Michael Kingley, homme d’affaires de 70 ans respecté au caractère bien trempé, se replonge dans une enfance qu’il pensait enfouie à tout jamais. Une époque où il était Mike, dit Storm Boy, « l’enfant-tempête ». Une époque où il vivait avec son père, Tom, dans une cabane faite de bric et de broc, sur un coin sauvage du littoral méridional de l’Australie. Une époque où il sauva d’une mort certaine un extraordinaire bébé pélican baptisé Mr Perceval, dont le destin influença sa vie à tout jamais.

Chronique :  Dans une nouvelle adaptation du livre australien pour enfants « Storm Boy » du début des années 1960, l’histoire d’un enfant qui élève des pélicans est mise à jour avec un effet mixte.

De nos jours, un homme d’affaires, Michael Kingley (Geoffrey Rush), est prêt à conclure un marché avec le diable – dans ce cas-ci, une société minière – qui décimerait l’écosystème naturel de sa maison. Sa petite-fille (Morgana Davies) le pousse à reconsidérer sa décision, poussant Michael à lui parler de son enfance. Il se souvient de sa jeunesse sur la côte, racontant l’époque où il était mieux connu sous le nom de Storm Boy.

Le réalisateur Shawn Seet passe entre les scènes de Michael à l’âge adulte et ses souvenirs de Storm Boy (Finn Little), un enfant qui vit dans l’isolement avec son père, Hideaway Tom (Jai Courtney). Ils habitent dans une cabane qui se trouve sur une terre dont ils espèrent qu’elle deviendra un sanctuaire pour les pélicans, mais les chasseurs menacent la pureté de la région et tuent les oiseaux pour le sport.

L’éducation lâche de Storm Boy vient de son père, ce qui lui laisse un temps infini pour se promener sur la plage. Il trouve trois poussins orphelins de chasseurs et décide d’élever les oiseaux avec l’aide de son père et de Fingerbone Bill (Trevor Jamieson), un autochtone  qui lui apprend à prendre soin de la terre et des animaux. Storm Boy nourrit les trois pélicans, formant un lien particulier avec un oiseau qu’il nomme M. Percival, qui rend à l’enfant sa loyauté au-delà de toute attente.

« Storm Boy » tente de se présenter comme une fable moderne, où les leçons apprises sont directement liées aux préoccupations actuelles concernant l’environnement, l’industrialisation et la marginalisation des cultures indigènes. Mais ces thèmes semblent plus didactiques qu’émouvants.

Imprégnée des traditions locales fournies par Fingerbone Bill de Trevor Jamieson, un Ngarrindjeri indigène avec lequel Michael forme également un lien, tout en puisant dans plusieurs questions environnementales et culturelles pertinentes, la production magnifiquement filmée du réalisateur Seet s’avère aussi pertinente aujourd’hui qu’il y a 40 ans et plus.

A la fois exaltant et mélancolique, c’est le bon « Storm Boy » pour notre époque turbulente.

Note : 8,5/10

Ralph quitte l’univers des jeux d’arcade pour s’aventurer dans le monde sans limite d’Internet. La Toile va-t-elle résister à son légendaire talent de démolisseur ? Ralph et son amie Vanellope von Schweetz vont prendre tous les risques en s’aventurant dans l’étrange univers d’Internet à la recherche d’une pièce de rechange pour réparer la borne de Sugar Rush, le jeu vidéo dans lequel vit Vanellope. Rapidement dépassés par le monde qui les entoure, ils vont devoir demander de l’aide aux habitants d’Internet, les Netizens, afin de trouver leur chemin, et notamment à Yesss, l’algorithme principal, le coeur et l’âme du site créateur de tendances BuzzzTube…

Chronique :Ralph 2.0 reprend quelques années après les événements du premier film. Ralph et Vanellope sont les meilleurs amis qui passent tout leur temps libre ensemble, mais les choses changent. Là où Ralph voit sa vie comme parfaite, content de faire les mêmes choses encore et encore et encore, Vanellope en redemande. Lorsque Ralph tente d’aider Vanellope en construisant une nouvelle piste à Sugar Rush, il y a un accident et la roue du conducteur se détache de son jeu d’arcade, condamnant l’univers de Vanellope et de ses amis à la casse, car une roue de remplacement est trop chère.

La seule façon de sauver Sugar Rush ? Partez en voyage à travers Internet pour obtenir la roue de remplacement sur eBay. En cours de route, Ralph se laisse entraîner dans l’obscurité du web et des vidéos virales tandis que Vanellope découvre un univers de course Grand Theft Auto-esque – un jeu de course sans limites – qui pourrait bien être le « plus » qu’elle a toujours voulu. Les amitiés sont mises à l’épreuve. On se moque d’Internet. Et dans l’ensemble, c’est une période assez amusante.

Le film m’a finalement séduit par la façon dont il met l’accent sur l’amitié de Ralph et Vanellope ; chacun d’eux a un arc émotionnel honnête et les voir aux prises avec leurs différences et les erreurs qui en découlent est vraiment émotionnel. Cependant, je dirais aussi que le film se sent un peu forcé par rapport au film original.  C’est un film où j’ai l’impression de voir les cinéastes tirer les ficelles par moments, contrairement au premier film qui se sent plus organique. Il est peut-être plus difficile d’ignorer le présent qu’il ne l’était il y a des décennies. Quoi qu’il en soit, il m’a fallu un certain temps pour établir un lien avec le film, mais, comme je l’ai mentionné plus haut, il m’a finalement conquis avec un point culminant excitant et une histoire sérieuse.

Note : 9/10

Vidéo : Ralph est avec  un encodage 1080p / AVC MPEG-4 d’une qualité de référence spectaculaire, superposant cette vision incroyablement imaginative d’Internet avec tellement de choses qui se passent en arrière-plan que les fans seront assurés de revoir le film plusieurs fois pour le voir. ce qu’ils ont manqué. Le plus petit objet qui vole dans les airs, les faisceaux de lumière clignotants qui clignotent tout autour et les petites icônes numériques en forme de 16 bits des visiteurs sont toujours distincts à distance. Des plans plus rapprochés des personnages révèlent la quantité de travail nécessaire pour concevoir les coutures des vêtements, en particulier pour enfiler le pull et les chaussettes de Vanellope et les plis dans la veste en cuir de Shank. Certains des meilleurs moments à ne pas manquer se déroulent dans la course à l’abattage, où les téléspectateurs peuvent clairement distinguer toutes les imperfections et les imperfections des bâtiments, des panneaux d’affichage et des rues des quartiers sombres, même pendant la course animée.

Les visuels hypnotisants prennent vie grâce à un contraste saisissant qui maintient l’action optimiste et dynamique même pendant la seconde moitié de la saison, plus sombre et plus sombre. Les téléspectateurs peuvent distinguer les plus petits aspects des blancs les plus lumineux et les plus chauds, là où les hautes lumières restent nettes et scintillantes sans rien perdre de leur éclat lumineux. Pendant ce temps, les niveaux de noir sont saturés et veloutés, avec des détails progressifs et une visibilité remarquables dans les coins les plus noirs du cadre, ce qui confère à l’image 2,39: 1 une qualité tridimensionnelle. Et comme on pouvait s’y attendre, la suite animée par CG est remplie de somptueuses primaires avec un assortiment impressionnant de blues partout. Le meilleur de tous est la gamme hypnotique et accrocheuse de teintes secondaires et de pastels donnant vie à toute la bêtise, et bien que la séquence avec les princesses Disney soit excellente, je suggérerais que les rues captivantes et captivantes susmentionnées soient aussi belles que belles. matériau digne.

Audio :  Dans les premiers instants où nos protagonistes sont en froid dans la communauté du power strip, le tumulte des autres propriétés de jeu vidéo envahit presque instantanément l’environnement, et il en va de même pour la majorité du temps d’exécution. Plus tard, lorsque vous visitez le moteur de recherche Internet, les voix des personnages résonnent, les sons des bips numériques retentissent d’un haut-parleur à l’autre, et les icônes se déplacent d’un côté à l’autre de la pièce avec un panoramique parfait, générant une champ sonore satisfaisant et immersif. Cependant, le design n’est pas toujours enveloppant, mais les meilleurs moments dignes d’une démo sont ceux où une bataille éclate à l’intérieur du jeu Slaughter Race ou dans la seconde moitié du film.

D’autre part, les séquences plus calmes et axées sur le dialogue sont précises et bien hiérarchisées dans un environnement sonore débordant d’énergie. Présentant une distinction et une séparation remarquables au sein des médiums, l’imagerie semble continuellement large et spacieuse lorsque divers effets ambiants se déplacent de manière fluide entre les canaux avant et dans l’espace hors écran de manière convaincante. La partition de Henry Jackman affiche également beaucoup de chaleur et de fidélité tout en saignant légèrement sur les côtés. Bien que les graves ne soient peut-être pas ce que les visuels pourraient laisser supposer, la basse est néanmoins robuste, avec un poids solide, palpable, dans la musique et l’action.

Bonus :

• Comment on a cassé Internet (HD, 33 min): Avec de nombreuses interviews et des séquences de BTS, l’article présente un regard assez approfondi sur la création d’Internet et des personnages.
•   La musique de Ralph 2.0 (HD, 10 min): Discussion sur les sélections de musique et de chansons avec des interviews d’Imagine Dragons, de Julia Michaels, d’Alan Menken et de Sarah Silverman.
•   Les clins d’oeil dans le film (HD, 4 min): quelques minutes révélant les diverses allusions.
• BuzzzTube Cats (HD, 2 min): Compilation des vidéos utilisées dans le film.
• Scènes supprimées (HD, 19 min): Cinq scènes supprimées avec les intros des réalisateurs Rich Moore et Phil Johnston.

1. 1. Dans l’Internet
   2. Les opposés
   3. Enfer domestique
   4. Bulle d’un
   5. Recruter grand-mère

• Vidéoclips (HD, 8 min): Imagine Dragons interprète « Zero » et Julia Michaels interprète « In This Place ».

• Réalisateurs : Rich Moore, Phil Johnston
• Audio : Néerlandais (Dolby Digital 5.1), Anglais (DTS-HD 7.1), Néerlandais belge (Dolby Digital 5.1), Français
• Sous-titres : Français, Néerlandais
• Sous-titres pour sourds et malentendants : Anglais
• Région : Toutes les régions
• Rapport de forme : 2.39:1
• Nombre de disques : 1
• Studio : Walt Disney France
• Date de sortie du DVD : 21 juin 2019
• Durée : 112 minutes

Harold est maintenant le chef de Berk au côté d’Astrid et Krokmou, en tant que dragon, est devenu le leader de son espèce. Ils réalisent enfin leurs rêves de vivre en paix entre vikings et dragons. Mais lorsque l’apparition soudaine d’une Furie Eclair coïncide avec la plus grande menace que le village n’ait jamais connue, Harold et Krokmou sont forcés de quitter leur village pour un voyage dans un monde caché dont ils n’auraient jamais soupçonnés l’existence. Alors que leurs véritables destins se révèlent, dragons et vikings vont se battre ensemble jusqu’au bout du monde pour protéger tout ce qu’ils chérissent

Chronique : Il y a des années, le petit fils faible d’un chef viking a appris à dresser un dragon. Non seulement le hoquet s’est lié d’amitié avec une redoutable furie nocturne nommée Krokmou, mais il a aussi trouvé un moyen d’aider les hommes et les dragons à vivre en paix tout en renouant une relation avec son père costaud et distant. Plus tard, lorsqu’un fou a essayé d’asservir tous les dragons pour pouvoir prendre le contrôle du monde. Dragons 3 n’est ni plus ni moins que la superbe conclusion attendue. Quel plaisir de retrouver Harold, Astrid, Krokmou, Valka et tout le village de Berk, en proie à un nouvel ennemi, Grimmel le Grave. Le film est d’une beauté plastique sans nom, à tel point qu’on est souvent dans du photoréalisme en terme de textures, un nouveau palier dans l’animation 3D a été franchi c’est évident. Si ce 3e (et dernier opus) se révèle peut-être moins épique (et foncièrement) moins surprenant dans son récit (Grimmel ressemblant pas mal à Drago dans ses intentions), le film est réellement la dernière pierre à l’édifice de cette grande histoire d’amitié et de passage à l’âge adulte pour Harold et Krokmou, l’un devant devenir chef (et mari), et pleinement assumer le rôle de guide laissé vacant suite aux évènements tragiques de Dragons 2, l’autre devant trouver sa place de chef des dragons en tant qu’Alpha, au même moment où une Furie Eclair intervient. La réalisation est encore une fois terriblement soignée, délivrant des plans et un souci du détail de toute beauté (la photo de Roger Deakins reste un must), allié à une nouvelle partition de John Powell absolument superbe (mention aux diverses envolées lyriques entre Krokmou et la Furie femelle, nous abreuvant de sonorités cristallines et magnifiques, comme un son à la harpe notamment). Le Monde Caché du titre en question emprunte pas mal à Avatar d’ailleurs (et est mis à l’honneur dans une scène plastiquement irréprochable). Donc malgré une trame générale plus attendue, mais toujours écrite avec le plus grand des soins, Dragons 3 est la digne conclusion qu’on espérait, prodiguant une grande histoire d’une cohérence rare, et nous dans ses 10 dernières minutes au pouvoir lacrymal important : car c’est là toute la beauté de cette magnifique trilogie, il n’y aura plus d’autres épisodes, on ne reverra plus tous ses personnages, et cette histoire à une vraie fin. Après le conte initiatique qu’était Dragons, après la fable épique de Dragons 2, Dragons 3 est l’achèvement de ce passage à l’âge adulte.

Note : 9,5/10

Vidéo : L’animation par ordinateur a toujours été un matériau de démonstration et Dragon 3  poursuit cette tendance. C’est l’un des disques les plus clairs, les plus détaillés et les plus colorés que j’aie jamais vus. Même les choses les plus difficiles à rendre – brouillards et ciel nocturne chargé de gradients – ne montrent aucun signe de bandes ou d’autres types d’erreurs d’encodage. Regardez attentivement les scènes les plus occupées au niveaux des personnages et  avec des centaines de combats d’humains et de dragons – et il n’y a aucun problème . Les niveaux de noir sont également forts, ce qui est particulièrement important lorsque le dragon  est doté d’échelles noires.(Sérieusement, arrêtez ce film dans les forêts, le village de Berk, ou dans le Monde Caché ; il y a tant à voir dans chaque image.) Le contraste, approfondit les niveaux de noir tout en évitant l’écrasement, et révèle aussi plus de couleurs et de détails dans les épées enflammées, les feux de camp/village et le souffle du dragon. Enfin, la gamme de couleurs plus large se distingue également, produisant des teintes et des tons à la fois plus réalistes et plus vifs.

Audio :  Les films d’animation vivent et meurent par leurs mixages sonores. Des mondes entiers surgissent de l’esprit des cinéastes, et nous sommes projetés dans leur univers, entendant et ressentant avec les personnages. Pour ce film, les dialogues sont nets et bien placés dans des séquences calmes et d’action. La partition épique de John Powell émane de chaque orateur, enveloppant le public de tous les horizons. Les effets sonores de la créature, de l’emplacement et de l’humain sont détaillés et se déplacent parfaitement sur la scène et autour de l’auditoire. (Regardez le petit moment où Krokmou se pavane autour des auditeurs.) J’aimerais juste que quelques autres de ces effets – comme le battement des ailes d’un dragon – s’élèvent et passent au-dessus de nos oreilles. Les fans  devraient également apprécier ce mélange, car vous pouvez entendre une fureur grondante dans le feu crépitant, le tonnerre qui s’écrase, les rugissements des dragons et les cascades de chutes d’eau.  En fin de compte, Dragon 3 se vante d’un mélange audio qui saura plaire aux fans et aux audiophiles .

Bonus :

• Courts-métrages de DreamWorks : deux courts-métrages aux directions artistiques très différentes sont inclus, à savoir Bilby (08:01 min) et Bird Karma (04:48 min).
• Ouverture alternative (03:19 min) : cette introduction est présentée sous une forme inachevée avec introduction optionnelle de Dean Deblois (00:56 min).
• Scènes coupées (09:15 min) : La queue automatique (01:59 min), Protecteur vs ravisseur (02:39 min), Mission d’espionnage (01:34 min), L’esprit avant l’épée (01:06 min) et Ta responsabilité (01:56 min). Non-finalisées. Il est possible de les visionner avec un commentaire de Dean Deblois (12:48 min au total).
• Donner voix à ton Viking (01:33 min) : un tour d’horizon très rapide sur les voix des personnages à travers des aperçus des séances d’enregistrement. Aucune interview n’est menée ici.
• Créer une histoire de dragons épique (04:25 min) : les intervenants abordent l’importance de développer ce monde imaginaire à travers de nouveaux personnages, mais aussi par le biais de régions inexplorées et des dragons fraîchement débarqués grâce aux suites. Des images capturées à différentes phases de la production puis de la promotion viennent illustrer les propos.
• Comment j’ai appris des dragons (03:42 min) : le casting vocal s’exprime enfin, notamment sur les différences entre prêter sa voix et se retrouver face à la caméra.
• Brave Wilderness présente : Nature + Dragons = Génial (07:52 min) : quels animaux ont inspiré les dragons dans leur design et leur manière de voler ? Deux featurettes y répondent : Les oiseaux et les chauves-souris, c’est top (03:34 min) et Animal + Animal = Dragon (04:16 min).
• Les chroniques du Dragon Mouton (02:35 min) : comment faire cohabiter des dragons avec des moutons ? Le mystère se dissipe grâce à Ami vs nourriture (01:21 min) et La société secrète des moutons (01:18 min).
• Un pont de dragons (03:29 min) : un focus sur les derniers arrivants ailés de Dragons 3.
• Grandir avec les Dragons (03:34 min) : analyse de l’évolution de Harold à travers les films, de garçon se souhaitant différent à homme assumé en charge de tout une communauté.
• La conception en évolution des Dragons (03:18 min) : étude du graphisme des personnages à travers les années, comment les faire grandir physiquement.
• Dessiner des dragons (03:09 min) : l’équipe dévoile ses inspirations derrière le design des dragons en s’arrêtant sur certains d’eux en particulier.
• Un méchant épique (01:44 min) : un stop bref sur le caractère et l’apparence du dernier antagoniste de la saga.
• La trilogie du dragon d’Astrid en 60 secondes (01:09 min) : un résumé de la trilogie vu à la vitesse de l’éclair.
• Bienvenue à New Berk (02:13 min) : présentation du Nouveau Beurk avec ses paysages et occupants.
• Commentaire sur le film : rendez-vous audio avec le scénariste/réalisateur Dean Deblois, le producteur Bradford Lewis et le chef de l’animation des personnages Simon Otto. Le trio développe plus en profondeur les éléments précédemment mentionnés et discute entre autres de l’intrigue, des défis techniques, etc.

• Réalisateurs : Dean DeBlois
• Format : Couleur, PAL
• Audio : Néerlandais (Dolby Digital 5.1), Anglais (Dolby Digital 5.1), Français (Dolby Digital 5.1), Néerlandais belge (Dolby Digital 5.1)
• Sous-titres : Français, Néerlandais belge, Néerlandais
• Sous-titres pour sourds et malentendants : Anglais
• Région : Région 2
• Rapport de forme : 2.35:1
• Nombre de disques : 1
• Studio : DreamWorks Animation SKG
• Date de sortie du DVD : 12 juin 2019
• Durée : 99 minutes

L’histoire de Mark Hogancamp, victime d’une amnésie totale après avoir été sauvagement agressé, et qui, en guise de thérapie, se lance dans la construction de la réplique d’un village belge durant la Seconde Guerre mondiale, mettant en scène les figurines des habitants en les identifiant à ses proches, ses agresseurs ou lui-même.

Chronique : « Bienvenue à Marwen » est à la fois un film très déstabilisant, absolument fascinant et incroyable ! Il demande de la part du spectateur une volonté de s’immerger complètement dans le mental pour le moins perturbé de Mark Hogancamp, et de comprendre toutes ses phobies et de là, tous les transferts qu’il met en place à travers ce monde de poupées mannequins qui représente son univers, ou tout au moins celui qu’il pense ou voudrait pouvoir maîtriser à sa façon. Un univers effrayant, qui rassure pourtant notre héros amnésique et psychotique, tout en l’obligeant à affronter ses peurs ! Comme si sa vie après l’agression dont il a été la victime plus que traumatisée, s’était réduite et concentrée sur ses petits personnages, surtout cette troupe de femmes avec lesquelles il pourra imaginer ce qui lui convient, devenir puissant tout en étant protégé et même devenir amoureux ! Le passage du monde réel à celui, totalement imaginaire est tout simplement bluffant dans la représentation des uns et des autres. Robert Zemeckis a su donner une âme à chaque petite poupée, dont les visages animés arrivent à se substituer à ceux des personnages réels qui entourent Mark dans son quotidien, et ce village belge pendant la seconde guerre mondiale devient ainsi le théâtre de ses démons à travers ces SS tyranniques qui représentent le mal ou son mal à lui ! On est franchement mal à l’aise et en même temps fascinés par cette histoire où le monde miniature est si bien rendu, si présent, si prégnant tout en étant ancré avec la vie réelle ! En effet, la dimension psychologique que ces petits êtres représentent est hallucinante, car ce qui pourrait être un jeu ou un hobby pour un homme lambda, est ici une véritable folie ou démence, en devenant une sorte de thérapie insidieuse, tantôt réparatrice et tantôt destructrice… Quel plaisir des yeux à travers cet univers inventif, quel film absolument inattendu et indescriptible qu’il faudra voir évidemment pour comprendre et réaliser cette douleur, avec un risque certain de tout rejeter en bloc, ou au contraire de trouver formidable dans l’idée et la réalisation ! Beaucoup de clins d’œil de la part de Robert Zemeckis, de Cendrillon (et ses escarpins à talons aiguilles !), à Hitchcock qui avec un acteur aussi étonnant que Steve Carell, feront de ce destin si effrayant et si particulier, une histoire et un personnage à découvrir sans hésiter !

Note : 9/10

Vidéo : Bienvenue à Marwen conserve toutes ses qualités techniques pour son passage en vidéo. Fort d’une belle définition, de contrastes éclatants et de couleurs chatoyantes, le Blu-ray délivre effectivement un rendu HD extrêmement réjouissant. Non seulement le niveau de détails des images est remarquable (notamment en ce qui concerne les figurines), mais la retranscription des décors de Marwen est également incroyablement riche.

Audio : Ajoutez à cela une piste audio VO Dolby TrueHD 5.1 ample et immersive, et vous obtenez une expérience de visionnage quasiment optimale. Face à son homologue anglaise, la piste française Dolby Digital 5.1 se défend plutôt bien, mais la première est tout de même nettement à privilégier pour pouvoir véritablement apprécier le jeu des acteurs et la puissance/délicatesse sonore de certaines séquences.

Bonus :Les bonus offerts par le disque ne convainquent pas totalement puisque leur nombre, et surtout leur durée, laissent indéniablement un goût de trop peu à l’issue du visionnage. Outre les scènes coupées, les autres modules proposés n’atteignent en effet même pas 15 minutes de durée. Compte tenu du caractère réel de l’histoire, on était en droit d’attendre beaucoup plus.

• Acteurs : Steve Carell, Leslie Mann, Diane Kruger, Merritt Wever, Janelle Monáe
• Réalisateurs : Robert Zemeckis
• Format : PAL
• Audio : Italien (Dolby Digital 5.1), Anglais (Dolby Digital 5.1), Français (Dolby Digital 5.1)
• Sous-titres : Finnois, Français, Suédois, Italien, Norvégien, Néerlandais, Danois, Arabe, Hindi
• Sous-titres pour sourds et malentendants : Anglais
• Région : Région 2
• Rapport de forme : 2.39:1
• Nombre de disques : 1
• Studio : Universal Pictures France
• Date de sortie du DVD : 15 mai 2019
• Durée : 111 minutes

Alain, la quarantaine, dirige une célèbre maison d’édition, où son ami Léonard, écrivain bohème, publie ses romans. La femme d’Alain, Séléna, est la star d’une série télé populaire et Valérie, compagne de Leonard, assiste vaillamment un homme politique. Bien qu’ils soient amis de longue date, Alain s’apprête à refuser le nouveau manuscrit de Léonard… Les relations entre les deux couples, plus entrelacées qu’il n’y paraît, vont se compliquer.

Chronique :  Un éditeur, un écrivain, une actrice, une assistante parlementaire … Les personnages de Doubles vies ne représentent pas vraiment la France profonde. Et alors ? Il y a une belle ironie dans ce film qui n’est pas loin de caricaturer la comédie sentimentale à la française, très proche de l’image qu’a le cinéma français à l’étranger, que ce soit pour le louer ou le critiquer. Assayas, qui a toujours réalisé des films très écrits, littéraires même, parle ici d’un petit univers qu’il connait bien, celui des intellectuels parisiens qui pérorent sur l’état du monde et de la culture tout en menant une vie qui ne respecte pas nécessairement la morale qu’ils mettent dans les affaires qui ne ressortent pas du domaine privé. A l’écran, cela donne un long-métrage que certains jugeront sans doute trop bavard, un cinéma en chambre qui s’écoute quelque peu penser. Tout ce qui est dit n’est d’ailleurs pas d’une suprême intelligence mais c’est précisément dans le regard mi-moqueur, mi attendri d’Assayas vis-à-vis de ses personnages que réside l’intérêt principal de Doubles vies. Et notamment sur leurs petits mensonges et tromperies entre amis et au sein du couple dans une redéfinition de la carte du tendre, certes aucunement révolutionnaire mais totalement dans l’air du temps. S’y ajoute la manière élégante d’Assayas, avec une mise en scène sans ostentation mais comme souvent chez lui d’une grande fluidité. En outre, les acteurs sont à la fête dans son cinéma et brillent de mille feux de Canet à Binoche en passant par Macaigne et la moins connue mais toute aussi excellente Nora Hamzawi.

Note : 7 /10

Test DVD :

Vidéo : L’image du film est de bonne tenue avec des couleurs bien pesées et des contrastes qui donnent une véritable profondeur à l’ensemble. Le film jouant sur les différentes ambiances : Colorées en extérieures, et plus sombres en intérieur ou lorsque les choses ne vont pas forcément bien, il fallait un support qui ne soit pas trop en défaillance ou en saturation. Le travail de transfert et de très bonne qualité et le film se regarde avec beaucoup de plaisir

Audio : Une piste DTS-HD Master Audio 5.1, totalement en accord avec le film et avec ses besoins. La répartition est minutieuse, et les voix ne sont pas trop en retrait. La dynamique de l’ensemble se met au service du film et notamment à ses ambiances. Un véritable plaisir pour les oreilles.

Bonus :

Entretien avec le réalisateur Olivier Assayas : Très bien comme itw qui nous offre plus de carté sur le projet et de l’intention du réalisateur sur son film.

• Acteurs : Guillaume Canet, Juliette Binoche, Vincent Macaigne, Nora Hamzawi, Christa Théret
• Réalisateurs : Olivier Assayas
• Format : Couleur, PAL
• Audio : Français (Dolby Digital 5.1)
• Région : Région 2
• Rapport de forme : 1.85:1
• Nombre de disques : 1
• Studio : Ad Vitam
• Date de sortie du DVD : 4 juin 2019
• Durée : 107 minutes

Claire Randall, une infirmière de la Seconde Guerre Mondiale se retrouve projetée dans le passé, en 1743. Forcée d’épouser Jamie Fraser, un Écossais rebelle, elle en tombe amoureuse et doit alors composer avec deux amours à deux époques différentes. Claire doit apprendre à vivre au XVIIIe siècle dans un monde violent et imprévisible tout en menant une guerre sans merci pour sauver le coeur et l’âme de Jamie…

Chronique : Outlander, depuis sa saison 1, est une série qui accentue les destins de ses personnages, les invitant à se croiser, faire et défaire, au fil des épisodes et des intrigues qu’il traverse. Une fois de plus en cette saison 4, après l’installation de Claire et Jamie sur leurs terres. Murtagh, que l’on pensait disparu fait son grand retour. Tout comme Stephen Bonnet, l’antagoniste qui se révèle après avoir été sauvé par Jamie d’une mort certaine, pour croiser le destin de Roger, Brianna etc… avant de périr en fin de saison. Toutes les vies de ces personnages auxquels le spectateur s’attache défilent au fil d’un cycle, avec la certitude que ces derniers se croiseront à nouveau, même si perdus de vue.Cette saison d’ Outlander, marque le dépaysement total pour les spectateurs de la série, loin de l’Ecosse ou des îles de la saison passée. En saison 4, toujours proche des romans de Diana Gabaldon – même si les scénaristes s’accordent certaines libertés scénaristiques – on se penche sur le mythe de la Frontière Américaine et son rapport avec les populations indigènes amérindiennes, dont on connaît tous le destin funeste.Une saison assurément sous le signe du renouveau, de la découverte de l’esclavage – qui ne manquera pas de choquer Claire bien sûr – mais aussi celui de la célébration de ces premiers colons avant les prémices de la Guerre d’Indépendance à venir, entre Boston Tea Party et rébellion contre le royaume Britannique.Une fresque assez juste – même si, un poil fantasmée – qui n’est pas pour déplaire puisqu’elle reste dans l’esprit et l‘esthétique de la série, proche d’une Histoire dépeinte à travers ses personnages plus que ses décors. Des personnages toujours aussi charismatiques et attachants. Que serait Outlander sans ses romances et ses scènes d’ébats amoureux langoureux ? Cette saison, après la réunion tant attendue entre nos deux amants maudits légendaires en saison dernière et tumultueux voyages vers les Terres d’Amérique, désormais ensemble pour le meilleur, mais aussi le pire, il était certain que le couple serait – avec la maturité de l’âge et leur historique – bien plus « sage » à l’écran.Ce qui propose un passage de relai – sans pour autant leur voler la vedette car Outlander restera l’histoire du Chardon et du Tartan bien sûr, aka Claire et Jamie – à Brianna et Roger, amoureux mais hésitant. Après avoir assisté à l’amour naissant entre les deux stars de la série, c’est désormais celui de leur progéniture qui prend de la place cette saison. Avec bien évidemment des questionnements, des incompréhensions, des séparations, des moments tendres mais aussi de la violence. Car oui, la violence est un protagoniste important et considérable de Outlander. Une violence toujours à l’égard des femmes, réalité historique qu’on ne peut oublier, mais aussi pour les hommes, comme on le montre avec les périples de Roger pour retrouver celle qu’il aime.

• Format : PAL
• Audio : Anglais (Dolby Digital 5.1), Français (Dolby Digital 5.1)
• Sous-titres : Français, Anglais
• Rapport de forme : 1.78:1
• Nombre de disques : 5
• Studio : Sony Pictures
• Date de sortie du DVD : 29 mai 2019

Des morts-vivants assoiffés de sang ont envahi la Terre et se nourrissent de ses habitants. Un groupe de survivants se réfugie dans un centre commercial abandonné. Alors que la vie s’organise à l’intérieur, la situation empire à l’extérieur…

Chronique : Nous sommes en présence de ce qui n’est sans aucun doute le meilleur film de zombies jamais tourné. Et pourtant, lors de ces 35 dernières années, de nombreux films de cadavres ont vu le jour. Mais aucun n’aura réussi à égaler le «zombie» de George Andrew Romero. En plus d’être un classique du cinéma et un sommet du gore, ce film est aussi un violent pamphlet social dont le thème central est une sévère critique de la société de consommation. Ce n’est pas un hasard si cette histoire se passe dans un centre commercial. Dans ce quasi-huis–clos, les personnages tentent de s’échapper d’une grande surface assiégée par toute une armée de zombie. Tout en organisant leur survie, les protagonistes n’hésitent pas à piller les rayons du magasin. L’attroupement des zombies près des portes vitrés rappelant la cohue qui s’entasse lors des soldes. Mais ce film contient d’autres thèmes, comme le racisme par exemple. Ici, le personnage salvateur est un homme de couleur, comme dans «La nuit des morts-vivants». Le féminisme est aussi abordé à l’image de cette femme qui est d’abord rejetée par les trois hommes mais qui se rebelle en demandant d’être tenue au courant de toutes les initiatives qui va acquérir une plus grande responsabilité. Et enfin, Romero aborde le thème du chaos qui intervient lorsque la bande de pillards déboule et met tout en dessus dessous et qu’une guerre s’engage entre ces voyous et les survivants. Romero pose la question suivante: le monde est-il plus dangereux lorsqu’il est infesté de zombies ou lorsqu’il est infesté de petits bandits qui saccagent tout? Les films de Romero ne sont pas comme les autres, on le sait et possèdent un contenu intelligent et concret. Un immanquable.

Note : 10/10

Note: N’ayant eu que le Blu-ray 1 : La version Européenne la chronique ne sera que sur le disque 1.

Vidéo : Voici la version européenne, 119 minutes, nouveau master haute définition 2019 à partir d’un nouveau scanne 4k réalisé une restauration complète du film révolutionnaire à partir du meilleur interpositif 35 mm disponible et a numérisé ces éléments en résolution 4 k. Malheureusement, ce classique culte bien-aimé et très influent nous est présenté en SDR, et non en HDR10, ce qui est quelque peu décevant, laissant les fans à se demander si de meilleurs reflets et une meilleure luminosité changeraient radicalement l’expérience visuelle. Néanmoins, pris en l’état, les résultats offrent une mise à jour étonnamment bonne par rapport à son homologue Blu-Ray, offrantes diverses améliorations qui en font le meilleur que ne le filmait jamais regardé sur la vidéo amateur. Bien sûr, à partir d’une pellicule 35 mm bon marché développée en 16 mm pour le montage et ensuite agrandi à nouveau en 35 mm pour les tirages en salles, la source ne donnera pas le type de résultats qui convaincra le plus. Mais pour ceux qui sont familiers avec le chef-d’œuvre des zombies, il y a beaucoup d’améliorations appréciables pour faire de ce paquet un achat intéressant. Présenté dans son format original de 1,85: 1, le transfert est très détaillé, exposant chaque recoin du centre commercial. Certes, la version européenne d’argento s’accompagne de moments doux et flous, ce que l’on peut attendre d’une source vintage et d’une petite production comme celle-ci. Pourtant, les fans peuvent mieux voir les coutures et les plis décolorés des vestes en cuir usées des cyclistes, la texture du tissu des meubles qui décorent les quartiers d’habitations des survivants est plus perceptible, et le maquillage gore de Tom Savini est plus éclatant et plus sanguinaire.

Audio : Le mixage mono 2.0 est l’option d’écoute supérieure car il est plus proche de l’enregistrement audio original, qui a également été remastérisé à partir des mêmes éléments que pour la vidéo. Immédiatement, la reproduction des dialogues est grandement améliorée et très prioritaire, ce qui permet aux fans de mieux profiter du va-et-vient constant entre les personnages. Les médiums sont plus pleins et beaucoup plus dynamiques, avec une clarté et une séparation remarquables dans les hautes fréquences, tout en conservant une excellente distinction de l’activité d’arrière-plan pendant les séquences d’action. Le film n’a jamais vraiment eu beaucoup de bas de gamme à parler, mais il y a quelques basses appréciables à apprécier, donnant au classique culte des zombies un meilleur sens de l’espace et de la présence.

Bonus : Blu-ray 1 (Version Européenne) :

• Présentation du film par Dario Argento : Argento fait l’éloge du film et de sa restauration.
• Commentaire audio du directeur de la photographie Michael Gornick, Tom Dubensky (assistant caméraman) et Lee Karr (historien du cinéma et auteur) produit et réalisé par Jim Cirronella
• Entretien autour du film avec Dario Argento (20′) Le légendaire maestro de l’horreur italien Dario Argento qui évoque Romero, comment il a participé à la production et sa contribution à ce classique culte du marché européen, en expliquant les raisons de ces changements.
• George A. Romero, l’homme aux Zombies par Julien Sévéon (27′)
• Discussion publique entre Bertrand Bonello et Jean-François Rauger à la Cinémathèque Française (60′)
• Entretien avec Dario Argento, Claudio Argento, Alfredo Cuomo, Claudio Simonetti… (30′) Une série d’ interviews qui parle de leurs carrières et de leurs  implication dans cette production ainsi que de leurs  amour du film et partage leurs réflexions sur les thèmes de l’intrigue.

Contenu additionnel

Alors que le Département V est sous tension avant le départ annoncé d’Assad, partenaire de l’inspecteur Carl Mørck, ces derniers se lancent dans une nouvelle enquête qui pourrait bien être leur dernière. Suite à la découverte de trois squelettes cachés derrière la tapisserie d’un vieil appartement, les deux enquêteurs et leur assistante Rose doivent exhumer une macabre affaire datant des années 1950 : sur la petite île de Sprogø, des femmes étaient internées et stérilisées de force sous la direction du docteur Curt Wad…

Chronique : Après trois enquêtes trépidantes au sein du département V, quel bonheur de retrouver une nouvelle fois, les inspecteurs Mørck et Assad accompagnés de Rose, leur assistante de choc. Avec “Journal 64”, les spécialistes du “Cold Case” reviennent au sein d’un thriller mâtiné de drame social particulièrement bien troussé. Le récit prend corps dans les années cinquante sur l’îlot de Sprogo en mer Baltique. Ce minuscule bout de terre, abritait à l’époque, un sinistre pensionnat de jeunes filles. De nos jours, alors que Assad s’apprête à intégrer une unité douanière pour une promotion, la tension est palpable entre les deux hommes. Carl Mørck, toujours rongé par ses démons intérieurs est de plus en plus borderline et incontrôlable. Pour ne rien arrangé, lui, le flic misanthrope détesté de presque tous, s’insinue dans une affaire sordide ne lui étant pourtant pas destinée. Durant des travaux dans un appartement, une équipe de rénovation met à jour une scène de crime particulièrement macabre datant de 2005. A partir de là, le département V va se retrouver à nouveau en première ligne pour notre plus grand plaisir. Le réalisateur Christopher Boe, d’après le roman de Jussi Adler-Olsen plonge le spectateur dans un tourbillon de suspense, d’action, de drame social, dans lequel, la fiction rencontre la réalité d’une douloureuse et pas très glorieuse page de l’histoire danoise. C’est bien écrit, c’est bien joué, on ne s’ennuie jamais, vivement “L’Effet Papillon”, la cinquième enquête du département V !!!

Note : 9/10

Vidéo : Wild Side qui nous propose aujourd’hui de découvrir Les enquêtes du département V – Dossier 64   l’éditeur nous propose un master assez sublime : piqué, contrastes, couleurs, profondeur de champ… Tout est parfait, le rendu est irréprochable : une galette de démo de plus à ajouter au giron de l’éditeur françai

Audio :  Niveau son, Wild Side se révèle également fidèle à ses habitudes, en nous offrant deux mixages DTS-HD Master Audio 5.1, tous deux très immersifs, bien spatialisés et : enveloppants.

Bonus : On  y trouve un court bêtisier et une sélection de deux scènes coupées, qui s’accompagneront d’un court making of et un long entretien avec Nikolaj Lie Kaas et Fares Fares et un second  entretien avec Louise Vesth, productrice, qui reviendra sur les différents challenges du métrage.

• Format : PAL
• Audio : Français (Dolby Digital 5.1), Danois (Dolby Digital 2.0), Danois (DTS 5.1)
• Sous-titres : Français
• Région : Région 2
• Rapport de forme : 2.35:1
• Nombre de disques : 1
• Studio : Wild Side Video
• Date de sortie du DVD : 8 mai 2019
• Durée : 113 minutes

Peu de temps après les événements relatés dans Split, David Dunn – l’homme incassable – poursuit sa traque de La Bête, surnom donné à Kevin Crumb depuis qu’on le sait capable d’endosser 23 personnalités différentes. De son côté, le mystérieux homme souffrant du syndrome des os de verre Elijah Price suscite à nouveau l’intérêt des forces de l’ordre en affirmant détenir des informations capitales sur les deux hommes…

Chronique : M. Night Shyamalan’s Glass clôt la trilogie du réalisateur d’une manière plutôt attendue pour un drame sur des gens apparemment ordinaires avec des capacités spéciales et extraordinaires vivant parmi nous. Il ne s’agit pas de suggérer que le dernier épisode d’une série qui a été en pause pendant près de dix-sept ans est entièrement satisfaisant ou qu’il apaisera une base de fans fidèles qui attendaient avec impatience son achèvement depuis deux décennies. Cependant, le chapitre final et l’épreuve de force climatique qui s’ensuivra sont une conclusion adéquate à une histoire qui n’a jamais vraiment promis le genre de spectacle d’action à gros budget typique des films de super-héros à gros budget. En fait, la montée en puissance et les retombées sont parfaitement conformes aux attentes des deux films précédents, presque au point d’être même prévisibles puisque ses prédécesseurs ont eux aussi bouclé leurs intrigues respectives sur une note à la fois sobre et modérée. Comme dans les deux autres films, il ne s’agit pas de l’action, mais de personnages avec des conflits internes et externes les uns contre les autres.

Dans cette suite directe, Shyamalan reprend peu après les événements de Split les exploits de David Dunn (Bruce Willis), le protagoniste central d’Unbreakable (incassable), dont l’apparition inattendue a été la surprise habituelle du cinéaste dans cette suite 2016. Avec l’aide de son fils aujourd’hui adulte Joseph (Spencer Treat Clark), David a patrouillé les rues de Philadelphie et est devenu une légende vigilante et une sensation Internet baptisée « The Overseer ».

Malheureusement, les vingt dernières années n’ont pas été bonnes pour David. Accepter son rôle de super-héros s’est avéré être une entreprise exhaustive, peut-être parce qu’il ne se sentait pas à l’étroit dans sa poursuite de petits criminels, mais la possibilité de capturer un méchant meurtrier surnommé « La Horde » (James McAvoy) donne de la vigueur et un sens du but à ses patrouilles de nuit. Leur affrontement initial – et potentiellement explosif – où David sauve une escouade de pom-pom girls est rapidement déjoué – ou plutôt sapé – par le Dr Ellie Staple (Sarah Paulson).

C’est là que le scénario de Shyamalan prend non seulement une tournure intéressante, mettant l’aventure de notre héros dans une direction imprévue et bizarre – pour le personnage, pas pour ceux d’entre nous qui connaissent les avant-premières – mais sert aussi de métaphore plus large du thème sous-jacent de l’histoire. Après deux films qui se déroulent dans notre monde contemporain et qui fantasment des super-héros de bandes dessinées pourraient être inspirés par de vraies personnes aux capacités surhumaines, la science finira tôt ou tard par rattraper et essentiellement écraser ces notions fantasmatiques sur le préternaturel. Dans ce cas, des questions sur la santé mentale de ces personnes sont appelées à se poser, particulièrement dans le cas de Kevin Wendell Crumb de McAvoy, qui souffre de trouble dissociatif de l’identité. En découvrant que le Dr Staple a aussi traité Elijah « Mr Glass » Price de Samuel L. Jackson, dont la maladie osseuse fragile l’a en quelque sorte encouragé à devenir un narcissique égocentrique à l’intelligence surnaturelle, les doutes prennent forme et interrompent ce qui aurait pu être.

Certes, Shyamalan a indiqué une confrontation spectaculaire et à grande échelle via les machinations machiavéliques de M. Glass, mais le super-vilain hautement intellectuel de Jackson a toujours été établi comme un manipulateur hautement qualifié, l’homme derrière le rideau tirant les ficelles avec un talent pour détourner les soupçons. Et ce combat initial dans le premier acte est, en effet, autant un signe avant-coureur du dernier trimestre du film qu’un catalyseur de l’intrigue, rendant la bataille climatique moins importante que les événements qui l’ont précédé, le talent suspect du Dr Staple pour semer le doute et la signification de la surprise toujours certaine – un élément prévisible du Shyamalan. Franchement, la facilité avec laquelle les personnages luttent contre l’incertitude semble fidèle à la signification implicite du titre du film tout en rappelant l’importance de l’histoire, un personnage qui trouve sans doute sa rédemption dans cette finale. Mais c’est une conversation pour un autre jour. En l’état actuel des choses, Glass de Shyamalan est une solide conclusion à une trilogie originale et fascinante de super-héros d’un cinéaste confiant.

Note : 9/10

Vidéo : Glass fait ses débuts sur Blu-ray  avec un encodeur H.265 HEVC H.265. Le drame du super-héros a d’abord été tourné avec le système de caméra Arri Alexa, capable d’une résolution de 3,4K, mais plus tard, il a été masterisé sur un intermédiaire numérique 4K, et les résultats sont un mélange d’améliorations mineures.L’amélioration la plus notable est l’augmentation des niveaux de luminosité, ce qui permet d’obtenir des noirs nettement plus riches et plus incrustés partout. Bien sûr, cela donne aussi une qualité d’image plus sombre où les ombres les plus profondes et les plus soyeuses ont tendance à engloutir les détails les plus fins dans les intérieurs d’action mal éclairés au début. Les séquences de lumière du jour sont meilleures avec une forte visibilité dans les coins les plus sombres et les plus sombres. Comme ses frères HD, le contraste reste relativement modéré et atténué, ce qui est fidèle aux intentions créatives des cinéastes et en ligne avec le look des deux précédents épisodes. D’autre part, tout en créant une atmosphère grisâtre et nuageuse, les blancs sont néanmoins un peu plus nets et plus nets avec des reflets spéculaires sensiblement améliorés, donnant à l’image 2.39:1 une pop plus radieuse et éblouissante pendant les scènes de lumière naturelle susmentionnées. Ce sont les couleurs avec des primaires, en particulier, qui semblent plus pleines et un peu plus saturées. Cependant, la vidéo reste fidèle à la photographie stylisée où une grande partie de l’action et des conversations se situent à l’extrémité inférieure de la gamme de gris, affichant une palette délibérément sombre et parfois presque monochromatique. Les teintes spécifiquement liées à nos trois protagonistes sont un peu plus nuancées et subtilement complexes, surtout dans les scènes où l’on doute de leurs capacités. David est absorbé par les tons sarcelle terne, Kevin est plongé dans les jaunes canari blonds, et Elijah est absorbé par les lavandes pâles. Au fur et à mesure qu’ils recommencent à croire en eux-mêmes, ces pigments se transforment en riches verts émeraude, en moutardes dorées profondes et en violettes pourpres vibrantes. Il est plus intéressant de voir les roses mauves, les bruns décolorés et les gris nuageux associés au Dr Staple.

Audio : Glass se heurte aux cinémas maison en faisant jouer une bande sonore Dolby  étonnamment musclée et impressionnante d’émotion. Comme il s’agit d’une étude de personnage axée sur les dialogues, la présentation est plus subtile et nuancée que ce à quoi on pourrait s’attendre d’un film de super-héros typique.

Néanmoins, la scène sonore est toujours spacieuse et large, avec beaucoup d’activité en arrière-plan qui remplit l’espace hors écran tout en maintenant un équilibre exceptionnel et un mouvement convaincant entre les trois canaux et les hauteurs les plus élevées, créant ainsi un environnement de demi-dôme très engageant. L’imagerie présente une superbe fidélité et des détails acoustiques dans le milieu de gamme, ce qui permet d’obtenir de l’action avec une excellente clarté dans les segments les plus bruyants. En même temps, le chant est d’une clarté et d’une précision cristallines, et des graves robustes et en bonne santé procurent une puissance appréciable et un poids palpable aux séquences d’action.

L’utilisation des abords peut sembler quelque peu sporadique avec plusieurs poches de silence observables de façon intéressante, ce qui signifie que de tels moments semblent délibérés puisqu’ils se produisent à l’intérieur de l’établissement et durant les séances de thérapie. Pourtant, les côtés et les arrières sont utilisés de temps en temps avec divers effets d’ambiance discrets, comme des voix qui résonnent dans les couloirs de l’hôpital ou l’agitation familière d’une ville trépidante. À l’occasion, de telles activités se répercutent efficacement sur les rétroprojecteurs, et il y a quelques scènes où la pluie et l’eau tombent d’en haut de façon convaincante, créant un champ sonore hémisphérique très satisfaisant qui attire davantage les spectateurs dans cette réalité alternative.

1987. Alors qu’il est en fuite, l’Autobot Bumblebee trouve refuge dans la décharge d’une petite ville balnéaire de Californie. Il est découvert, brisé et couvert de blessures de guerre, par Charlie, une ado qui approche de ses 18 ans et cherche sa place dans le monde. Et quand elle le met en marche, elle se rend vite compte qu’il ne s’agit pas d’une voiture jaune ordinaire.

Chronique : En tant que sixième épisode de la franchise ridiculement populaire des Transformers de Michael Bay, Bumblebee est de loin le meilleur de la série d’action de science-fiction. Réalisé par Laika-alumni Travis Knight, qui a marqué ses débuts dans la mise en scène de Kubo and the Two Strings, Knight apporte un enchantement envoûtant, ancré par un centre poignant, convergeant intelligemment sur l’amitié étroite entre les deux protagonistes. Bien sûr, nous sommes également ici pour le chaos des véhicules et l’exposition sans fin de batailles de robots suralimentés et injectés de carburant, dont il y en a beaucoup. Mais au fond, c’est l’histoire d’une paire de solitaires qui se retrouvent.

À partir d’un scénario de Christina Hodson, Knight emmène le public dans un conte d’aventure qui rappelle une production de Steven Spielberg, s’inspirant notamment d’E.T. : The Extra-Terrestrial. Prenant note de l’émission animée originale des années 1980, l’intrigue ne perd pas de temps à faire se lier d’amitié le héros titulaire sans voix Charlie Watson (Hailee Steinfeld), un adolescent humain bienveillant qui remplace le personnage Spike Witwicky des bandes dessinées. Seulement, ici, Charlie pleure toujours la perte de son père – le père de Spike s’est joint à plusieurs des aventures des Transformers – qui luttent contre le deuil seul dans une famille qui semble avoir tourné la page. Son frère cadet Otis (Jason Drucker) ne semble pas affecté tandis que sa mère (Pamela Adlon) et son nouveau petit ami (Stephen Schneider) partagent du bon temps à regarder ALF sans elle. Pour le robot sensible Bumblebee, il est littéralement seul avec peu de souvenirs de son passé, passant une grande partie de son temps comme un garçon effrayé mais curieux.

Comme on pouvait s’y attendre, les deux s’aident mutuellement à trouver leur place dans ce monde chaotique – Charlie finit par dépasser son deuil alors que Bumblebee appelle presque littéralement chez elle. Mais comme le dit l’expression, il ne s’agit pas tant de la destination que du voyage, et le film y parvient avec un grand sens de l’humour, du rythme et des virages dramatiques qui évitent les conditions dangereuses et mièvres. Tout le monde a sa chance de diriger la comédie sans les absurdités des films précédents, depuis les Watsons et Ron conduisant imprudemment et l’innocence enfantine de Bee lorsqu’il s’agit d’egger la maison d’un tyran jusqu’à Memo (Jorge Lendeborg Jr.) qui cache maladroitement son amour pour Charlie. Même John Cena, en tant qu’agent du secteur 7 Jack Burns, a le droit de montrer ses talents de comédien tout en faisant de son mieux en tant que soldat déterminé d’un mystérieux organisme gouvernemental, à la « Keys » d’E.T. Et les références culturelles des années 80 ajoutent à l’humour sans se sentir comme un jeu trivial dérangeant.

En toute honnêteté, il y avait beaucoup à faire contre Bumblebee – de très faibles attentes et un cynisme largement terni par des années passées à endurer les maux de tête et la méchanceté perçante des films des Transformers précédents. Heureusement, Knight et son équipe démontrent qu’il reste encore de l’étincelle dans le moteur, qu’il y a juste assez de pièces récupérables pour reconstruire un véhicule autonome avec beaucoup de muscle sous le capot. En collaboration avec le directeur de la photographie Enrique Chediak et le monteur Paul Rubell, la caméra de Knight est exactement le genre de combustible dont la franchise avait besoin, où l’action métal sur métal est toujours intelligible et où il y a toujours un sens de l’espace et de l’ampleur comme les Cybertroniens le font. Avec des visuels amusants et spectaculaires qui complètent l’histoire, Bumblebee se sent comme un épisode d’un ensemble plus vaste sans jamais se sentir épisodique.

Note : 8,5/10

Vidéo : Le crash du prequel de science-fiction atterrit sur Blu-ray avec un encodage MPEG-4 1080p/AVC 1080p/AVC exceptionnel, traversant l’écran dans un style qui ne demande qu’à être montré. Tout juste sorti de la chaîne de montage numérique, le transfert de qualité de référence présente des détails d’une netteté à couper le souffle dans chaque véhicule, exposant la moindre trace de rouille et de rayure sur la VW Bug, chaque rivet des VUS militaires et le chrome brillant des garnitures des muscle cars des Decepticons. De même, nous pouvons tout simplement faire de chaque recoin de l’intérieur du Bug, du garage et de l’espace de travail de Charlie, des bureaux militaires et des plus petits objets qui ornent la maison de Watson, décorée avec goût et élégance. Les coutures, les fils et le tissu des vêtements radicaux des années 80 sont distincts, les poils individuels sont décidément bien coupés et les teints du visage ont une texture réaliste qui révèle des imperfections négligeables. Même les séquences d’action du CG maintiennent une superbe visibilité de chaque pièce métallique en mouvement et des débris qui volent dans toutes les directions.

Présentée dans son format 1,85:1 original, la présentation HD arrive également avec un contraste précis et précis, offrant une image brillante et vibrante du début à la fin. Grâce à des blancs éclatants de netteté dans chaque scène, les reflets sont particulièrement extraordinaires avec une brillance éblouissante en cas d’explosion et une brillance étincelante sur les carrosseries chromées des différents véhicules et des Transformers. En même temps, les niveaux de noir sont en grande partie encrés et pleins, ce qui donne à l’image une profondeur appréciable et une belle qualité cinématographique. Bien que la délimitation soit assez forte dans les coins les plus profonds et les plus sombres, il y a peu de moments où les ombres, surtout dans quelques plans intérieurs, perdent un peu de leur éclat. Heureusement, la cinématographie d’Enrique Chediak vient à la rescousse avec un affichage dramatique de somptueuses primaires et une gamme magnifique de teintes secondaires richement saturées avec du jaune, en particulier, à la recherche vrai et précis.

Audio :  Bumblebee arrive en force dans les cinémas maison avec une bande-son Dolby Atmos exceptionnelle qui semble s’accorder parfaitement avec les autres titres de Transformers.

Une grande partie de l’attention est répartie sur l’action à l’écran avec divers effets qui emploient fortement les alentours dans la lutte pour protéger la Terre, créant un environnement enveloppant impressionnant. Le chaos et l’agitation des bagarres robotiques sont parsemés d’engrenages métalliques et de pièces d’acier qui atterrissent sans problème tout autour de la zone d’écoute. À plusieurs reprises, les débris volent légèrement à travers le plafond ou le grondement des moteurs d’avion Decepticon crient d’en haut et à la vue. Pendant les séquences plus calmes, les hauteurs sont relativement silencieuses tandis que les autres canaux font plus de gros soulèvements, remplissant la salle d’atmosphères subtiles et maintenant un champ sonore généralement satisfaisant, mais quand les choses passent à la vitesse supérieure, les auditeurs sont en pleine bataille.

En fin de compte, la vraie victoire ici est la sélection totalement tubulaire de morceaux des années 80 et de la partition de Dario Marianelli, tirant pleinement parti de la marge de manœuvre supplémentaire et remplissant toute la scène sonore avec une clarté et une fidélité exceptionnelles. L’imagerie est régulièrement large et spacieuse, avec beaucoup d’activités d’arrière-plan dans les hauteurs les plus élevées, à travers les canaux avant et de façon convaincante dans l’espace hors écran, tandis que le milieu de gamme affiche une superbe distinction et une chaleur pénétrante de la pièce. Au milieu du chaos du heavy metal et du chaos robotique, le dialogue reste précis et impeccable, tandis que le mieux est d’entendre les voix des Cybertroniens qui résonnent d’en haut, créant un sentiment d’échelle et de portée. Le morceau à base d’objets est également accompagné d’un grave d’une autorité tonitruante qui donne à l’action un effet de cliquetis mural, de tremblement de canapé, de basses qui frappent la poitrine, pour donner au subwoofer une séance d’entraînement saine. Il y a aussi quelques moments qui s’enfoncent profondément dans les profondeurs les plus basses, dynamisant la pièce d’une présence palpable.

Bonus :

• Bumblebee sur grand écran (HD) : Mettant en vedette des entrevues avec les acteurs et l’équipe de production et de nombreuses séquences de BTS, ce court documentaire en cinq parties couvre divers aspects de la production, de la genèse de l’histoire, au casting, aux personnages et aux thèmes, en passant par la scénographie et un retour aux Transformers G1.
  L’histoire de Bumblebee (4 min)
  L’alignement des étoiles (7 min)
  Bumblebee retourne à G1 (10 min)
  Retour à la Coccinelle (6 min)
  Chemin des souvenirs de la croisière en Californie (20 min)
• Secteur 7 Archive (HD) : Un autre court-métrage divisé en deux parties portait sur le mystérieux organisme gouvernemental. La première est une brève introduction de John Cena, et l’autre une bande dessinée de motion.
  Agent Burns : Bienvenue au secteur 7 (1 min)
  Secteur 7 Aventures : La bataille au demi-dôme (9 min)
• Scène supprimée (HD, 19 min) : Neuf séquences excisées et prolongées.