer le récit central de la saison. En ce qui concerne le titre de l’épisode, il y a en effet eu plusieurs événements tragiques au cours de ses 30 minutes, mais nous y reviendrons dans un instant.

«Chapitre 14» s’ouvre avec Mando et Grogu (la marionnette anciennement connue sous le nom de Baby Yoda) en route vers Tython pour trouver, espérons-le, un Jedi capable de former correctement Grogu dans les voies de la Force. Les liens du duo ont été mis en évidence tout au long de la saison 2 et le «chapitre 14» souligne le chemin parcouru depuis que Mando a involontairement rencontré Grogu lors de la première de la série en 2019. Il est difficile de discerner les émotions de Mando sous toute cette armure, mais son petit rire chaque temps Grogu répond immédiatement à son nom et l’écoute activement pour démentir le fait qu’il a une affection claire pour l’enfant. Cela dit, Mando comprend également que les manières de la Force, ou «trucs Jedi», d’utiliser sa terminologie, sont au-delà de sa compréhension et est déterminé à terminer sa mission pour le bien de Grogu, même si cela signifie perdre son meilleur ami.

The Mandalorian season 2 release schedule: what time does episode 8 air on Disney Plus? | GamesRadar+

Et donc, ils atterrissent sur Tython. C’est un peu décevant que les débuts en direct de Tython ne servent principalement que de toile de fond montagneuse fade pour l’action qui s’ensuit – Tython détient une valeur de tradition significative pour la franchise et était la planète où l’Ordre Jedi est né – mais c’est mineur plainte, étant donné le rythme serré de l’épisode et une myriade d’autres points forts.

En ce qui concerne l’action qui s’ensuit, peu de temps est perdu avant que l’excursion de Mando et Grogu ne passe de côté. Grogu commence finalement à méditer sur la pierre que le duo cherchait, et quelque chose se passe. Les résultats de la tentative de Grogu d’atteindre un Jedi seront vraisemblablement révélés à une date ultérieure, mais en attendant, Grogu est entouré d’une sorte de champ de force tout en méditant et Mando découvre un navire particulier se préparant à atterrir à proximité.

Comme les fans de la franchise le reconnaîtront immédiatement, ce vaisseau particulier se révèle être l’esclave de Boba I.

L’entrée de Boba (Temeura Morrison, qui a incarné Jango Fett, le père de AKA Boba, dans le film «Attack of the Clones» de 2002) est gérée avec l’enthousiasme auquel on peut s’attendre pour un personnage aussi légendaire: Slave I descend on the planet, suivi par Mando ducking d’une tempête de coups de semonce d’un assaillant invisible. Boba parle hors écran avant d’apparaître comme une silhouette encapuchonnée, puis se révèle à Mando en entier et explique sèchement sa présence. La révélation du visage de Boba pourrait ne pas avoir le même impact que la première apparition d’Ahsoka dans l’épisode de la semaine dernière – ce n’est pas comme si Boba avait révélé son visage dans la trilogie originale du film «Star Wars» et le personnage ne revêt son armure emblématique que plus tard dans l’épisode – mais l’incarnation de Morrison du chasseur de primes est si parfaite que cela n’a guère d’importance.

Boba a suivi Mando pour acquérir son armure, et il a amené un autre personnage populaire pour terminer le travail. Fennec Shand (Ming-Na Wen), l’assassin d’élite qui a apparemment été laissé pour mort lors de la première saison de la série, a été sauvé par Boba – oui, ces bottes à la fin du cinquième épisode de la saison 1 étaient effectivement portées par Boba – est son nouveau partenaire, et a encore un compte à régler avec Mando. Une brève mais nécessaire exposition est abandonnée pour Mando et les téléspectateurs qui ne connaissent pas l’histoire de Boba et Fennec, et les trois acceptent rapidement de mettre de côté leurs différences lorsqu’une petite armée de Stormtroopers descend sur la planète.

Et avec cela, le réalisateur de l’épisode Robert Rodriguez (qui fait un superbe début de réalisateur «mandalorien») relâche les rênes pour environ 11 minutes d’action non-stop. Mando, Fennec et en particulier Boba obtiennent leurs moments sous les projecteurs de l’action et il y a un mélange louable des fusillades de blaster attendues et de l’utilisation d’outils de meurtre plus éclectiques, tels qu’un rocher géant et le bâton Gaderffi de Boba traditionnellement utilisé par Tusken Raiders (mêlée brutale de Boba Les séquences sont particulièrement satisfaisantes, mais mec , regarder les Stormtroopers se faire matraquer à mort rend vraiment leur armure prétendument haut de gamme complètement pathétique.)

Les choses vont bien pour les protagonistes. Puis le Star Destroyer de Moff Gideon (Giancarlo Esposito) détruit le vaisseau de Mando d’un seul coup.

Le navire de Mando a traversé l’enfer dans la saison 2 et le regarder se mettre en pièces en un instant était un coup de poing vraiment inattendu – Mando se souciait probablement plus de ce vaisseau qu’autre chose, sans son armure et Grogu.

Mando peut à peine enregistrer sa perte avant que Gideon envoie une escouade de Dark Troopers (les Battle Droids évoqués plus tôt dans la saison ) après Grogu. Les Dark Troopers n’ont pas beaucoup de temps à l’écran, mais leur présence sinistre est encore renforcée par un thème palpitant de Ludwig Göransson, dont le travail toujours fantastique sur «The Mandalorian» ne peut être surestimé. Les Dark Troopers éloignent Grogu et Mando se retrouve sans son vaisseau ni son ami. «La tragédie», en effet.

Étant donné que Boba et Fennec n’ont pas réussi à tenir leur part de l’accord – Mando abandonnerait son armure si Boba et Fennec protégeaient Grogu – le trio fait la paix et partit pour Navarro pour voir si Cara Dune (Gina Carano) peut trouver une avance sur Gideon. La prochaine cible de Mando – et probablement l’objet de l’épisode de la semaine prochaine – se révèle être Mayfeld (Bill Burr), l’ex-impérial grossier qui est apparu dans la saison 1.

Quant à Grogu, la scène de clôture de l’épisode montre la créature lançant avec colère deux Stormtroopers avec la Force pendant que Gideon observe à proximité. Tout comme la brève scène de la saison 1 de «The Mandalorian» où Grogu Force a étouffé Cara Dune lors d’un match de bras de fer inoffensif, il y a quelque chose de terrifiant à regarder la petite créature utiliser violemment ses pouvoirs de Force considérables en raison de son état émotionnel – c’est presque comme si Grogu est une version bébé non formée de Yoda. (Haleter!)

On ne sait toujours pas exactement quels sont les plans de Gideon pour Grogu ou si Boba et Fennec apparaîtront dans les deux épisodes restants de la saison, mais « The Tragedy » a placé les enjeux plus élevés que jamais pour Mando.

Papillon de nuit de R. J. Ellory, complainte pour la liberté

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R. J. Ellory fait partie de mes auteurs préférés. Il n’est pas l’auteur qui va mettre en place l’histoire la plus mouvementée, il n’est pas l’auteur qui va s’enraciner dans une routine paresseuse en créant des personnages récurrents. R. J. Ellory et sa plume sont plus intéressés par la noirceur de l’âme humaine et des conséquences que cela entraîne sur ses personnages. Un auteur qui a fait des ténèbres humaines et de la tristesse qui les accompagnent sa marque de fabrique.

Papillon de nuit est le tout premier roman écrit par l’auteur mais comme bien souvent il n’est pas le premier à avoir été publié en France, les aléas de l’édition font qu’il n’a trouvé les étales des librairies françaises que douze ans après sa publication. On y retrouve déjà la plume mélancolique qui va faire la renommée de l’auteur.

L’ouvrage est une traversée à travers l’Histoire des États-Unis durant presque trois décennies. Trois décennies faites de violence, de haine, de meurtres et de racisme. Malheureusement pour l’ouvrage et mon plaisir de lecture, j’ai entamé la lecture de ce livre après avoir baigné quasiment toute l’année 2020 dans cette ambiance sudiste propre à l’Amérique. Il y a d’abord eu les deux livres de Greg Iles qui se veulent comme un exposé touffu sur une dynastie raciste puis le récit magistrale de Joe R. Lansdale les marécages qui nous plongent au plus près du quotidien sudiste des années 30. Plus tôt dans l’année j’ai lu le polar Darktown de Thomas Mullen dans lequel les premiers flics de couleurs se débattent avec un racisme omniprésent. Enfin la mini-série Watchmen produite par HBO explore aussi beaucoup les tensions raciales de l’Amérique, sans oublier l’actualité internationale qui nous rappelle constamment que les États-Unis n’ont toujours pas exorcisé leurs vieux démons racistes. Je crois que j’en suis tout simplement arrivé à un point où il faut que je fasse une pause avec cette partie de la culture et de l’histoire américaine. Aussi poignants et intéressants soient-ils, les récits issus de cette période de l’Amérique sont aussi très difficiles à lire, surtout lorsque l’on s’intéresse à ce qu’il se passe dans ce pays actuellement. J’en ai tout simplement assez de leur haine rance, de leur idéologie infâme et de leurs crimes inspirés par la peur de voir leurs privilèges disparaître. Je vais m’efforcer d’aller vers d’autres cultures, d’autres Histoires nationales pour l’année à venir.

Ce long aparté pour vous faire comprendre que l’ouvrage d’Ellory ne m’a malheureusement pas appris grand chose sur la mentalité américaine de l’époque. Le point de vue du personnage principal, Daniel, sur les grands moments de l’Histoire de son pays est vu et revu et les témoignages qu’il recueille auprès d’un autre prisonnier sont émaillé de théorie complotiste pas très convaincante tandis que je connaissais déjà l’histoire de la création de Klux Klux Klan . La retranscription de cette période de l’Histoire des États-Unis est beaucoup plus convaincante lors des flashbacks qui mettent en scène Daniel et son meilleur ami Nathan.

C’est là que la plume D’Ellory fait des merveilles. Quelques mots suffisent à l’auteur pour recréer dans les pages de son roman une époque bénie où les sodas coûtaient quelques cents et où deux enfants pouvaient se réchauffer sous le soleil de Caroline du Sud, au bord de la rivière tout en pêchant du poisson. Une innocence toute relative car, très vite, le spectre du racisme refait surface mais qui a l’avantage d’apporter un souffle de nostalgie sur un récit très mélancolique. Le récit au présent est, en effet, empreint d’une tout autre ambiance, la résignation, la résilience et la mélancolie domine largement, ainsi qu’une rage sourde, restait trop longtemps enfoui. Impossible de ne pas ressentir d’emphatie pour ce personnage tragique qu’est Daniel, victime d’une machinerie judiciaire qui ne lui a laissé aucune chance et qui conserve dans sa cellule autant de fantômes et de regrets qu’une vie ne saurait les compter.

Le recit en lui-même n’offre pas de retournements de situation affolants, on les voit venir de loin. Comme je l’ai dit plus haut ce n’est pas par ces éléments que l’auteur a su se faire remarquer, même si par la suite il saura mettre en scène de jolis twists dans ses romans ultérieurs. Malgré les flashbacks, la narration se révèle linéaire. C’est sans doute voulu par l’auteur et le procédé fonctionne, on a parfois l’impression d’être avec Daniel dans sa cellule à pleurer sur ce qui a été et ne sera plus jamais. Cependant le final se révèle quelque peu convenu.

Ce premier roman révèle déjà toute l’étendue du talent de R. J. Ellory qui finira par établir la réputation de l’auteur auprès des lecteurs friands d’ambiance sombre et mélancolique. Mais il a le malheur d’arrivé un peu tard dans mon parcours de lecteur pour que je puisse profiter de toute sa profondeur historique.

Résumé: Assassinat de Kennedy, guerre du Vietnam, luttes pour les droits civiques, Ku Klux Klan : c’est dans cette Amérique en crise des sixties que Daniel Ford a grandi. Et c’est là, en Caroline du Sud, qu’il a été accusé d’avoir tué Nathan Verney, son meilleur ami.
1982. Daniel est dans le couloir de la mort. Peu de temps avant son exécution, un prêtre vient recueillir ses dernières confessions. Bien vite, il apparaît que les choses sont loin d’être aussi simples qu’elles en ont l’air. Papillon ne nuit, premier roman publié de R. J. Ellory, nous emporte là où rodent la folie et le complot.

  • Poids de l’article : 300 g
  • ISBN-10 : 225318442X
  • ISBN-13 : 978-2253184423
  • Dimensions : 11.1 x 6.6 x 36 cm
  • Éditeur : Le Livre de Poche (1 février 2017)
  • Langue : : Français

Harleen de Stjepan Šejic, folie trop douce

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Introduite dans la série animée désormais culte des années 90 et sobrement intitulé batman, le personnage d’Harley Quinn fut ensuite intégré au monde des comics en devenant une nouvelle ennemie régulière du chevalier noir avant d’être intronisée icône de la pop culture par le biais d’une série de films à la qualité discutable. Et je dois avouer que ce personnage m’a toujours posé un problème, une sorte de dichotomie insoluble. D’un côté je trouvais son personnage de peste criminelle réjouissant, ses interventions apportées un vent de fraicheur dans la relation entre batman et le joker dans une Gotham souvent glauque et sordide. De l’autre j’avais du mal à comprendre comment une psychiatre avait pu basculer dans la folie criminelle aussi facilement et les différentes références à ses origines ne m’avaient jamais vraiment convaincu. Et malheureusement ce n’est pas cette nouvelle itération sur son origin story, signé par le brillant illustrateur Stjepan Šejic, qui va parvenir à boucler le dossier Harley Quinn.

On va tout d’abord évacuer l’aspect graphique de l’ouvrage. C’est magnifique, il n’y a pas d’autres mots. Šejic signe des planches d’une beauté à coupé le souffle. Il y a un énorme travail de recherche sur la composition des cases, sur les ombres et la lumière et les couleurs, le rouge surtout et en opposition des couleurs plus ternes. Bien évidemment le Joker et sa conquête occupent la première place mais l’auteur offre aussi de belles mise en image pour d’autres personnages comme poison ivy ou encore double face. Le thème de l’arlequin est présent dès les premières pages, histoire de rappeler au lecteur que la folie guette.

L’ombre de Quinn plane sur Quinzel

Le personnage D’Harleen est au centre de ce jeu de faux-semblants que met l’auteur en place. Pas toujours de manière subtile mais cela a le mérite d’accrocher le regard. Ainsi Harleen ne sera vêtu que de couleurs ternes ou sombres durant le premier chapitre, sauf après son premier jour de travail à l’asile d’Harkam où elle enfilera en haut aussi rouge que sa confiance en elle est fragile, comme si l’image qu’elle renvoie au monde s’était mis à compter pour elle suite à ce poste inespéré. Puis les vêtements sombres et ternes reprennent le dessus à mesure qu’elle fait face à l’immensité de sa tâche avant de faire un retour inattendu lorsqu’elle se heurte à la folie destructrice de la ville de Gotham. Le rouge domine tout le troisième chapitre, le symbole de l’arlequin est omniprésent, le point de rupture se rapproche.

Et ce n’est pas la plus belle planche de l’album

J’aurais aimé que ce déploiement graphique soit au service d’un scénario intelligent et qui aurait permis de mettre le doigt sur la dangerosité de personnalité manipulatrice du Joker mais malheureusement il n’en ait rien. On va passer sur quelques raccourcis scénaristiques qui s’expliquent par le format court imposé à l’auteur par l’éditeur mais je reste quand même dubitatif sur le plan final d’un adversaire bien connu de batman et surtout sur l’imbécilité de ses hommes de main qui auront au moins la décence d’être éjecté du récit assez rapidement. Mais c’est sur le cœur de son récit que l’auteur fait chou blanc.

Il échoue en effet à nous conter une relation crédible entre le Dr. Quinzel et son patient. La manipulation du Joker manque de subtilité tandis que la psychiatre diplômée peine à convaincre dans son rôle de chercheuse tant les termes liés à la psychiatrie se font rare. Ses réflexions personnelles sur les patients dont elle a la charge tiennent plus du verbiage de remplissage que du diagnostic de professionnelle. L’auteur parvient à écrire une Harleen Quinzel crédible en tant que jeune femme fragile et isolé mais jamais à lui faire revêtir une blouse blanche de manière crédible. Quant au Joker sa représentation en mannequin criminel peut évidemment s’expliquer par la représentation que s’en fait Harleen, après tout c’est elle qui nous narre son récit, mais il n’en reste pas moins que c’est un Joker un peu fade que nous est donné à voir dans ces pages.

Une plongée bien trop lisse dans la folie

Ce nouveau graphic novel du black label de DC comics, qui à bien du mal a convaincre, prouve une fois de plus à quel point il est difficile d’écrire la folie sans tomber dans la facilité. Après tout bien peu d’auteurs sont parvenus au fil des années à écrire correctement le Joker, pas en tant que nemesis ultime de batman, mais en tant qu’avatar de la folie destructrice et ravageuse. L’effort de Stjepan Šejic est louable mais reste à l’état d’essai timide et trop lisse pour être convaincant.

Résumé: Après des études mouvementées qui ont entamé sa confiance en elle, la jeune psychologue Harleen Quinzel pense enfin avoir décroché le poste de ses rêves en étant embauchée à l’Asile d’Arkham afin d’apporter son soutien et son expertise aux plus grands criminels de Gotham. Mais il est un être au sein de cet asile qui va à la fois faire chavirer son esprit et son coeur : le Joker ! Petit à petit, Harleen va se laisser séduire puis sombrer dans un abîme de folie y laissant à tout jamais son innocence et ses illusions perdues.

  • Poids de l’article : 1.02 kg
  • Relié : 224 pages
  • ISBN-13 : 979-1026816065
  • Dimensions : 22.2 x 1.8 x 28.2 cm
  • Éditeur : Urban Comics Editions (12 juin 2020)
  • Langue : : Français

Idéalis tome 1 à la lueur d’un étoile inconnue de Christopher Paolini, je t’ai dans la peau

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Après s’être fait un nom dans le milieu littéraire avec sa saga de fantasy Eragon, l’autre succès young adult des années 2000, Christopher Paolini revient avec une nouvelle saga. Une saga de science-fiction cette fois-ci, on reste sur les terres de l’imagination, l’auteur invente un univers solide, très référencé, qui pose les bases d’une nouvelle épopée épique.

Les amateurs de science-fiction ne seront pas dépaysés à la lecture de cette nouvelle saga. De multiples références à des oeuvres devenues cultes parsèment l’ouvrage à commencer par le film Alien de Ridley Scott. Plus tard c’est la saga vidéo-ludique Mass effect qui s’invite dans le vortex de références qui soutiennent Idéalis. Il y en a sans doute d’autres qui m’on échappées. Cet aspect très référencé ancre le récit dans un voyage extrêmement balisé qui n’a rien d’original mais reste plaisant à lire. Le récit reste très accessible malgré l’omniprésence d’une technologie imaginaire, il suffit d’avoir lu ou vu une ou deux œuvres de science-fiction pour saisir immédiatement les concepts qui constituent cet univers.

Le récit se focalise sur Kira, l’héroïne de cette nouvelle saga. L’auteur a la bonne idée de nous la présenter comme une fille simple. Malgré son métier d’exobiologiste et sa batterie de diplôme, elle n’aspire qu’au bonheur familial et à la stabilité. Impossible de ne pas ressentir de l’empathie pour elle lorsque son monde implose. Une héroïne positive et pleine de ressources auquel il est aisé de s’identifier. Il n’y a que vers le second tiers du récit que l’auteur commet un faux pas dans son écriture. En effet, afin de développer certains personnages secondaires, l’auteur n’a rien trouvé de mieux que de lancer Kira dans une suite de questions réponses assez intrusive et forcés. La démarche paraît artificielle tout comme les prétextes trouvés par l’auteur pour justifier ces confessions. Mais à part ces écarts, qui permettent quand même d’épaissir des personnages secondaires attachants mais là aussi très classiques, Kira campe parfaitement l’héroïne embarquée malgré elle dans l’aventure et qui découvrira les mystères intersidéral en même temps que le lecteur.

Malgré son nombre de pages conséquents, près de 800 si l’on excepte ses appendices et la postface, le rythme est soutenu. L’auteur ménage les passages de tension, les scènes d’action et les instants plus calmes sans que l’on ressente jamais un manque de souffle. Le fait que certaines informations primordiales aux mésaventures de Kira transite par ses rêves est par contre assez regrettable car certaines informations restent nébuleuses. Ces passages brisent quelque peu le rythme de lecture sans pour autant être fondamental au développement du récit. Il faudra d’ailleurs un long dialogue vers la fin du livre pour tamiser la masse d’informations recueillies durant ce premier tome pour que l’on y voit un peu plus clair. L’auteur maîtrise donc parfaitement sa narration mais pas encore complètement la manière dont il transmet les clés de son récit.

Un premier tome convaincant, une nouvelle saga qui ne réinvente rien mais qui promet des heures de lectures passionnantes dans un univers bien construit en compagnie d’une héroïne attachante.

J’en profite pour remercier le site babelio et les Éditions Bayard qui m’ont envoyé l’ouvrage dans le cadre d’une opération masse critique.

Résumé: Kira Navárez rêvait d’un monde nouveau.
Elle vient de réveiller un cauchemar d’une ampleur intersidérale…
Lors d’une mission de routine sur une planète inconnue, Kira découvre un organisme vivant d’origine extraterrestre. Fascinée, elle s’approche de l’étrange poussière noire. La substance s’étend sur tout son corps et commence à prendre le contrôle. Kira, en pleine transformation, va explorer les dernières limites de sa condition d’être humain.
Mais quelle est l’origine de cette entité ? Quelles sont ses intentions ?
La scientifique n’a pas le temps de répondre à ces questions : la guerre contre les aliens est déclarée, et Kira pourrait bien être le plus grand et le dernier espoir de l’humanité.

  • Poids de l’article : 1.22 kg
  • Broché : 848 pages
  • ISBN-13 : 979-1036325069
  • Dimensions : 15.3 x 4.5 x 22.8 cm
  • Éditeur : Bayard Jeunesse (14 octobre 2020)
  • Niveau de lecture : 12 et plus
  • Langue : : Français

N’ÉCOUTE PAS | Film sur NETFLIX | Critique

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Après un événement dramatique dans la maison qu’il rénove, un homme entend l’appel au secours d’un fantôme, ce qui l’incite à consulter un expert en paranormal. N’écoute pas est un film réalisé par Ángel Gomez avec Rodolfo Sancho, Belén Fabra / Disponible sur Netflix

Le scénario de Santiago Díaz se focalise sur une vieille bâtisse isolée dans laquelle emménage un couple qui compte la rénover. Mais rapidement, leur jeune fils entend d’étranges voix et bientôt le drame va s’abattre sur la famille.

Le film d’Ángel Gómez Hernández est vraiment très réussi. Il exploite parfaitement le grand bâtiment, central dans l’histoire, et sait jouer régulièrement avec les ombres et les impressions pour faire monter la tension et créer un effroi de plus en plus important.

En effet, le long métrage fait vraiment peur. L’atmosphère très inquiétante apporte un environnement vraiment recherché et crée le malaise dès la scène d’ouverture. D’autant que les codes du cinéma ibérique s’éloignent de ceux américains, dont on a plus l’habitude, et que cette œuvre d’horreur ne fait jamais aucune concession.

L’ambiance sombre, et parfois crépusculaire, qui règne sur le récit doit beaucoup au très beau travail sur les décors d’Óscar Sempere et à la photographie de Pablo Rosso. Celui sur le son est aussi remarquable et crée une aura acoustique particulièrement délétère.

L’interprétation est très bonne. Rodolfo Sancho est impeccable en père de famille essayant de trouver une solution paranormale à ses problèmes. Belén Fabra est sympathique en mère de famille. Lucas Blas est très juste dans le rôle de leur fils. Ramón Barea est vraiment intéressant en spécialiste des écoutes extranaturelles. Et Ana Fernández campe fort bien sa fille lui servant d’assistante.

L’œuvre ne se focalise pas sur les jump scare. Mais avec un savant jeu d’ombre, une intelligente utilisation de la vidéo, de beaux maquillages et des décors très intéressants, l’angoisse fait très souvent son apparition. Sans compter que dans le récit, l’œuvre réserve de véritables surprises sans faire de cadeau à personne.

Restez bien jusqu’à la fin du générique final afin de découvrir une dernière scène qui peut laisser entrevoir une suite, si ce long métrage a du succès.

N’écoute pas est un très bon film d’horreur qui a des passages vraiment effroyables et propose quelques séquences particulièrement marquantes. Avec un récit qui se tient bien, une réalisation très inspirée et de bons acteurs, l’œuvre est à éviter de regarder seul en pleine nuit si on est un peu sensible à ce genre. Par contre si vous l’appréciez, vous passerez un très bon moment en compagnie de cette maison hantée de bien sinistre augure.

Remerciements : unificationfrance

Mank (4 décembre 2020) Sur Netflix De David Fincher Avec Gary Oldman, Amanda Seyfried, Lily Collins

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Dans ce film qui jette un point de vue caustique sur le Hollywood des années 30, le scénariste Herman J. Mankiewicz, alcoolique invétéré au regard acerbe, tente de boucler à temps le script de Citizen Kane d’Orson Welles. 

Chronique : Nous attendons à une époque qui croit aux symptômes de malaise. Nous nous demandons si nous pourrions glisser. Le business de l’image se sent mort sur ses pieds. Il est donc plus facile de supposer que le nouveau film, Mank, a été fait d’une sorte de souhait de mort. Le réalisateur David Fincher , ou Netflix, pense-t-il vraiment que le public va se soucier de l’élection au poste de gouverneur de Californie en 1934, ou reprendre tous les plaisirs du film? Pourquoi est-ce David Fincher si personne n’est assassiné? Pourquoi le temps passé à l’écran pour Louis B Mayer, Irving G Thalberg et David O Selznick – des célébrités aux initiales intermédiaires que le public ne peut pas placer? Et pourquoi le projet dément a-t-il embauché un acteur de 39 ans, Tom Burke, pour jouer Orson Welles, qui avait 25 ans en 1940, quand cela comptait?

Un grand réalisateur américain ... Citizen Kane.

Vous devez commencer par le prodige nommé Orson . Terminé avec une éducation formelle à 16 ans (en 1931), le gamin de Kenosha, Wisconsin, avait explosé. En 1938, il était tristement célèbre et adorait ça. Il avait cofondé le Mercury Theatre (avec son cher ami John Houseman); il avait monté une production Harlem de Macbeth, faite comme un rite vaudou; il avait réalisé et joué dans César (comme dans Jules) et Heartbreak House (jouant un homme dans les années 80); et il avait été le guide radio de la voix – baryton, séduisant mais souvent au bord du faux – pour le Mercury Theatre of the Air. C’est à ce titre, à Halloween 1938, qu’il a effrayé la nation avec une version de La guerre des mondes de HG Wells, dans laquelle des idiots crédules pouvaient croire que le New Jersey était envahi par des zombies martiens.

Welles a été assiégé par des offres d’Hollywood pour faire un film – presque n’importe quel film, et à ses propres conditions. Il savait tout. C’était un maestro. «Là, mais pour la grâce de Dieu, va Dieu», disaient les gens – ou était-ce les espiègles Welles qui l’ont dit? Dans ce club dense et paranoïaque, Hollywood, il était détesté, craint et envié.

Puis il se heurta à un obstacle. Ayant carte blanche pour ses débuts au cinéma, il ne pouvait pas décider quoi faire ni comment l’écrire. Il devenait frustré et en colère face à ce dilemme, et c’était un grand garçon avec un tempérament effrayant. Il y a eu une bagarre furieuse au restaurant Chasen où Welles a jeté des plats chauds à Houseman. Cela a mis fin à la relation de travail la plus durable qu’Orson aurait jamais eue. Houseman était très créatif bien qu’impressionné par Welles, et à moitié amoureux de lui – peut-être les deux tiers – et il est présenté dans Mank comme un abruti fusspot.

Houseman était soudainement un paria. Sur quoi, Welles pensa enrôler Herman J Mankiewicz comme scénariste de sauvetage. Mank avait 43 ans en 1940 (Gary Oldman a 62 ans). Il était brillant mais lavé, un esprit célèbre et un ivrogne chronique. Il n’avait jamais rien écrit à distance comme Citizen Kane – et il ne l’a plus jamais fait – mais il était intrigué par le schéma d’un film sur un grand réalisateur américain, tout comme il était fasciné par le scandaleux et enfantin Orson.

Très créatif ... John Houseman en 1940.

Orson était plein d’idées (et il était certain qu’il jouerait le grand réalisateur). Mais il a deviné que l’écriture serait mieux faite sans sa présence. Mank avait eu un accident de voiture. Avec une jambe cassée à trois endroits, il avait besoin de se reposer au lit. Ainsi, une belle configuration a été conçue: Mank serait expédiée dans un ranch du désert avec une bonne secrétaire pour rédiger une ébauche du scénario. Mais il y avait des soucis: Mank était incorrigible, habile à trouver de l’alcool dans un désert, et pas exactement disciplinée. Il avait besoin de soins. L’idée est née – et elle devait venir d’Orson ou avoir son approbation – que Houseman pourrait être le gardien idéal à Rancho Verde, au bord du désert de Mojave. Si son amour blessé pouvait être courtisé à nouveau.

Houseman a consenti et je pense qu’il s’est rendu compte que Welles le voulait pour une raison sournoise: que le grand réalisateur de leur histoire serait basé sur Orson. Plus tard, la légende s’est répandue selon laquelle le personnage ressemblait à William Randolph Hearst . Il y avait plusieurs touches de Hearst à Kane . Mais la notion d’un talent éblouissant et arrogant – un interprète exceptionnel – était le reflet de l’ego bouillonnant d’Orson. Et il savait que personne ne connaissait ce type mieux que Jack Houseman.

Il y aurait des disputes féroces sur qui a écrit quoi: Orson et Mank ont ​​partagé le crédit d’écriture, et le seul Oscar Kane reçu. Cet argument sur la paternité se poursuit. Mais la situation est celle de trois prétendants et manipulateurs jouant une sorte d’échecs. Il n’y a aucune raison pour ce film maintenant sans qu’il saisisse ce jeu imprudent.

Au lieu de cela, Fincher passe deux heures au ralenti avec des choses qui n’ont pas d’importance – une brillance faible, confuse et ennuyeuse sur ce qu’était Hollywood à la fin des années 1930, au lieu d’expliquer comment ce film extraordinaire et subversif est né.

Les Blagues de Toto (En Vod le 3 Décembre & DVD et Blu-ray le 9 Décembre 2020) De Pascal Bourdiaux Avec Gavril Dartevelle, Guillaume De Tonquédec, Anne Marivin

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A l’école, Toto est bien plus doué pour faire rire ses copains qu’écouter les leçons de la maîtresse. Avec ses parents aussi, les blagues de Toto se transforment souvent en catastrophes… La dernière en date

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Chronique : Il ne faut pas mépriser ces films qui nous rendent heureux, qui même s’il sont tout en légèreté, vont plus loin qu’ils n’en ont l’air. Les comédiens sont tous très justes, les enfants sont adorables, j’avoue que j’ai craqué sur le personnage d’Igor que je trouve vraiment drôle et attachant mais les autres sont tous très mignons. J’adore tous les personnages, Guillaume de Tonquédec et Anne Marivin sont parfaits comme toujours, dans leurs rôles de parents aimants malgré tous les problèmes causés par leur fils. Ramzy joue à la perfection un rôle de super-méchant très crédible, il m’a fait penser au personnage de Rambal-Cochet dans le film « Le jouet » de Francis Weber, merveilleusement interprété par l’immense Michel Bouquet. Daniel Prévost est merveilleux lui aussi comme d’habitude. Tous les rôles contribuent à créer une belle alchimie qui nous transporte dans cet univers où on se sent pour un moment hors du temps. Ce voyage tendre et poétique m’a rappelé l’enfant que j’ai été. J’ai eu aussi une pensée émue pour mes propres parents, qui même s’ils se sont sentis démunis face à mes bêtises, ont fait de leur mieux pour m’aimer et m’aider à m’épanouir. C’est la belle morale de ce film, dans la vie chaque chose a son revers, et être parent n’est pas chose aisée, on apprend sur le tas et parfois on se sent perdu face à ces « étrangers » qui même s’ils sont notre chair et notre sang échappent à notre compréhension. Les enfants sont parfois, souvent, ingérables mais le bonheur qu’ils nous procurent, la magie, la lumière qui les accompagnent rendent nos vie plus riches et plus belles. Je conseille à ceux qui veulent s’évader et faire le plein de bonnes énergies de voir ce film qui fait du bien.

Note : 8,5/10

L’Âge de la folie, T1 : Un soupçon de haine de Joe Abercrombie , et une grande rasade de plaisir

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Dans le ciel d’Adua, les cheminées industrielles crachent leur fumée et le monde nouveau regorge de possibilités. Mais les temps anciens ont la peau dure. À la frontière du Pays des Angles, dans un bain de sang, Leo dan Brock cherche à se couvrir de gloire… et à écraser les hordes de maraudeurs. Pour vaincre, il a besoin du soutien de la couronne. Hélas, le prince Orso ne vit que pour trahir…

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Chronique : Difficile de retranscrire en quelques mots la joie que j’ai eu en découvrant que j’allais avoir l’occasion de lire en exclusivité le nouveau roman de Joe Abercrombie. Cet auteur anglais de fantasy est le plus doué mais également le plus irrévérencieux que j’ai pu lire. En cela il s’apparente à ce camarade de classe au lycée qui passait son temps à sécher les cours et défier l’autorité tout en obtenant les meilleures notes.

Abercrombie s’amuse en effet à tordre les codes du genre dans lequel il a décidé de devenir l’une des têtes d’affiche, la fantasy, un genre qui est devenu extrêmement codifié au fil des décennies, au point de paraître parfois sclérosé. Avec deux trilogies déjà parues, trois récits indépendants et un recueil de nouvelles l’auteur est parvenue à redéfinir les codes de la fantasy. Sa recette pour y parvenir est simple, une intrigue faites de complots, de trahison et de guerres absurdes, le tout servie par des personnages complexes à la personnalité bien étudiée et des dialogues taillés sur mesure.

Avec ce premier volume de L’âge de raison il entame le second cycle qui développe l’univers de La première loi, sa toute première saga, dont le twist final m’avait laissé pantois tellement je ne l’avais pas vu venir. Évidemment la lecture de cette première trilogie est chaudement recommandée si vous voulez saisir toutes les références distillées dans le présent ouvrage ainsi que le nouveau statu-quo politique et géopolitique. Les amateurs de cette saga initiale se retrouveront vite en terrain connu tandis que les lecteurs imprudents risquent de sentir une certaine frustration à ne pouvoir saisir toutes les subtilités de l’intrigue. L’auteur profite de ce second cycle se déroulant dans le même univers pour casser un autre code de la fantasy qui veut que le progrès reste au point mort dans les univers fantastiques, condamnés à stagner éternellement dans un moyen Âge où la technologie n’évolue pas. Ici Abercrombie invite la révolution industrielle dans son récit avec toutes les conséquences que cela entraîne.

Mais trêve de tergiversations, ce premier volume d’un nouveau cycle se révèle-t-il à la hauteur des attentes ? En ce qui me concerne c’est un grand oui même s’il faut reconnaître que l’auteur se contente d’aiguiser sa plume avec les mêmes outils et que les connaisseurs de son style ne sauront guère surpris à la lecture ce nouveau roman. Mais la formule à beau être connue elle n’en reste pas moins acérée et efficace.

Ladite formule repose sur des ingrédients simples que certains auteurs, de fantasy mais pas uniquement, feraient mieux de reprendre à leurs comptes. Une formule qui consiste à laisser la part belle aux dialogues ciselés et où chaque personnage rivalise de sarcasmes et de réparties cinglantes. Des dialogues soutenus par des personnages complexes, perclus de contradictions, de ressentiments, d’ambitions, de désir, en somme des personnages profondément humains auxquels l’auteur parvient à accorder de l’épaisseur en quelques réflexions intérieures qui nous font part de tous leurs paradoxes.

Les protagonistes principaux sont nombreux mais l’auteur parvient à laisser de la place à chacun d’entre eux, y compris les personnages secondaires. Certains d’entre eux répondent aux figures classiques de la fantasy mais toujours avec cette touche grinçante signée Abercrombie. D’autres par contre sont des parfaits exemples de personnalités que nous adorons détester à travers les médias et les réseaux sociaux. Ainsi le prince dépravé Orso, exemple typique de la décadence royale, fait écho à une certaine Paris Hilton, mais le dégoût qu’il inspire à la population n’est jamais aussi grand que celui qu’il ressent envers lui-même. À l’opposé la déterminée Savine renvoie à l’image du capitaine d’industrie avide de profit et peu regardant sur les conditions de travail de ses employés, mais son cynisme et son ambition cachent une impuissance face à la pression sociale et une rage qui la pousse à prouver au monde sa valeur. Le premier tiers du récit permet de faire connaissance avec tout ce beau monde avant que l’action ne déferle de manière irrémédiable.

Les scènes d’action sont autre atout du récit, là où d’autres auteurs s’attachent à détailler précisément la moindre action ainsi que le moindre brin d’herbe du champ de bataille, Abercrombie lui va nous décrire la bataille pour ce qu’elle est vraiment, une apocalypse sans nom où mille choses se déroulent en même temps, où la bravoure est aussi rare que l’honnêteté en politique, où la survie tient plus de la chance que de l’expérience. Il adopte le point de vue d’un spectateur lambda qui assisterait à une scène de bataille médiévale sans en connaître le vocabulaire pour narrer simplement des scènes de combat réalistes. Il en résulte une grande clarté dans ces scènes où souvent les protagonistes sont tout aussi désemparés que le lecteur.

L’ouvrage offre peu de descriptions et l’auteur ne s’attarde guère sur cet aspect de la narration, sans doute a-t-il conscience que cela n’est pas le point fort de sa plume mais peu importe au final car l’intrigue, qui n’a fait que se dévoiler partiellement durant ce premier tome, et les personnages suffisent amplement à accomplir le voyage sur les terres de l’Union. L’intrigue est un entrelacs de complots et de conflits territoriaux auréolé de revendications sociales qui font bien sûr échos aux troubles qui secouent nos chers pays occidentaux.

Avec cet auteur il faut s’attendre à tout, et même si mes connaissances sur son univers me permettent de voir parfois les ficelles de son intrigue je m’attends à être agréablement surpris dans les tomes suivants dont je vais ardemment surveiller la parution.

  • Poids de l’article : 740 g
  • Broché : 528 pages
  • ISBN-13 : 979-1028118341
  • Dimensions : 15.4 x 4.2 x 23.8 cm
  • Éditeur : Bragelonne (2 décembre 2020)
  • Langue : : Français

 

Mortelle Adèle et la galaxie des Bizarres – 21 octobre 2020 de Mr Tan , DIANE LE FEYER

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La galaxie est dirigée par les enfants depuis que les parents ont été bannis sur une planète éloignée : finis les légumes verts, les devoirs et la chambre à ranger ! Mais Mortelle Adèle, cheffe rebelle aux commandes de son vaisseau spatial, doit faire face à une nouvelle menace.

Achat : https://amzn.to/36rXufi

Chronique : Je ne vous présente plus Mortelle Adèle, cette héroïne de bande dessinée que les enfants adorent et qu’en général, les parents apprécient un peu moins en raison de son ton impertinent et son comportement subversif..

Mortelle Adèle affiche en effet un caractère bien trempé, des manières irrespectueuses et cultive à merveille l’humour acide.

Les graphismes sont toujours aussi beaux, et les tranches de pages brillant ont fait leur effet ! Avec une tranche de feuille couleur argenté, le dos avec des étoiles, la couverture qui « claque », c’est une réussite.

Cette bande dessinée suit la vague féministe du moment. C’est très sympathique.

Malheureusement, j’ai trouvé ce hors série bien moins drôle que les bandes dessinées d’origine. Mais bon, pour une fois qu’on aborde un sujet sérieux avec un peu d’humour, on ne va pas se plaindre ^^.

Note : 9/10

Broché : 112 pages ISBN-13 : 979-1027609185 Poids de l’article : 540 g Dimensions : 18.9 x 1.6 x 23.6 cm Éditeur : Bayard Jeunesse; Edition collector (21 octobre 2020)