Thérapeute à succès sur le point de publier son premier livre, Grace Sachs a un mari aimant et un fils qui fréquente une école privée de prestige. Mais soudain, avec une mort violente, un mari qui disparaît et de terribles révélations concernant celui qu’elle pensait connaître, sa vie bascule…
Chronique : Comme une vague qui emporte tout sur son passage, Big Little Lies crée l’événement à sa sortie, en 2017, et gagne tous les plus grands prix l’année suivante. De nombreux talents ont contribué à ce phénomène, notamment le créateur et scénariste David E. Kelley et Nicole Kidman qui, en plus de livrer une performance mémorable, produisait la série. Trois ans plus tard, ces deux grands noms de la fiction réitèrent l’expérience avec The Undoing, une adaptation du roman Les premières impressions, écrit par Jean Hanff Korelitz et publié en 2014. Derrière la caméra, c’est la réalisatrice Susanne Bier – lauréate de l’Oscar du meilleur film étranger en 2011 pour Revenge – qui met en scène les six épisodes.
Les aficionados d’intrigues policières seront probablement déçus par The Undoing, qui se renferme dans une enquête plutôt classique, peu surprenante, usant des ficelles bien connues du genre. En réalité, c’est dans sa dimension sociale que la série parvient à susciter un véritable intérêt. Susanne Bier plonge les téléspectateurs en immersion dans la haute société new-yorkaise, milieu dans lequel Grace Sachs (Nicole Kidman) et Jonathan Fraser (Hugh Grant) sont les rois, et où seules les apparences et la réputation ont une véritable importance. C’est la descente aux enfers, poussant l’héroïne à déconstruire son environnement pour mieux se reconstruire elle-même, qui donne tout le charme au récit.
Portrait amer des élites
Critique acerbe de l’univers mondain, The Undoing s’intéresse également à des sujets de société actuels, comme le fossé qui divise les classes sociales ou encore le privilège des personnes riches et blanches – le terme « white privilege » est par ailleurs utilisé à de multiples reprises au cours des épisodes. En France, c’est le film de Marc Fitoussi, Les Apparences, avec Karin Viard et Benjamin Biolay, qui s’emparait habilement de ces thématiques. Si le long métrage navigue entre la comédie et le thriller hitchcockien, la série de Susanne Bier se veut très sombre, laissant aucune place au second degré, avec des couleurs automnables et un New York grisâtre et filmé comme un personnage à part entière. Très vite, la mégalopole prend des allures de prison qui se referme sur les héros de l’histoire, enfermés dans leurs appartements luxueux.
Une fois encore, Nicole Kidman – qui produit le programme avec sa société Blossom Films – offre une performance impeccable. Au centre de l’intrigue, elle apparaît dans la plupart des scènes et parvient à monopoliser l’attention grâce à son magnétisme naturel. De son côté, Hugh Grant met à mal son image de gentlemen idéal pour se glisser dans la peau d’un protagoniste plus torturé avec talent. Toute la série se focalise majoritairement sur ses deux têtes d’affiche, quitte à sacrifier des visages de second plan à fort potentiel, comme l’enquêteur joué par Édgar Ramírez ou le personnage incarné par Ismael Cruz Cordova.
Susanne Bier prend du plaisir à filmer l’intranquilité des élites, piégés dans leur entre-soi. C’est cette malice communicative – et plutôt cruelle – qui fait de The Undoing une fiction intéressante, malgré un aspect thriller assez convenu. La série ne retrouve peut-être pas l’intensité et le niveau d’écriture de Big Little Lies, mais les admirateurs de Nicole Kidman et de Hugh Grant ne perdront pas leur temps. Les adeptes d’intrigues dramatiques non plus.
Dans les quartiers Nord de Marseille, une tuerie orchestrée par le clan Bastiani a lieu. Deux rivaux sont en charge de l’enquête, Vronski, un flic de la brigade antigang et Costa, un chef de groupe de la BRB aux pratiques douteuses. La situation dégénère lorsqu’un témoin-clé est assassiné durant sa garde à vue. En pleine guerre des gangs, Vronski et ses hommes, pour sauver leur peau, seront obligés de faire des choix lourds de conséquences…
Chronique : Un très bon Olivier Marchal dans la lignée des Lyonnais, Carbone et Borderline. On y retrouve toute la noirceur et la violence qui caractérisent si bien la triste réalité du métier de flic et qui l’accompagnent tragiquement jusque dans sa vie privée. Outre Jean Reno, Gérard Lanvin et Claudia Cardinale, on retrouve une grande partie des acteurs fétiches du réalisateur qui crèvent l’écran de par leurs « gueules » patibulaires et négligées de flics ripoux désabusés ou de voyous sans foi ni loi. Une fois de plus, et pour notre plus grand plaisir, Marchal suit sa thématique préférée en nous montrant dans sa fiction que la ligne entre les bons et les méchants reste théorique, floue et si facilement franchie. Les dialogues sont souvent des punchlines å la manière de 36, quai des orfèvres et malgré leur vulgarité ont un petit semblant d’Audiard et ses répliques mythiques des polars français des années 70. L’ancien policier nous offre une rėalitė crue qu’il équilibre parfois avec quelques moments lyriques, influence universelle du parrain de Coppola, et nous livre un film noir et sans pitié, un polar efficace et marquant.
Mandalorien est de retour de manière très importante. L’épisode le plus long et le plus somptueux à succès de la série démarre la saison 2 en beauté. Et un dragon Krayt.
Nous avons déjà vu des extraterrestres et des monstres dans cette série, mais la bête de la première de la saison 2 était plus grande et plus bestiale que toute autre chose dans Star War depuis l’ exogorth «Space Slug» d’ Empire Strikes Back . Grâce aux merveilles du CGI moderne, le monstre du Mandalorien était bien plus beau que le ver géant qui a presque mangé Han Solo, la princesse Leia, Chewie et C-3PO.
J’ai déjà regardé cet épisode deux fois et je l’ai aimé les deux fois. «The Marshal» est un autre épisode parallèle. Plutôt que de reprendre là où nous nous étions arrêtés – avec Moff Gideon sortant de son TIE Fighter abattu avec l’aide du Darksaber – l’épisode nous a emmenés dans une aventure sur Tatooine, où Mando est dit qu’il trouvera un autre mandalorien qui pourra aider à guider lui à un ponceau où son peuple pourra l’aider davantage dans sa quête pour trouver le Jedi.
Il glane ces informations sur un personnage borgne louche nommé Gor Koresh (John Leguizamo), une sorte de chef du crime connaissant les mandaloriens. Il s’avère qu’il cherche à traquer les Mandaloriens et à les tuer pour leur précieux acier Beskar. Après avoir essayé d’amener Mando à jouer son armure, Koresh sort son blaster, tue l’un des deux Gamorréens qui se battent sur le ring et allume l’arme sur Mando. Plusieurs de ses sbires font de même.
Baby Yoda, assis dans son berceau stationnaire, appuie rapidement sur le bouton pour fermer le couvercle. Il sait que les choses sont sur le point de se compliquer. C’est adorable.
Les choses se compliquent. Koresh dit à Mando que s’il lui donne l’armure, il le laissera sortir vivant. Mando lui dit que s’il lui donne les informations qu’il veut, il ne tuera pas Koresh. «Je pensais que tu n’étais pas un joueur de jeu», répond Koresh. «Je ne suis pas», dit Mando, et tire ses «oiseaux sifflants». Les premiers crétins sont en panne, mais d’autres – le Gamorréen survivant, le portier Twi’lek et un autre combattant – se précipitent. Koresh, quant à lui, se précipite.
Naturellement, Mando travaille rapidement sur ses adversaires et rattrape les cyclopes dans lesquels il s’accroche avec son grappin et se bloque à l’envers à un lampadaire. Koresh plaide pour sa vie et Mando promet que «vous ne mourrez pas de ma main». Alors Koresh lui dit qu’il y a un Mandalorien sur Tatooine. Mando dit qu’il a passé beaucoup de temps là-bas et n’a jamais vu un de ses gens sur la planète, mais Koresh insiste.
Puis Mando s’éloigne, laissant Koresh pendu. Il projette la lumière en jetant Koresh dans les ténèbres. De redoutables créatures aux yeux rouges, auparavant tenues à l’écart par la lumière, se déplacent rapidement en grognant. Koresh hurle son dernier.
De là, nous nous retrouvons sur Tatooine. Mando atterrit à Mos Eisley où il se réunit brièvement avec Peli Motto (Amy Sedaris) qui dit à ses droïdes mécaniciens de faire chier jusqu’à ce que Mando dise que tout va bien, ils peuvent travailler sur son navire. « Oh, alors tu aimes les droïdes maintenant? » dit-elle. Et c’est vrai. Depuis que IG-11 a gagné l’affection et le respect de Mando lors de la finale de la saison 1, avant sa disparition tragique.
Peli Motto aide Mando à trouver la ville qu’il recherche: Mos Pelgo. Ce n’est pas sur les cartes et a apparemment été anéanti par des bandits.
Ce n’est pas le cas, ou du moins pas tout à fait. Nous apprenons que Mos Pelgo a un passé riche. Il a été attaqué par Sand People (Tusken Raiders) et a été, à un moment donné, repris par le Mining Collective, ses citoyens réduits en esclavage jusqu’à ce qu’ils soient sauvés par Cobb Vanth.
Vanth est le personnage titulaire de l’épisode: The Marshal. Quand nous le voyons pour la première fois, il porte l’ancienne armure de Boba Fett:
Il y a un moment où vous pensez: «Putain de merde, c’est Boba Fett», mais vous êtes désabusé de cette notion assez rapidement. Il est clairement habillé différemment de ce que Fett n’a jamais été, d’une part. Mais c’était la voix qui était le cadeau mort. J’ai tout de suite su que c’était Timothy Olyphant.
Auraient-ils pu choisir un meilleur maréchal dans ce rôle? Je ne pense pas. Olyphant a joué le maréchal américain Raylan Givens dans l’excellente émission Justified (que vous devriez regarder si vous ne l’avez pas encore). Il a également joué Seth Bullock dans Deadwood de HBO. Il est shérif dans cette émission, mais Bullock était maréchal au Montana avant de déménager à Deadwood.
Autant dire qu’Olyphant a joué quelques maréchaux. C’est amusant de le voir dans ce rôle, surtout compte tenu de la façon dont Wild West The Mandalorian va. Cela a toujours été un western, mais cet épisode prend un cran ou dix.
Mando rencontre le maréchal vêtu d’un équipement mandalorien complet. Mais quand il s’assoit, le maréchal enlève son casque et vous pouvez (en quelque sorte) voir le registre de choc sur le «visage» de Mando. Le choc se transforme assez rapidement en colère. Il dit à Vanth de lui donner l’armure ou autre. Une personne normale peut avoir peur à ce stade, mais Vanth est tout sauf. Il ne bronche pas.
«Oh on fait ça?» dit-il, sa main allant à sa hanche où son blaster est dans l’étui.
C’est alors qu’il souligne The Child. Le petit gars traîne près de ce crachoir, juste en train d’explorer. «On va faire ça devant l’enfant?» il demande.
«Il voit pire», répond Mando. Ils sont tous les deux cool comme des concombres, mais si ça se résumait à ça, Vanth serait un toast.
Heureusement, l’impasse est évitée lorsque le sol commence à trembler. Vanth se dirige vers l’extérieur et Mando le suit.
Quelque chose arrive. Quelque chose de gros. Il gronde à travers la ville, poussant à travers le sable juste sous la surface. La petite ville tremble. Les choses tombent. Ensuite, nous voyons un bantha solitaire se détendre près de la périphérie de la ville et nous savons que le pauvre laineux n’est pas long pour ce monde.
Quelques instants plus tard, une énorme créature émerge du sable, ses énormes mâchoires s’ouvrent et avale le bantha en entier. La bête est si vaste qu’elle peut avaler un bantha entier – et les banthas ne sont en aucun cas petits.
Cette nouvelle menace, apprenons-nous, est un dragon Krayt. Cela terrorise Mos Pelgo depuis aussi longtemps que l’on s’en souvienne. Vanth a une idée.
Il dit à Mando qu’il a pu protéger sa ville et son peuple avec l’aide de l’armure, mais il ne peut pas éliminer le dragon. Si Mando l’aidera à tuer la bête, il remettra volontiers son armure sans se battre. Tout le monde y gagne. Naturellement, Mando est d’accord.
Ce qui suit est une aventure passionnante et de loin la créature CGI la plus magnifique de l’histoire de Star Wars .
Mando et Vanth se dirigent vers son repaire – une fosse de Sarlacc abandonnée. «Les fosses Sarlacc ne sont jamais abandonnées», dit Mando. Il s’avère que le dragon Krayt a tué le Sarlacc et a pris sa fosse. Putain de merde.
Sur le chemin du repaire, ils rencontrent des Tusken Raiders et leurs étranges chiens. Ceux-ci sont en fait appelés Massifs, et ils semblent vraiment menaçants au début jusqu’à ce que Mando commence à leur parler dans un langage guttural étrange. Ils se réchauffent aussitôt et on vient se faire gratter la tête. Féroce à mignon en cinq secondes.
Vanth est évidemment confus, mais la confusion se transforme en hostilité lorsque le peuple des sables émerge. Mando, nous découvrons, parle couramment Tusken, et il apaise les tensions et dit à Vanth que les Tuskens veulent que le dragon Krayt soit également mort et sont prêts à aider. Le maréchal n’est pas ravi de l’idée, mais se rend compte qu’ils vont avoir besoin de toute l’aide possible.
Ils campent avec les gens du sable cette nuit-là et Vanth et l’un de leurs hôtes en viennent presque aux coups quand il ne boit pas leur étrange jus de spores. Mando arrête le combat et leur dit à tous de se comporter.
Il s’avère que même entre eux et les Tusken Raiders, ils n’ont toujours pas assez de puissance de feu pour affronter le dragon Krayt. C’est tout simplement trop massif. Ils vont avoir besoin d’aide, et Mando offre les services des citoyens de Mos Pelgo.
Vanth dit qu’ils n’aimeront pas ça mais accepte d’essayer de les convaincre. Alors ils retournent à Mos Pelgo et font exactement cela. Les citadins n’en sont pas contents, mais tout le monde se rend compte que c’est nécessaire. Le Dragon Krayt pouvait avaler toute sa ville pour le petit déjeuner. Ils ont de la chance d’être encore en vie. De plus, c’est une chance de faire la paix avec les Tusken Raiders.
Les tensions sont fortes lorsque les gens des sables se présentent et commencent à aider à charger des explosifs sur leurs banthas. Quand on laisse tomber accidentellement une bombe explosive, l’un des hommes de Mos Pelgo se met à lui crier dessus. Cette fois, c’est Vanth qui intervient pour maintenir la paix. «C’était un accident», lui dit-il.
Ils retournent au repaire du dragon et le font sortir de la fosse. Ils ont tout un ensemble. Balistes géantes qui ont du sens pour ce type de dragon au sol. Pas comme les balistes stupides et ridicules de la dernière saison de Game Of Thrones qui pourraient éliminer des dragons volants avec une précision surprenante. Mon Dieu, rien que d’y penser me donne envie de frapper quelque chose.
En outre, le dragon Krayt est juste bien plus cool que les dragons dans Game of Thrones. Cela ne se fera certainement pas sans combat.
Le plan est de l’amadouer suffisamment loin de son repaire pour déclencher un tas d’explosifs qu’ils ont enterrés dans le sol. Le ventre est le seul point assez faible pour faire de réels dégâts, disent les gens du sable à Mando. Il s’avère que même une énorme explosion de ventre ne fait pas l’affaire.
Le dragon Krayt ne crache pas de feu, mais il pulvérise un acide mortel de sa bouche gargantuesque. Alors que le peuple des sables et les citoyens se moquent de la bête pour la faire sortir de son repaire en utilisant l’ordonnance dont ils disposent – blasters, grenades, etc. – elle commence à pulvériser, éliminant ainsi un groupe de combattants. Lorsque l’explosion se déclenche, le monstre disparaît sous terre, mais il n’est pas mort. Loin de là.
Quelques instants plus tard, il émerge au sommet de la montagne au-dessus de son repaire, rugissant et pulvérisant de l’acide sur ses ennemis. Mando et Vanth jetpack pour voir de plus près. Mais tirer sur la créature avec des blasters ne fait que l’ennuyer, et ils se retirent juste à temps pour éviter d’être avalés en entier.
Rien ne fonctionne et tout semble perdu. Mais Mando propose un plan. Il doit faire manger le dragon Krayt et un bantha chargé d’explosifs. Une fois avalée, la créature disparaît sous terre. Quand il réapparaît, Mando choque la créature (avec ce qui ressemble presque à la foudre Sith) et vole hors de sa bouche en arrière. Il vise son blaster et tire les explosifs sur le bantha.
Le dragon Krayt est tué et il y a beaucoup de joie. Dans leur accord avec Mos Pelgo, les Tuskens revendiquèrent le dragon Krayt et son ichor. Cela inclut le Krayt Dragon Pearl – une pierre massive qui ressemble à une vraie (et vraiment grosse) perle. Apparemment, ils jouent un rôle dans l’estomac du dragon Krayt pour les aider à digérer les aliments. Ils valent une petite fortune.
Mando prend une partie de la viande de la bête et dit ses adieux. Vanth lui dit qu’il espère que leurs chemins se croiseront à nouveau un jour. J’espère aussi.
La scène finale est la «grande révélation». Nous voyons une sorte d’ermite chauve debout dans le désert en train de regarder Mando s’éloigner. Il s’agit de Temuera Morrison, l’acteur qui a joué Jango Fett dans les films préquels. Il est crédité comme Boba Fett dans The Mandalorian (du moins selon IMDB), ce qui signifierait que Fett a survécu à la fosse de Sarlacc et vit en secret depuis. Il a abandonné son acier Beskar et sa vie de mandalorien avec lui. Il y a du mystère là-dedans et je suis sûr que nous en apprendrons plus au fur et à mesure que la série se déroulera.
Verdict
J’ai adoré cet épisode. Là encore, je suis fan de la façon dont cette émission combine la narration procédurale et la narration en série. Cela me rappelle un peu The X-Files . Certains épisodes sont des aventures uniques de style «monstre de la semaine» où Mando et Baby Yoda aident un village ou un criminel ou pourchassent quelqu’un. D’autres suivent l’intrigue plus large, avec Moff Gideon et sa recherche de l’enfant.
Beaucoup de gens s’attendaient probablement à ce que la première de la saison 2 (écrite et réalisée par Jon Favreau) appartienne davantage à ce dernier, mais c’était plutôt le premier. Nous n’avons rien appris de nouveau sur Moff Gideon ou sur la grande image, et avons passé tout notre temps sur Tatooine à tuer des dragons à la place. Je n’ai rien à redire. Le caractère d’Olyphant était génial. Dur, charmant avec une trame de fond intéressante (son personnage était déjà établi dans l’univers de Star Wars et le spectacle s’en tient pour la plupart à la même histoire).
Le dragon Krayt était tout simplement magnifique. Les effets spéciaux exposés ici rivalisent avec tout ce qui se trouve dans les films. En effet, je dirais que tout, du CGI aux effets pratiques en passant par les rivaux costumés, tout ce que nous avons vu dans les films.
« The Marshal » parvient également à marcher assez bien entre le nouveau et la nostalgie, mélangeant de nouvelles idées avec des rappels vers le passé. Clairement, se diriger (encore une fois) vers Tatooine va être nostalgique, mais on va à Mos Pelgo au lieu de Mos Eisley pour l’essentiel de l’histoire. Nous rencontrons Sand People d’une toute nouvelle manière, en tant qu’alliés au lieu d’ennemis (ou victimes d’un emo Jedi déchaîné). Le dragon Krayt était complètement inattendu et génial et tout l’épisode du début à la fin était excitant, drôle et amusant. Quand Baby Yoda sort de sa cachette dans le crachoir, j’ai éclaté de rire. C’était vraiment long pour ce spectacle, avec 54 minutes (avec crédits) mais cela n’a jamais traîné, avec un excellent mélange d’action et de construction de personnage.
J’ai hâte d’en savoir plus sur Moff Gideon et le Darksaber et tout ça, mais je ne suis pas pressé. Avec The Mandalorian, comme avec la vie, c’est plus le voyage que la destination.
Quatre ans après Dernier train pour Busan, il ne reste que des zombies dans la péninsule. Un groupe de soldats forcés d’y retourner découvrent que des survivants non contaminés se sont regroupés dans une bande bien plus dangereuse que les zombies…
Chronique : La suite de Dernier train pour Busan, 4 ans plus tard, n’en est pas vraiment une, et le film n’utilise pas les même ressorts pur séduire le chaland. Moins de gore et d’horreur, plus d’action et de sentiments, une horde de désappointés en salles a déjà déferlé et crié sa déception, surtout que les blockbusters ne se ramassent plus à la pelle, vu les reports en cascade des sorties. Bien, mais pour le non-amateur de grosses productions et celui qui ne goûte point, en général, les zombies, Peninsula n’a finalement rien de rédhibitoire. Yeon Sang-ho est assez malin pour partir d’un postulat simple (on dirait presque un western) pour l’enrichir au fur et à mesure de nouveaux personnages, en éclatant les centres d’intérêt avant un final qui là, oui, est vraiment trop avec un deus ex machina pas très subtil, comme l’arrivée de la cavalerie dans un, c’est cela, western. Outre de nombreuses scènes dignes d’un jeu vidéo où les zombies prennent cher et des poursuites en voiture à toute berzingue qui durent un peu longtemps, il y a aussi de l’humain dans Peninsula, et pas que du bienveillant, avec notamment ces jeux du cirque qui produisent les scènes les plus saisissantes. Oui, il y a aussi un suspense bien forcé vers le dénouement et du sirupeux en guise de (faux) hallali. C’est certain que le long-métrage est bourré de défauts mais il est très divertissant pour peu que l’on ne le prenne que pour ce qu’il est : une série B vrombissante, pleine de références et finalement sans prétention excessive, pas même celle d’égaler Dernier train pour Busan. Reste à savoir comment le film sera perçu en … Corée du Nord, puisque les zombies, semble t-il, n’ont pas franchi la frontière (certains diront que le peuple y est pourtant mort-vivant). En tous cas, la Corée du mort, c’est bien celle du sud.
Axelle, Dominique et Conso partagent un secret. Elles mènent une double vie. Elles se retrouvent tous les matins sur le parking de la cité pour prendre la route et aller travailler de l’autre côté de la frontière. Là, elles deviennent Athéna, Circé et Héra dans une maison close. Filles de joie, héroïnes du quotidien, chacune se bat pour sa famille, pour garder sa dignité. Mais quand la vie de l’une est en danger, elles s’unissent pour faire face à l’adversité.
Chronique : Filles de Joie offre un prolongement au film Bande de Filles, son versant adulte en quelque sorte, faisant alors de la cité une terre sans avenir aucun, un lieu d’emblée marginalisé au sein de la géographie urbaine, caractérisé par son architecture en tours, un espace dans lequel les familles tentent de vivre en luttant contre la misère et la violence intestine qui les menacent. Même ancrage social, même destin croisé de plusieurs femmes ici adolescente, jeune mère de trois enfants en rupture avec son conjoint et mère cinquantenaire ; trois âges de la vie contraints de se tourner vers le plus vieux métier du monde pour subvenir à leurs besoins et à ceux de leur famille respective. Néanmoins, le film a l’intelligence de l’antiphrase que porte son titre : il représente des personnages qui simulent la joie – essentiellement la jouissance – tout en étant conscients de leur impossible fuite. Les « filles de joie » sont des actrices : perruques, déguisements érotiques, accessoires, tout cela contribue à dissocier le travail de la vie privée, distinction qu’apprend à ses dépens Conso, interprétée avec puissance par Annabelle Lengronne ; elles sont des spécialistes du désir masculin, capables d’anticiper les comportements, de répondre aux besoins, de satisfaire la demande.
Aussi le trajet en voiture vers l’étranger – la Belgique, pays où la prostitution est encadrée par la loi – est-il ambivalent : à la fois aveu d’un échec, celui de ne pouvoir s’élever socialement, et conquête d’un semblant de liberté, puisqu’il traduit le passage d’une prison subie (la tour d’immeuble) à une prison choisie, une prison de luxe dans laquelle – seul avantage véritable, si tant est que l’on puisse parler d’avantage – elles deviennent maîtres à bord, elles gouvernent leurs clients. Le long métrage se plaît à déconstruire les mythes virils qu’érige l’homme pour assurer sa suprématie : les vingt centimètres réglementaires, l’orgasme féminin comme preuve de leur vaillance au combat… Il accorde une place importante aux échanges verbaux entre les « filles de joie », au partage de leur expérience et de leurs anecdotes. Ces femmes disposent d’un pouvoir essentiel, un pouvoir de désacralisation du masculin et de reconquête de leur liberté sexuelle. Elles travaillent l’illusion, adoptent des postures. Mais sont paradoxalement les seules à savoir distinguer l’artefact de la réalité, séparer la fiction et sa concrétisation dans la douleur (à l’opposé d’un personnage comme Yann). En parallèle à cette immersion dans un milieu socio-professionnel, le long métrage de Frédéric Fonteyne et Anne Paulicevich est également un grand film sur l’amitié qui résiste contre vents et marées, s’affirme tel un cocon protecteur constamment sur le point d’exploser – l’arme à feu, la drogue, l’accident – mais toujours là. Malgré ses lourdeurs initiales qui laissaient présager un drame social déjà vu et revu, Filles de Joie est une œuvre surprenante qui a le mérite de convertir la puissance de ses femmes en force de mise en scène : réalisation à mi-chemin entre le documentaire et la poésie, n’ayant pas peur des ralentis (légers), montage qui pense les ellipses, les retours en arrière comme l’assemblage des pièces d’un puzzle identitaire, nappes musicales envoûtantes et mélancoliques, trio d’actrices remarquables, dont il faut, pour finir, rappeler les noms : Sara Forestier, Noémie Lvovsky et Annabelle Lengronne.
L’histoire de la légendaire Tomiris. Destinée à devenir grande reine de la steppe, cette guerrière redoutable va devoir affronter de nombreuses épreuves pour reconquérir son royaume. Après avoir survécu au massacre qui a décimé ses proches, elle tentera d’unir les tribus des Scythians et des Sakas pour gagner le combat et vaincre les envahisseurs.
Chronique : L’épopée hérodote à grande échelle de Satayev s’étend sur deux bonnes heures et demie pour sa durée, car elle vous plonge dans un flash-back à une époque où les tribus nomades Saka régnaient sur la steppe. Notre histoire se concentre sur le personnage principal de Tomiris, élevé depuis sa naissance dans les Massagètes, dirigé par le chef de tribu Spargap (Murat Bisenbin), élevé, aimé et formé à tous les aspects de la vie et de la survie des guerriers. Bien que la vie dans la steppe soit paisible, ce n’est qu’une question de temps avant que la paix ne soit bouleversée dans un moment de trahison, forçant les cohortes de Spargap à sauver Tomiris et à s’échapper en lieu sûr alors que les assassins khwarezmiens attaquent.
Parvenant à trouver une maison dans les bois, Tomiris (Almira Tursyn) est élevée dans la féminité avec des rêves de vengeance, mais l’ombre de la mort se cache toujours derrière. Seul survivant d’une attaque vicieuse, Tomiris, blessé au combat, à cheval, est mené dans le désert et récupéré par Sardana (Aizhan Lighg), le guerrier alpha de la tribu amazonienne, les Savromates. Sa nouvelle alliance lui apporte non seulement la guérison, mais une nouvelle fraternité, ainsi qu’une perspective romantique potentielle du fils adepte du chef Dahae, Argun (Adil Akhmetov). Au fil du temps, cependant, cela s’avère également un moment opportun qui accorde non seulement à Tomiris la vengeance dont elle a besoin, mais un formidable retour à son droit d’aînesse: le trône de son père.
Alors que les adaptations cinématographiques basées sur des icônes de l’histoire du monde antique demandent des tonnes de recherches, les épopées historiques ont généralement tendance à jouer un peu vaguement avec certains éléments dans un souci de libertés créatives, et donc la conversation concernant les itérations comparatives de l’histoire de Tomiris est tout à fait la bienvenue. si cela signifie que nous en apprenons plus sur la légende elle-même, et surtout si un autre réalisateur décide de prendre le relais pour sa propre version filmique. Quant à Tomiris de Satayev , il ne s’agit peut-être pas d’un récit homogène de l’histoire de l’ancienne reine guerrière, mais à plus de 150 minutes – cinquante-cinq minutes de moins que sa version originale telle que projetée au Kazakhstan à la fin de l’année dernière, le film n’est rien de court. de stimulant comme déclencheur de conversation.
À cet effet, Tomiris s’ajoute gracieusement au panthéon des films tentaculaires d’épée et de bouclier, accomplissant pour les épopées de guerre à front féminin ce que les auteurs, artistes et érudits d’antan ont fait pour Odysseus et Arthur Pendragon, et même Rani Lakshmi Bai, elle-même le sujet de deux films récents: The Warrior Queen Of Jhansi et Manikarnika: The Queen Of Jhansi . Pour couronner le tout, c’est l’actrice de casting Almira Tursyn sur une liste de quinze mille candidats, dans ce qui serait finalement son premier rôle dans le long métrage.
Le reste du film explore les dangers auxquels Tomiris et ses hommes sont confrontés lorsque le légendaire chef de guerre perse Cyrus le Grand (Ghassan Massoud) entre dans le millieu et se retrouve dans une bataille d’esprit lorsque Cyrus envoie ses émissaires parler avec Argun. Le film plonge également plus tôt dans le propre conflit intérieur de Tomiris, en essayant de déchiffrer ses cauchemars récurrents d’affronter une bête démoniaque ressemblant à un lion fait de fumée et de feu (risqué, d’auditer sa propre humanité tout en agissant conformément à ses pairs. comme, à toutes fins utiles, un bandit; Il ne fait aucun doute qu’avec la formation et les dons de Tomiris accumulés depuis l’enfance, ils seraient tous utilisés pour aider à piller et à piller les villages voisins, comme l’a fait son père. Au profit des scénaristes Aliya Nazarbayeva et Timur Zhaksylykov, que c’était un mode de vie à cette époque particulière de l’histoire du monde présente plusieurs moments de personnage opportuns au crédit de notre héroïne principale, ce qui est essentiel à l’intrigue du film afin de susciter la sympathie quand cela compte.
Comme tous les héros en exil confrontés à la tâche herculéenne de rassembler des soutiens pour un retour gargantuesque, Tomiris endure définitivement sa part de difficultés jusqu’à rencontrer Sardana. Le chef Savromat et ses cohortes reconnaissent l’homonyme de Tomiris – l’anneau du leadership tribal de son père – ainsi que vos talents physiques compétitifs et votre intelligence. En dehors de leurs propres avantages politiques, Sardana elle-même ne voit rien de moins que de camraderie dans son lien avec Tomiris, lui donnant un allié pour lequel elle se battrait sans équivoque en cas de besoin. La romance de Tomiris avec Argun est une infusion lente et régulière qui fournit une histoire d’amour décente remplie de tout le charme et la rumeur auxquels vous pouvez vous attendre entre deux tueurs professionnels tombant amoureux et le bouleversement inquiétant auquel ils sont confrontés au fil du temps.
La bataille climatique qui attend entre la reine nomade et Cyrus, qui aurait conquis jusqu’à la moitié du monde à ce stade, fait partie intégrante de Tomiris . Un stratagème audacieux de la part de Cyrus est le catalyseur qui enflamme la rivalité amère à un moment clé qui voit instantanément Tomiris de Tursyn aller à fond sur Leonitus dans une scène qui aurait indélébile Zack Snyder sourire d’admiration, alors qu’elle commence à fléchir ses muscles comme une adroite stratège de guerre.
Alors qu’une coupe prolongée de Tomiris peut un jour offrir au public en dehors du Kazakhstan le luxe de voir la pleine réalisation par Satayev de l’histoire de la reine guerrière nomade, la version actuelle offre une portion plus que lourde de spectacle biographique cinématographique. Du drame bouillonnant, de la romance et du sous-texte énigmatique au son tonitruant des sabots de cheval au galop au milieu des séquences de combat méticuleusement conçues par le coordinateur des cascades Zhaidarbek Kunguzhinov, en passant par la partition ambiante et la conception de la production, pour ce que ça vaut, Tomiris offre un jeu complet. opus d’action historique féministe qui mérite notre attention.
Ayka vient d’accoucher. Elle ne peut pas se permettre d’avoir un enfant. Elle n’a pas de travail, trop de dettes à rembourser, même pas une chambre à elle. Mais c’est compter sans la nature, qui reprendra ses droits.
Critique : Ayka a vingt-cinq ans. Elle a quitté le Kirghizistan pour la Russie dans l’espoir d’une vie meilleure. Mais elle accumule les déboires à Moscou. Logée par un marchand de sommeil dans un appartement communautaire surpeuplé, elle est exploitée par des employeurs qui profitent de son statut de sans papiers. Pour lancer un petit atelier de couture, elle s’est endettée et est maintenant harcelée par ses créanciers aux pratiques mafieuses. Quand elle tombe enceinte, elle n’a d’autre alternative que d’abandonner à la maternité son nouveau-né. Les faits qui précèdent sont progressivement portés à la connaissance du spectateur qui découvre Ayka à la maternité et la suit, caméra à l’épaule, à peine relevée de couches dans un Moscou battu par la neige. On découvre à travers ses yeux son travail harassant pour un patron qui refuse de la payer, la Kommunaulka sordide où elle habite, les appels incessants sur son téléphone portable (ah ! cette sonnerie stridente !) de chasseurs de dettes de plus en plus menaçants. L’histoire de cette Rosetta centre-asiatique se transforme en calvaire, sa résistance en martyre. La charge pourrait être trop lourde, le sujet étouffant. À force d’ajouter à la liste d’avanies qui s’abat sur la malheureuse, le scénario frise l’overdose. Et il n’échappe pas au simplisme : ainsi de cette insistance à montrer combien la société russe est plus douce aux animaux, tels ceux de ce cabinet vétérinaire où Ayka trouve un refuge éphémère, qu’aux humains. Mais loin de nous terrasser, « Ayka » nous subjugue. La raison en est dans l’actrice qui l’interprète. Samal Yeslyamova est kazakhe. Elle tournait déjà dans le précédent film de Sergey Dvortsevoy, « Tulpan » (2008). Elle a obtenu à Cannes la Palme de la meilleure actrice. Elle la mérite amplement. Engoncée dans une parka trop fine pour les frimas de l’hiver russe, les mains nues, glacées par le froid, elle titube dans les rues de Moscou, affaiblie d’abord par une hémorragie du post-partum et bientôt par un début de mastite. Elle encaisse sans faillir les coups du sort et y pare comme elle peut. La scène finale, qui laisse toutes les options ouvertes, est sublime. Elle rappelle la dernière page des « Raisins de la colère ». C’est dire…
The Lie se centre sur le mystère entourant la mort de la jeune amie de Kayla. Ses parents ainsi que la famille de la défunte vont tenter de la percer à jour pour démêler le nœud de l’histoire : était-ce un accident ou un meurtre ?
Chronique : Jusqu’où iriez-vous pour protéger votre enfant si celui-ci avait pris une vie ? Telle est la grande interrogation qui anime ce remake US du film allemand « We Monsters » faisant désormais partie de l’anthologie « Welcome to Blumhouse » diffusée sur Amazon Prime Video. Écrit et réalisé par Veena Sud (la showrunneuse de « The Killing » US), « The Lie » nous introduit donc dans le quotidien de Kayla, adolescente visiblement encore perturbée par le divorce de ses parents Rebecca (Mireille Enos), brillante avocate, et Jay (Peter Sasgaard), un musicien un brin immature. Alors qu’il emmène en voiture Kayla et sa meilleure amie Brittany à un stage de danse, Jay perd de vue momentanément les deux jeunes filles lors d’une pause au bord de la route enneigée. Quand il retrouve enfin Kayla seule en haut d’un pont, elle lui confesse avoir fait chuter mortellement Brittany au fond de la rivière glacée. Le début d’un terrible engrenage pour cette famille qui décide de garder le secret sur l’acte de Kayla… Si l’on s’arrête sur le côté purement thriller de « The Lie », le film est hélas un véritable échec vu son incapacité à entretenir le peu d’aura de mystère qui entoure son point de départ. Même si elle reste solide globalement, la mise en scène de Veena Sud manque en effet cruellement de finesse à la fois dans la manière de nous rapporter les premières minutes pourtant décisives du film et dans certains subterfuges utilisés en guise de fausses pistes. Et, si l’on ajoute ensuite le comportement de Kayla atteignant des sommets aussi vertigineux qu’improbables de versatilité (triste/heureuse/sociopathe/dans le déni/traumatisé/… tout y passe), nul besoin d’être un fin limier pour comprendre ce qui se cache derrière cette sombre histoire. Alors, bien sûr, ce dernier point peut être mis sur le contrecoup de la tragédie vécue, on peut le comprendre aisément, sans compter que l’adolescence n’est pas la période de la vie où le caractère d’un individu est le plus constant, mais, cumulé au manque de subtilité de la réalisation lors de passages-clés, il est clair que « The Lie » ne mettra aucune chance de son côté pour nous faire tomber à la renverse de surprise durant ses derniers instants. Reste alors l’aspect plus dramatique de « The Lie » axé sur la spirale du mensonge dans laquelle les deux parents se retrouvent et les conséquences sur leur vie de famille. Sur cet élan plus intimiste, Veena Sud s’en sort mieux, bien aidé par le duo très convaincant Mireille Enos/Peter Sasgaard qui donne un vrai supplément d’âme au film dans le rôle de ce couple obligé de se ressouder envers et contre tous pour protéger leur progéniture. On pardonne même dans un premier temps leurs agissements très maladroits en ce sens (ils s’embourbent eux-mêmes dans leurs mensonges et les très mauvaises idées, les agissements de la mère pourtant avocate en sont presque kamikazes) tant l’instinct de préservation familiale sous la pression qui les anime sort grandi par le jeu des deux comédiens. Là encore, le choc du drame et la précipitation des événements peuvent aussi excuser leur improvisation devant cette situation inédite pour eux… mais le film va pousser le bouchon beaucoup trop loin sur la durée. De plus en plus dans l’impasse pour s’en sortir, les actes désespérés des parents prendront ainsi une tournure complètement irrationnelle -voire ridicule- dans la dernière partie, éludant hélas les qualités dramatiques du film entrevues jusque-là et que l’on aurait voulu saluer jusqu’à son terme. Vraiment dommage, car la conversation finale se recentrant justement sur cette notion d’unité familiale avec l’aide de ses interprètes était à l’inverse plutôt réussie. Thriller aussi peu habile que ses personnages dans l’adversité, « The Lie » tente de combler ses lacunes en se raccrochant avec une certaine justesse sur la dimension dramatique de son intrigue. Mais l’effort n’est hélas pas assez consistant sur l’ensemble du long-métrage pour être véritablement satisfaisant.
Mamoudou Athie joue un père veuf atteint de trous de mémoire suite à un accident. Pour en guérir, il s’engage à suivre un traitement unique : grâce à un dispositif de réalité virtuelle, il est transporté dans son subconscient. Cette sorte d’hypnose 2.0 va l’obliger à combattre ses démons mais aussi à découvrir de lourds secrets.
Critique : Autre film de l’anthologie « Welcome to the Blumhouse » disponible sur Amazon Prime Video, « Black Box » fait plutôt figure de plaisante surprise (mais un poil trop classique) comparé au très oubliable « The Lie » sorti simultanément. Victime d’un accident de voiture ayant tué son épouse, Nolan tente péniblement de retrouver les souvenirs perdus de son existence avec l’aide de sa fille. Son amnésie lui posant de plus en plus de problèmes au quotidien, il décide de recourir à un traitement expérimental qui lui permet de revivre littéralement chacun de ses souvenirs perdus. Au fur et à mesure de la procédure, au milieu des visages effacés de ses fragments de mémoire, une mystérieuse silhouette semble toujours vouloir le prendre en chasse… Dans sa première partie, « Black Box » fait d’abord le choix judicieux de nous faire partager la perte totale de repères de son héros. Il habite une maison qui lui est étrangère, il regarde les photos de moments heureux qu’il semble visiblement avoir vécu, sa fille lui apprend à reproduire les gestes d’affection qu’il sait avoir partagé avec elle autrefois… Mais, malgré tous ses efforts, rien n’y fait, Nolan n’arrive pas à s’approprier les éléments de ce passé qu’on lui présente comme le sien et, pire encore, à retrouver les traits de personnalité qui le définissaient jusqu’alors en tant qu’individu. À ce jeu, on peut dire que l’empathie avec ce héros « perdu » dans sa propre vie est immédiate, Mamoudou Athie le campe avec conviction et les moments partagés entre son personnage et sa choupinette de fille prête à tout pour soutenir son père véhiculent la force d’un lien affectif amené à avoir une importance cruciale dans la suite des événements. Lorsque les premières séances ayant pour but de guérir Nolan grâce à l’hypnose et la fameuse Black Box démarrent, il faut bien avouer que les expériences retranscrites dans le film rappellent dangereusement celles de bon nombre de thrillers utilisant la recherche de souvenirs (et les visions étranges qu’elle engendre à l’écran) dans le but de mieux dissimuler un traumatisme ou une conspiration qui bouleversera tôt ou tard la quête de vérité de son héros. L’addition d’une imagerie proche d’un « Hypnose » 2.0 (réussie) afin de retranscrire justement l’état hypnotique de Nolan et de la présence d’un étrange assaillant contorsionniste cherchant à l’empêcher de recouvrer sa mémoire tend d’ailleurs assez vite à confirmer cette théorie (et cette crainte) mais « Black Box » va finalement prendre une bien meilleure direction scénaristique. Certes, il y aura bien quelques secrets à découvrir sur ce qui a conduit à la condition actuelle de Nolan mais ils seront surtout là pour accompagner le film vers la révélation de son concept SF délicieusement rétro, clin d’oeil évident à l’esprit de « La Quatrième Dimension » à la fois par le fait de ne jamais perdre de vue le facteur humain au cœur de manipulations qui le dépassent et par la manière d’aborder son apparente abstraction grâce à une mise en scène se reposant intelligemment sur ses acteurs et quelques simples artifices. L’idée n’est pas totalement originale pour autant mais « Black Box » va l’exploiter avec une réelle efficacité tout en faisant de la donnée familiale la composante essentielle de son propos entre deux camps qui s’opposent. On pourra reprocher au film de s’étirer un peu trop longtemps une fois ses véritables enjeux connus, il est vrai que notre intérêt s’amenuise dans une dernière partie qui ne fait guère de mystère quant à sa destination finale (et son épilogue très attendu), le format court d’un épisode de série anthologique aurait été sans doute plus raisonnable pour raconter une telle histoire. Cependant, même s’il n’a pas tous les atouts en main pour constituer une proposition susceptible de s’inscrire durablement dans les mémoires, « Black Box » a l’intelligence d’utiliser ceux à sa disposition pour offrir un divertissement très correct en son genre.
Trois volontaires ukrainiens, Dmytro Trompac, Anatolii Fateev, Oleksii Sokolovsky, blessés lors de la guerre avec les Russes et les séparatistes sont soignés à l’hôpital militaire de Kiev. Représentant trois générations, trois milieux sociaux, trois régions différentes, ils se rétablissent, s’ennuient, espèrent et préparent leur avenir.
Chronique : Chaque film a sa genèse. Celle de We Are Soldiers n’est pas banale. Svitlana Smirnova était actrice de théâtre. Elle s’est portée volontaire comme infirmière à l’hôpital de Kiev pour apporter des soins aux volontaires blessés sur le front. C’est à partir de cette expérience qu’elle a voulu revenir avec un caméraman et recueillir des témoignages de blessés amputés qui tentent de se reconstruire. Svitlana Smirnova voulait montrer trois civils qui s’étaient portés volontaires et qui représentaient trois générations différentes. « Le temps que mon directeur de la photographie soit disponible, l’une des personnes que je voulais filmer a fini par quitter l’hôpital, mais c’est à ce moment là que j’ai rencontré Oleksii. J’avais trouvé mon trio de personnages », se rappelle-t-elle. Le tournage de We Are Soldiers a duré un mois, tous les jours. Parfois, Matthieu-David Cournot, le directeur de la photographie, devait tourner sans Svitlana Smirnova parce que la cinéaste avait en parallèle beaucoup de contraintes administratives à gérer. « Nous avions très peu de matériel : un appareil photo et un micro cravate. Nous sommes retournés dans l’hôpital, un an plus tard, pour enregistrer des ambiances sonores, nous n’avions pas eu le temps lors du tournage », précise-t-elle.
D’entrée, l’émotion nous prend à la gorge et monte crescendo. Les images de Matthieu-David Cournot sont terribles, touchantes, magnifiques. Tout comme l’histoire personnelle et professionnelle de ces hommes. Quelques minutes suffisent. La seule expérience visuelle, sublime, parvient à nous captiver. Mais cette force d’attraction de la prouesse technique ne serait rien s’il n’y avait pas derrière chaque image une composition picturale. Une composition à laquelle participent le cadre dramatique, l’intrigue même… Cette alchimie est source d’un pouvoir irrésistible car elle n’est qu’un simple ustensile pour servir un propos remarquablement mené, qui intrigue tout de suite tant il sait jouer de la suggestion, qui prend au cœur tant il parvient à se focaliser sur l’humain, et qui trouble tant il semble mieux cerner la réalité au travers du dessin qu’au travers de l’image réelle. D’ailleurs »We Are Soldiers » pourrait finalement se résumer à ça : détourner l’image de la réalité pour mieux l’atteindre ; toucher par le rêve quand les images les plus concrètes ont été banalisées par nos esprits. Voilà bien la plus subtile des démarches, induite qui plus est par cette intrigue d’anciens soldats qui cherchent à se souvenir d’un passé dérangeant qu’ils ont préféré occulter. Détourner pour mieux regarder ; travestir pour mieux transmettre ; mélanger les codes pour mieux dérouter ; suggérer plutôt qu’ingérer. Cette démarche, c’est celle de l’artiste et nul doute que cette « We Are Soldiers » est une œuvre documentaire touchante . 3 volontaires principaux, Dmytro , Anatolii et Oleksii racontent leurs vies d’avant, les raisons de leur engagement et leur ressenti par rapport à leur situation. Les 3 parcours différents interrogent sur leur psyché avec différentes subjectivités. Ceci étant dit, tout est dit. Il ne vous reste plus qu’à franchir le pas et enfin vous risquer à la confrontation car cette oeuvre a de quoi faire tourner quelques têtes…C’est un film grand film (documentaire) dont on ne sort pas indemne. Aussi alarmant que plein d’espoir. Formidable, inoubliable et bouleversant.
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