Les fans de «désenchantement» disent aux haineux de s’y tenir; en cette saison terne, leur foi n’est pas récompensée

Il est probablement prudent de supposer que les fans de passage des Simpsons ont abandonné Désenchantement maintenant. Lancée par Netflix en 2018, la sitcom fantastique animée a plus en commun avec la deuxième série de division du créateur Matt Groening, Futurama de 1999 , qu’avec Les Simpsons , ce qui signifie que son public ressemble moins à l’homme de la rue qu’à l’homme de San Diego Comic Con.

Mais en fait, Désenchantement ne demande pas à être comparé aux Simpsons ou à Futurama mais à Game Of Thrones à la place. Ici, nous retournons à Dreamland après les événements de la saison deux, la protagoniste Princess Bean apparemment brûlée comme une sorcière mais en fait installée dans des cavernes souterraines peuplées de petites créatures travaillantes et excitées appelées Trøgs.

Au-dessus du sol, le duplice Odval complote pour retirer le père de Bean, le roi Zøg, et le remplacer par le demi-frère de Bean, Derek, mieux considéré comme le naïf des Simpsons , Ralph Wiggum, jouant le cruel enfant roi de Game Of Thrones , Joffrey Baratheon. Derek, pas aussi stupide qu’il pourrait le paraître, apprend une malédiction sur sa famille qui menace toute la vie à Dreamland, et cet arc forme l’épine dorsale d’une série qui prend beaucoup de temps pour aller pas très loin du tout. Comme Game Of Thrones , il trouve un rythme où la majorité des événements de la saison sont éclaboussés dans les deux derniers épisodes.

À son meilleur, cela nous donne une diversion divertissante dans Steamland, une fantaisie steampunk présidée par l’industriel bizarre de Richard Ayoade Alva, s’ajoutant à une distribution déjà riche en talents britanniques et irlandais. Sharon Horgan et Noel Fielding sont excellents dans leurs rôles de mère perverse de Bean et de bourreau impassible Stan respectivement; Matt Berry moins que Merkimer, un prince piégé dans le corps d’un cochon, et dont le pompeux Brian Blessed schtick est aussi fatigué que le nerd nasal d’Ayoade. Ce n’est pas pour les créateurs de Désenchantement de savoir, vous présumez, qu’un personnage majeur de leur série a la même voix que Money Calm Bull de MoneySupermarket.

Au pire, de vastes périodes de temps sont gaspillées sur des événements totalement insignifiants, comme Elfo tombant amoureux d’un bateau. Si vous parvenez à sympathiser avec celui-là, vous êtes probablement amoureux d’un bateau.

Dans cet épisode, Bean a une conversation avec Mora, une sirène qui a nagé à Steamland en rêvant d’une carrière dans le cinéma, mais a fini par faire du travail de voix off de dessin animé. Bean remarque: «J’ai vu un de vos dessins animés hier. Avez-vous juste inventé les choses au fur et à mesure? Parce que c’est ce que j’ai ressenti. Si cela se veut une blague sur l’épisode lui-même, cela joue comme une blague contre le public pour avoir perdu son temps à le regarder.

Contrairement à ses intrigues, les problèmes la série deviennent plus clairs au fur et à mesure que la série progresse. Il veut être une épopée fantastique axée sur l’intrigue, mais il habite un monde dans lequel tout est possible et, par conséquent, rien n’a de conséquence. Ceci est compensé par des blagues récurrentes et des gags à vue qui peuvent être amusants (la «  bière aromatisée moi  », vendue par un vieil homme mouillé dans un tonneau) ou tout simplement paresseux, impliquant généralement quelqu’un qui se fait tirer dessus par une flèche ou qui est catapulté dans le distance. Il veut aussi être énervé, avec sa consommation de drogue, sa boisson, ses combats et sa baise, mais ne va jamais tout à fait la distance avec quoi que ce soit. Et il se veut moderne, avec ses divers personnages humains et partenaires de même sexe et sa princesse atypique et alcoolique. Mais dans la même main, il se moque également des dents et de l’image corporelle de Bean, et a une intrigue majeure sur le fait que le roi Zøg devienne «fou» et «fou»,mais souffrant apparemment de démence.

Vous saurez maintenant si vous aimez le désenchantement , et si c’est le cas, voici cinq heures de plaisir pour vous. Le problème est que la saison trois ne peut espérer que retenir l’intérêt de ce groupe. Les téléspectateurs occasionnels trouveront cela plus frustrant que drôle.

La saison 3 de «  Désenchantement  » est sur Netflix à partir du 15 janvier

Avec « Lupin »sur Netflix, Omar Sy s’empare du petit écran dans la peau d’un gentleman-cambrioleur moderne et avide de justice sociale.

DE QUOI ÇA PARLE ?

1995. La vie du jeune Assane Diop est bouleversée lorsque son père meurt après avoir été accusé d’un crime qu’il n’a pas commis. Aujourd’hui, Assane va s’inspirer de son héros, Arsène Lupin – Gentleman Cambrioleur, pour le venger…

Sous les traits du héros, Omar Sy signe son premier rôle dans une série télévisée depuis le SAV des émissions sur Canal+. Présent dans tous les plans, il impose son charisme naturel et une énergie communicative. À ses côtés, Vincent Londez (Into the Night) incarne le capitaine de police chargé de l’enquête, tandis que Shirine Boutella, une des révélations de Papicha, et Soufiane Guerrab (La Vie scolaire) interprètent ses coéquipiers. Après The Young Pope et The New Pope, Ludivine Sagnier retrouve le petit écran dans le rôle de l’ex-femme et amie d’Assane. Prochainement dans la série OVNI(s), l’actrice et réalisatrice Nicole Garcia joue la femme du redoutable Hubert Pellegrini, campé par Hervé Pierre. Sa fille, quant à elle, est interprérée par Clotilde Hesme. Visible principalement durant les scènes de flashbacks, le père d’Assane est joué par le comédien Fargass Assandé.

Apparu pour la première fois en 1905 dans les pages du mensuel français Je sais tout, Arsène Lupin, célèbre personnage de Maurice Leblanc, est un puits d’inspiration et ce, depuis des décennies. Le voleur légendaire a fait l’objet de multiples pièces de théâtre et de nombreux films, à la télévision comme au cinéma, porté, entre autres, par John Barrymore ou Romain Duris. En France, il n’était pas réapparu depuis le film de Jean-Paul Salomé, en 2004. C’est le scénariste britannique George Kay (Criminal, Killing Eve) qui ressuscite le mythe – ou presque – avec la série Lupin, dont la première partie est composée de cinq épisodes.Située dans une France contemporaine, l’histoire choisit de convoquer l’esprit d’Arsène Lupin plutôt que de le mettre en scène. Omar Sy y interprète Assane Diop, un homme ordinaire, qui s’inspire du personnage littéraire pour rétablir la vérité sur la mort de son père. Astucieuse, cette idée scénaristique permet à l’intrigue de s’autoriser beaucoup de libertés, tout en rendant hommage à l’œuvre de Maurice Leblanc. Avec son rythme soutenu, Lupin embarque les téléspectateurs dans une fiction à la croisée des genres. Entre thriller d’espionnage et drame social, elle parvient également à offrir quelques séquences humoristiques grâce au talent de son acteur principal.

Véritable divertissement, la série engage néanmoins une vraie réflexion sur des problèmes de société actuels, comme le racisme systémique. L’enquête principale met en avant l’impunité des plus forts et le pouvoir qu’ils exercent sur les plus vulnérables. Bien plus qu’un cambrioleur de luxe, ce Lupin version 2021 prend parfois des airs de Robin des Bois, prêt à tout pour rééquilibrer la balance sociale. Méconnaissable derrière ses nombreux costumes, il utilise les métiers « invisibles » – de livreur à agent d’entretien – pour approcher de plus près les plus hautes sphères de la société. C’est à travers ces petits détails bienvenus que la série réussit à sortir son épingle du jeu.À l’écran, Omar Sy occupe chaque scène et porte le programme sur ses épaules. Magnétique et charismatique, il incarne avec talent un justicier crédible et en phase avec son époque. Les autres interprètes qui l’entourent sont également convaincants et donnent de la chair à des personnages attachants, comme Anne Benoît qui joue, le temps d’un épisode, une journaliste à la retraite prête à en découdre. Si certaines facilités scénaristiques ne sont pas évitées, Lupin étonne par son ancrage dans le réel et suscite assez d’intérêt pour donner envie de poursuivre l’aventure avec la deuxième partie, à venir prochainement.

TF1 diffuse es deux premiers épisodes de « La Promesse », sa nouvelle mini-série événement avec Sofia Essaïdi, Olivier Marchal, Lorànt Deutsch, et Guy Lecluyse. Un polar très réussi, haletant et profond, créé par Anne Landois (« Engrenages »). De quoi ça parle ?

Au lendemain de Noël 1999, Charlotte Meyer, une petite fille de 11 ans, disparaît sans laisser de traces. Le capitaine Pierre Castaing, en charge de l’enquête, échoue à la retrouver. A quelques centaines de kilomètres de là, une jeune enquêtrice se trouve confrontée à une disparition similaire…

Chaque jeudi à 21h05 sur TF1 à partir du 7 janvier, et d’ores et déjà disponible en intégralité sur Salto.

Créée par Anne Landois (Engrenages) et réalisée par Laure de Butler (Profilage, L’homme que j’ai condamné bientôt sur M6), La Promesse peut se targuer de reposer sur une très jolie distribution. Olivier Marchal (Les Rivières pourpres, Bronx) et Sofia Essaïdi (Aïcha, Kepler(s)) incarnent les deux flics qui vont se lancer, chacun de leur côté, dans une course contre la montre pour retrouver des fillettes disparues. Avant que ces affaires ne se rejoignent et ne viennent bouleverser à jamais la vie de ces deux enquêteurs.

À leurs côtés, Lorànt Deutsch, Nadia Farès, Natacha Régnier, Guy Lecluyse, Robinson Stévenin, Leslie Medina (Balthazar), Oscar Copp (La Garçonne, Mon chien stupide), Juliette Katz (Moi, grosse), Jules Houplain (Les Innocents), ou encore Alice Varela (Demain nous appartient) complètent le casting de ce polar en six épisodes à l’atmosphère imparable. Ça vaut le coup d’oeil ?

Proposée en avant-première aux abonnés de Salto depuis le 11 décembre, La Promesse arrive enfin ce soir sur TF1 et ouvre de bien belle manière une année 2021 qui s’annonce riche en nouveautés pour la chaîne, avec notamment Je te promets, Une Affaire française, Gloria, ou encore HPI, attendues à l’antenne dans les mois à venir. Bien que les fictions centrées sur la disparition ou l’assassinat d’un enfant soient légion sur le petit écran depuis le succès de Broadchurch en 2013 – on pense évidemment à Disparue, à The Missing, ou au Secret d’Elise pour ne citer qu’elles – La Promesse n’est pas le polar vu et revu qu’elle semble être sur la base de son pitch.

Car derrière une enquête policière finalement assez classique, qui évoque de nombreuses affaires tristement célèbres (dont la disparition d’Estelle Mouzin) et qui ravira à n’en pas douter les amateurs de faits divers, cette mini-série premium, portée par un casting extrêmement solide et une écriture fine, est avant tout un drame psychologique percutant. Lequel nous balade habilement entre deux temporalités sans jamais nous perdre et osculte avec brio l’âme de personnages abîmés par la souffrance, la culpabilité, ou l’impuissance.

Comme le dit elle-même Anne Landois, la créatrice de ce polar d’atmosphère « humain », cette Promesse c’est « la promesse de la réparation du passé ». Pour Sarah, l’héroïne, mais aussi pour de nombreux membres d’une communauté meurtrie par une affaire restée trop longtemps inachevée. En racontant l’histoire de deux flics prêts à tout pour retrouver vivantes plusieurs petites filles ayant vraisemblablement été enlevées, la série s’intéresse surtout aux conséquences de ce genre de drames sur les familles des victimes, mais aussi et surtout sur les policiers qui mènent l’enquête. Et font parfois passer leur travail avant leur propre vie privée. À l’image du personnage campé par Sofia Essaïdi, dont le passé tout sauf réglé va ressurgir suite à la disparition de la petite Jade. Telle une blessure qui ne s’est jamais refermée. La comédienne, qui a parcouru un joli bout de chemin depuis la Star Academy, qui l’a révélée en 2003, est tout simplement excellente de vérité dans le rôle de Sarah et émerge sans mal comme l’atout principal de La Promesse.

Mais le reste de la distribution n’est pas en reste. Olivier Marchal, habitué aux rôles de flics, il est vrai, est lui aussi impeccable dans la peau de Pierre Castaing, un policier et père de famille dont la quête de vérité, pour retrouver Charlotte Meyer, va virer à l’obsession. On retient également particulièrement les prestations de Lorànt Deutsch, dans un registre qu’il a finalement assez peu exploré auparavant, de Natacha Régnier, émouvante en mère de famille brisée, et évidemment de Guy Lecluyse, étonnant dans un rôle à contre-emploi glaçant. Mais tout le casting est vraiment au diapason et c’est assez rare pour être souligné.

À cela s’ajoutent des dialogues qui sonnent juste et une réalisation captivante, autant dans les scènes de tempête que dans les moments plus intimes, où les visages des comédiens sont magnifiés par l’oeil de Laure de Butler, une réalisatrice à suivre de près. Sans trop user des twists, juste avec des personnages criants de vérité, La Promesse s’impose comme l’un des polars télévisuels les plus réussis de ces dernières années. Et nous happe dès sa scène d’ouverture, qui nous propulse dans une forêt des Landes balayée par le vent en décembre 1999, où le chaos des éléments qui se déchaînent vient masquer un drame qui va, lui aussi, tout détruire.

La nouvelle adaptation de Stephen King résonne particulièrement suite à cette année 2020.

Diffusée depuis mi-décembre aux Etats-Unis, The Stand est une nouvelle adaptation du roman Le Fléau de Stephen King, publié en 1978. On y suivait alors les conséquences d’une pandémie de grippe créée en laboratoire aux Etats-Unis ainsi que la lutte entre deux groupes opposés parmi les survivants. L’œuvre a déjà eu droit à une première adaptation en 1994, sous la forme d’une mini-série de 4 épisodes, à l’époque diffusée sur M6 en France. Nous avons déjà pu voir les deux premiers épisodes de cette nouvelle adaptation de la série, dont les 9 épisodes seront disponibles hebdomadairement sur STARZPLAY à partir de ce 3 janvier.

Dans cette nouvelle version de The Stand, un mystérieux virus se répand à travers le monde suite à une erreur réalisée dans un laboratoire top secret américain. Alors qu’une grande partie de la population se voit décimée par la maladie, les survivants cherchent à se rassembler. Sans nul doute, ce pitch résonne tout particulièrement en ce début d’année 2021. En effet, nous venons tous de passer une année difficile suite à la pandémie mondiale de COVID-19. Quand la réalité rejoint la fiction de si près, cette série prend donc une certaine saveur amère. Dans ces premiers épisodes, on peut aussi voir comment certains vont chercher à mettre à mal ce qu’il reste de la société par rage, tandis que d’autres chercheront de l’espoir lorsque ce qui les entoure disparaît peu à peu. On peut là y voir entre autres un parallèle avec la situation récente aux Etats-Unis, avec notamment les nombreuses émeutes qui y ont lieu. Mais aussi tout simplement, l’impact des confinements sur tout un chacun ayant du y faire face lorsque le monde s’arrête de tourner pour quelques temps.

Cependant, la série se détache peu à peu de la réalité sous différents aspects et se rapproche alors plus de la science-fiction lorsque les survivants chercheront à se rassembler. En effet, afin de trouver le point de rendez-vous, ils seront guidés par une mystérieuse femme qu’ils voient en rêve et leur dit où aller, comme le montre l’extrait exclusif ci-dessus. Agée de 108 ans, cette dernière est ainsi dotée de pouvoirs psychiques et spirituels. D’autres résistants tomberont quant à eux sous le charme d’un homme démoniaque qui les manipulera à sa façon. Tous ces survivants que l’on suit vont alors vite se partager dans ce monde apocalyptique et la lutte entre le bien et le mal ne va pas tarder à débuter…

Ainsi, il est facile de se faire prendre par le récit raconté par The Stand. Chaque épisode de ce début de saison semble centré sur un ou deux personnages, nous permettant d’en apprendre plus sur chacun d’entre eux. Sous la forme de va-et-vient entre flashbacks et sauts dans le temps, on peut ainsi découvrir peu à peu leur histoire ainsi que la manière dont ils sont arrivés au fameux point de rencontre. En fil rouge, on en apprend aussi bien sûr plus au fur et à mesure sur ce mystérieux virus. On a déjà hâte de voir la suite de la série afin de connaître les tenants et aboutissants de cette histoire ainsi que découvrir ce qu’il adviendra de tous ces personnages dans cette bataille apocalyptique.

Enfin, The Stand s’offre également un casting de premier choix. Les survivants sont ainsi menés d’une part par Whoopi Goldberg qui incarne le Bien et une présence mystique comme elle a pu le faire dans Sister Act ou Ghost; et d’autre part par Alexander Skarsgard, bien connu pour ses rôles dans True Blood ou Big Little Lies, qui est lui l’incarnation du Diable. Entre eux deux, on peut retrouver James Marsden (X-Men), Owen Teague (It, Black Mirror), Owen Teague (The Leftovers) ou encore Henry Zaga (13 Reasons Why). Un plaisir donc de retrouver tout ce petit monde à l’écran.

Lorsque « Wonder Woman » est sorti en 2017, c’était une bouffée d’air frais passionnante, à la fois dans le royaume plus sombre des adaptations de DC Comics et dans le contexte plus large des superproductions estivales gonflées. Le film de la réalisatrice Patty Jenkins offrait à parts égales muscle et cœur, avec un équilibre tonal parfait entre action transportante et humour doux, spectacle éblouissant et romance charmante. L’élément crucial en son centre était l’incroyablement charismatique Gal Gadot , qui était plus qu’un étourdissant magnifique et sculptural. Elle rayonnait de bonté, de lumière et d’espoir d’une manière contagieuse, qui vous faisait croire au pouvoir des super-héros au-delà des platitudes faciles sur le fait de faire ce qui est bien et de protéger l’humanité.

Gadot reste une figure gagnante et séduisante dans «Wonder Woman 1984», et elle conserve son lien authentique avec le public, mais la machinerie autour d’elle est devenue plus grande et plus lourde. C’était peut-être inévitable, l’envie de créer une suite pour rendre tout plus sauvage et plus brutal, plus tentaculaire et compliqué. Dans le processus, cependant, la qualité qui a fait du film original un tel plaisir a été presque entièrement écrasée. Et pourtant, la fondation du scénario que Jenkins a co-écrit avec Geoff Johns et Dave Callaham , basé sur William Moulton Marston. Les personnages originaux de, est assez simple: c’est une accusation de cupidité, de notre désir légitime d’avoir ce que nous voulons et de l’avoir maintenant. L’histoire se déroule au plus fort de la consommation ostentatoire de l’ère Reagan, d’où le titre, mais le point que «WW84» fait sur la nature destructrice de l’avarice est certainement pertinent aujourd’hui.

Trop souvent, cependant, l’instinct en évoquant cette période est de se vautrer dans une nostalgie évidente – des cols sautés sur des polos pastel, un jeu Centipede à l’arcade, un libraire B. Dalton au centre commercial à trois étages très éclairé. Il y a même le montage obligatoire des vêtements pour permettre au pilote ressuscité de la Première Guerre mondiale de Chris Pine de s’émerveiller devant le ridicule des pantalons de parachute. (Aussi: breakdance! Qu’est-ce que c’est que ça?) Nous reviendrons à Steve dans la minute, et à l’idée potentiellement intrigante que représente son retour.

Mais ce qui est également décevant dans le scénario de «WW84», c’est qu’il semble appartenir à un film sorti dans les années 80. Son dispositif de conduite d’intrigue serait parfaitement à l’aise dans une comédie de haut niveau: une pierre ancienne qui vous accorde immédiatement tout ce que vous souhaitez, entraînant à la fois des détournements farfelus et des catastrophes massives. C’est une notion banale dans le sens de « Weird Science » et «Zapped !,» un récit édifiant dans lequel la réalisation fantastique ne donne finalement pas la satisfaction attendue par ses personnages.

La séquence d’ouverture du film est bien plus convaincante, un flash-back sur un moment charnière de la vie de la jeune Diana, des années avant qu’elle ne devienne Wonder Woman. En tant que fille sur l’île magique de Themiscyra (jouée une fois de plus par Lilly Aspell , bien placée et parfaitement lancée ), elle participe à un défi ardu de force et d’habileté contre des femmes deux fois son âge et sa taille. Toute cette section monte en flèche – le travail de la caméra et le montage nous placent au cœur de l’action, et la partition de Hans Zimmer nous entraîne. La mémoire établit également efficacement l’intrépidité et la capacité de Diana, ainsi que l’importante leçon qu’elle apprend sur la nature de la vérité qui deviendra pertinente plus tard. C’est le point culminant du film; rien d’autre ne lui égalera en termes de cohésion visuelle ou d’impact émotionnel.

Flash avant 1984. Diana Prince vit maintenant à Washington DC (au Watergate, de manière amusante) et travaille comme archéologue au Smithsonian, utilisant son expertise et ses compétences linguistiques pour étudier des artefacts anciens. Être sans âge fait d’elle une silhouette glamour et élégante mais solitaire. (La costumière Lindy Hemming joue de la taille de Gadot et de l’héritage de son personnage en la plaçant dans des tenues majestueuses et drapées qui soulignent sa longueur.) Nous voyons Diana assise seule à une table dans un café en plein air, souriant aux passants, aspirant à faire un connexion. C’est le moment le plus émouvant du film.

Ainsi, quand la nouvelle collègue de souris, la Dre Barbara Minerva, arrive et demande docilement si elle aimerait déjeuner, Diana ne sait pas trop comment répondre car elle n’a pas vraiment d’amis. Mais les deux se sont vite entendus, car Barbara est également inadaptée à sa manière. Kristen Wiig est subtilement hilarant dans ces premières scènes en tant que chercheur doucement maladroit et chaleureux. La chimie qu’elle et Gadot partagent lorsqu’ils se rencontrent pour prendre un verre à l’heure de l’apéro, le Washington Monument brillant derrière eux au loin, m’a fait souhaiter qu’ils jouent à la place dans une comédie de copains dépareillée. Le rôle permet à Wiig de livrer ses lignes avec l’impasse sournoise et autodérision qui est sa marque de fabrique; cela semble sans effort mais nécessite en fait une précision extrême. Mais la regarder s’étirer et devenir une figure méchante au fur et à mesure que le film progresse a ses propres joies. C’est un énorme changement de rythme pour la comédienne, et elle se montre à la fois physiquement et émotionnellement.

Vous voyez, Barbara met la main sur une pierre mystérieuse qui entre dans le laboratoire, qu’elle et Diana déterminent qu’elle est celle qui accorde un souhait au porteur. Diana souhaite pouvoir à nouveau être avec son amour, Steve Trevor de Pine, maintenant décédé depuis sept décennies. Barbara souhaite qu’elle puisse ressembler davantage à Diana: confiante, forte, sexy. Mais alors – comprenez ceci – toute une autre personne entre dans le laboratoire sous prétexte d’être un bienfaiteur, alors qu’il veut réellement la pierre pour ses propres fins néfastes. C’est Pedro Pascal en tant qu’escroc de télévision aux cheveux moelleux Maxwell Lord, un faux magnat du pétrole promettant la prospérité aux masses. Fabriquant une façade riche et vivant au-dessus de ses moyens, Maxwell Lord est un archétype de l’époque. Mais au-delà de sa soif éhontée de pouvoir et de respect, il n’y a pas grand chose à ce personnage, et le portrait de Pascal devient de plus en plus caricatural. Artiste sensible, il a eu l’occasion de montrer plus de portée sous son casque et son armure en acier Beskar sur «The Mandalorian».

La majeure partie de la durée excessive de la «Seconde Guerre mondiale» est consacrée au chaos qui s’ensuit lorsque l’accomplissement des souhaits se déchaîne. Le script serpente maladroitement entre ces trois personnages alors qu’ils explorent leurs nouveaux pouvoirs ou les conséquences de leurs choix. En cours de route, les règles pour souhaiter sur la pierre changent de la manière qui convient pour que l’intrigue continue de fonctionner. Mais des moments vraiment passionnants émergent sur le chemin de l’apogée génériquement brillante et bruyante, y compris une poursuite palpitante à travers le désert égyptien qui permet à Diana de révéler à la fois sa débrouillardise et sa gentillesse. Et la transformation de Barbara de scientifique sans prétention à séductrice est un plaisir à voir, principalement parce que l’évolution de ses vêtements et de ses cheveux est si grande et qu’elle semble s’amuser le plus à l’écran.(On ne peut pas en dire autant de Gadot et de Pine cette fois, dont la connexion est étrangement inerte malgré le caractère poignant potentiel d’être réuni avec votre seul véritable amour.) Bien sûr, Barbara se transforme finalement en la méchante bande dessinée Cheetah et ressemble à un réfugié de « Chats », mais jusque-là, son arc est l’élément le plus intéressant du film.

À la fin de cet incendie de Dumpster d’une année, cependant, « Wonder Woman 1984 » offre une évasion bienvenue, ainsi qu’un message d’espoir bien nécessaire. Nous prendrons ces diversions là où nous pouvons les obtenir ces jours-ci, soit dans un théâtre, soit depuis la sécurité de votre canapé à la maison. C’est bon. Parfois, il monte même en flèche. Mais cela aurait pu être merveilleux.

Un professeur de musique épris de jazz se retrouve dans la vie d’avant dans cette beauté existentielle de Pixar du réalisateur de Up and Inside Out

Son animation Pixar typiquement ambitieuse se présente comme un croisement de rêve fébrile entre Fantasia de Disney et Powell et A Matter of Life and Death de Pressburger , avec un soupçon bizarre de The Lovely Bones de Peter Jackson pour faire bonne mesure. L’histoire d’un professeur de musique qui perd la vie mais découvre son âme, c’est une émeute visuellement somptueuse d’idées, dressée quelque part entre une comédie musicale ludique, une comédie divine et un drame métaphysique.

Tout comme le film Minions s’est ouvert aux délicieux sons d’hélium de ses héros joyeusement «ba-ba-BA» – reprenant le célèbre thème Universal, Soul commence avec l’hymne Disney distinctif assassiné de manière jazz par un groupe scolaire discordant. Si le professeur de musique Joe Gardner (Jamie Foxx) pouvait souhaiter une star, il souhaiterait être ailleurs, de préférence tinter les ivoires dans un club échangiste. Le rêve de Joe devient réalité quand il reçoit un appel tardif lui demandant de s’asseoir avec la saxophoniste de jazz branchée Dorothea Williams (Angela Bassett). L’audition se passe bien – si bien, en fait, que Joe part la tête dans les nuages ​​et tombe aussitôt à mort dans un trou d’homme ouvert.

Jusqu’ici, tellement burlesque. Pourtant, se trouvant sur un escalier mobile menant au Grand Au-delà, et déterminé à ne pas rater la chance de sa vie, Joe court dans l’autre sens et se retrouve dans le Grand Avant , un pays rêveur où les âmes protéiformes se voient attribuer des «personnalités uniques et individuelles» avant d’être envoyé sur Terre. Ici, il rencontre 22 (Tina Fey), qui a refusé de prendre sa place dans le monde réel malgré les meilleurs efforts d’une série d’enseignants, dont Gandhi, Lincoln et Mère Teresa («Je l’ai fait pleurer»). C’est donc à Joe désincarné qu’il incombe de l’aider à trouver son étincelle, avec des résultats inattendus de changement de corps.

Co-écrit et réalisé par Pete Docter, Soul partage bon nombre des traits de ses précédentes sorties, Up and Inside Out . Comme ce dernier, il aborde des questions existentielles (la construction de la personnalité; la nature contre la culture) à travers le langage accessible de l’animation – comme une revisitation théologiquement tirée du bande dessinée The Numskulls . Et comme Up , dans lequel un vieil homme redécouvre le sens de la vie après avoir transformé sa maison en un dirigeable propulsé par un ballon à hélium, il lie son message rédempteur à un complot étrangement alambiqué qui trébuche parfois sur ses propres lacets narratifs.

Il est facile de devenir blasé sur l’éclat visuel, à la fois technique et artistique, de la production de Pixar, mais Soul est vraiment un régal pour les yeux. De la clarté presque photo-réaliste des scènes terrestres (les intérieurs du club de jazz donnent le travail de Damien Chazelle sur The Eddy pour son argent) à l’étrangeté d’un autre monde des segments hors du corps, c’est un plaisir à regarder. Soyez témoin de la beauté physique tangible des doigts de Joe flottant sur les claviers alors que la musique le transporte dans une autre dimension, juxtaposée à la merveilleuse étrangeté des créatures d’un autre monde qui ressemblent à des dessins au trait trippants de Fred Flintstone tels que réinventés par Picasso.

Avec une partition originale de Trent Reznor et Atticus Ross, et des compositions et des arrangements de jazz de Jon Batiste (le chef de groupe ambassadeur de The Late Show de Stephen Colbert ), Soul a du piquant musical à revendre. Foxx, qui a remporté un Oscar dans le rôle de Ray Charles, donne une profondeur émotionnelle au premier rôle principal afro-américain de Pixar, avec le co-réalisateur / scénariste Kemp Powers (ainsi que des consultants tels que l’anthropologue Dr Johnnetta Cole ) veillant à ce que les références culturelles du film frappent juste le bonne note.

Quand Ma Rainey, la « mère du blues », enregistre un disque en studio à Chicago, en 1927, les tensions s’exacerbent entre elle, son agent – blanc –, son producteur et les membres de son groupe.

Chronique : Quelle claque! J’avais peur d’un cadre trop restreint et que adaptation ne se détache pas assez de son support initial mais tout le contraire. L’écriture est incroyable, les personnages tous très intéressants. La musique, pièce centrale du film est parfaite.

En 2016, Denzel Washington a produit, réalisé et joué dans l’adaptation à l’écran de la pièce Fences d’August Wilson en 1985 , remportant un Oscar de l’actrice de soutien pour Viola Davis, ainsi que des hochements de tête pour le meilleur acteur, la meilleure image et une nomination à titre posthume pour le scénario de Wilson, décédé en 2005. Davis est de retour dans la course aux récompenses pour son rôle de dynamite en tant que «Mère du blues» Gertrude «Ma» Rainey dans cette dernière adaptation à l’écran de l’œuvre de Wilson, sur laquelle Washington sert à nouveau de producteur. Comme Fences , il présente un tour de force, avec Chadwick Boseman au sommet de son art dans ce qui s’avérera tragiquement être son dernier rôle à l’écran. Pourtant, comme son prédécesseur , les origines théâtrales de Le blues de Ma Raineyy pèse lourd sur ce film, réalisé avec un air scénique par George C Wolfe, lauréat du prix Tony.

À la fin des années 1920 à Chicago, l’atmosphère humide d’un studio d’enregistrement miteux est rendue plus chaude par les tensions brûlantes entre musiciens, producteurs, managers et une star de plus en plus récalcitrante. La session comprendra la coupe de la chanson signature de Ma Rainey – un disque vendable qui rapportera sans aucun doute plus pour ses soutiens blancs que n’importe lequel des joueurs noirs qui composent la musique.

La plupart sont résignés à leur sort, vivant stoïquement de concert en concert. Mais le jeune joueur de cor Levee (Boseman), qui vole la vedette à Ma dans une séquence passionnante au début, a de plus grands projets. Non seulement il a des créations sur l’hymne bluesy de Ma, mais il rêve aussi de diriger son propre groupe et d’enregistrer ses propres chansons. Quant à Rainey, elle est enchaînée à son jeune neveu, Sylvester (Dusan Brown), pour faire entendre l’intro de sa chanson, malgré le fait que son bégaiement ajoutera simplement plus de prises (et donc plus de temps) à l’enregistrement déjà tumultueux.

Il est clair dès le départ qu’il y a une méthode d’acier dans la folie apparemment chaotique de Rainey. De son arrivée tardive dans un accident de voiture à son insistance tenace pour que le groupe continue de jouer l’intro jusqu’à ce que Sylvester fasse les choses correctement (et soit payé pour ses efforts), tout est conçu pour s’assurer qu’elle est aux commandes. C’est une bataille que Rainey a combattue toute sa vie, et Davis dépeint avec brio à la fois la position vulnérable et l’esprit indomptable de cette silhouette robuste, avec des yeux de feu qui brillent à travers les ombres sombres et le rouge battu de son maquillage, tenant fièrement son terrain.

En revanche, Levee est un arnaqueur au pied léger, hérissé de fierté pour ses nouvelles chaussures de fantaisie, esquivant et plongeant dans un monde dans lequel il a appris dès son plus jeune âge à cacher sa colère derrière un sourire. Boseman, qui a obtenu les coups de pied de James Brown dans le sous-estimé Get on Up , se hérisse d’énergie nerveuse en tant que petit nouveau sur le bloc, tranchant et pétillant. Le directeur de la photographie Tobias A Schliessler capture parfaitement la danse physique qui se joue entre ces deux personnages disparates, permettant aux actions et au mouvement de parler plus fort que les mots.

C’est donc dommage que malgré les meilleurs efforts du scénariste Ruben Santiago-Hudson, une grande partie de cela ressemble toujours à une collection de décors théâtraux, qu’il s’agisse de discours prononcés avec émotion sur Dieu, l’histoire et les cicatrices de l’enfance, ou une tragédie du troisième acte qui aurait produit des halètements sur scène mais se sent étrangement artificiel à l’écran. La musique Sterling, la conception de la production et le travail des costumes de Branford Marsalis, Mark Ricker et Ann Roth ajoutent respectivement à un ensemble élégant, mais ce sont les performances qui gagnent la journée.