La nouvelle section Disney+ arrive le 23 février en France.
Le 23 février prochain, Disney+ ajoutera une nouvelle corde à son arc. En effet, les abonnés pourront alors découvrir Star, une section qui sera dédiée à du contenu orienté vers un public plus adulte. L’idée est donc pour la plateforme de diversifier encore plus son offre, et ainsi contrebalancer le contenu Disney ou Pixar, destiné aux plus jeunes.
Pour nous mettre l’eau à la bouche, Disney+ nous tease aujourd’hui en nous présentant déjà quelques séries qui débarqueront en exclusivité sur la plateforme. Parmi celles-ci, on retrouve la comédie familiale black-ish ainsi que le thriller Big Sky. Mais ce n’est pas tout ! “Love, Victor”, adaptation du livre et du film “Love, Simon”, fera également son arrivée. Enfin, la série animée Solar Opposites, par le co-créateur de Rick & Morty, débarquera enfin en France. On a hâte de voir ça !
La nouvelle adaptation de Stephen King résonne particulièrement suite à cette année 2020.
Diffusée depuis mi-décembre aux Etats-Unis, The Stand est une nouvelle adaptation du roman Le Fléau de Stephen King, publié en 1978. On y suivait alors les conséquences d’une pandémie de grippe créée en laboratoire aux Etats-Unis ainsi que la lutte entre deux groupes opposés parmi les survivants. L’œuvre a déjà eu droit à une première adaptation en 1994, sous la forme d’une mini-série de 4 épisodes, à l’époque diffusée sur M6 en France. Nous avons déjà pu voir les deux premiers épisodes de cette nouvelle adaptation de la série, dont les 9 épisodes seront disponibles hebdomadairement sur STARZPLAY à partir de ce 3 janvier.
Dans cette nouvelle version de The Stand, un mystérieux virus se répand à travers le monde suite à une erreur réalisée dans un laboratoire top secret américain. Alors qu’une grande partie de la population se voit décimée par la maladie, les survivants cherchent à se rassembler. Sans nul doute, ce pitch résonne tout particulièrement en ce début d’année 2021. En effet, nous venons tous de passer une année difficile suite à la pandémie mondiale de COVID-19. Quand la réalité rejoint la fiction de si près, cette série prend donc une certaine saveur amère. Dans ces premiers épisodes, on peut aussi voir comment certains vont chercher à mettre à mal ce qu’il reste de la société par rage, tandis que d’autres chercheront de l’espoir lorsque ce qui les entoure disparaît peu à peu. On peut là y voir entre autres un parallèle avec la situation récente aux Etats-Unis, avec notamment les nombreuses émeutes qui y ont lieu. Mais aussi tout simplement, l’impact des confinements sur tout un chacun ayant du y faire face lorsque le monde s’arrête de tourner pour quelques temps.
Cependant, la série se détache peu à peu de la réalité sous différents aspects et se rapproche alors plus de la science-fiction lorsque les survivants chercheront à se rassembler. En effet, afin de trouver le point de rendez-vous, ils seront guidés par une mystérieuse femme qu’ils voient en rêve et leur dit où aller, comme le montre l’extrait exclusif ci-dessus. Agée de 108 ans, cette dernière est ainsi dotée de pouvoirs psychiques et spirituels. D’autres résistants tomberont quant à eux sous le charme d’un homme démoniaque qui les manipulera à sa façon. Tous ces survivants que l’on suit vont alors vite se partager dans ce monde apocalyptique et la lutte entre le bien et le mal ne va pas tarder à débuter…
Ainsi, il est facile de se faire prendre par le récit raconté par The Stand. Chaque épisode de ce début de saison semble centré sur un ou deux personnages, nous permettant d’en apprendre plus sur chacun d’entre eux. Sous la forme de va-et-vient entre flashbacks et sauts dans le temps, on peut ainsi découvrir peu à peu leur histoire ainsi que la manière dont ils sont arrivés au fameux point de rencontre. En fil rouge, on en apprend aussi bien sûr plus au fur et à mesure sur ce mystérieux virus. On a déjà hâte de voir la suite de la série afin de connaître les tenants et aboutissants de cette histoire ainsi que découvrir ce qu’il adviendra de tous ces personnages dans cette bataille apocalyptique.
Enfin, The Stand s’offre également un casting de premier choix. Les survivants sont ainsi menés d’une part par Whoopi Goldberg qui incarne le Bien et une présence mystique comme elle a pu le faire dans Sister Act ou Ghost; et d’autre part par Alexander Skarsgard, bien connu pour ses rôles dans True Blood ou Big Little Lies, qui est lui l’incarnation du Diable. Entre eux deux, on peut retrouver James Marsden (X-Men), Owen Teague (It, Black Mirror), Owen Teague (The Leftovers) ou encore Henry Zaga (13 Reasons Why). Un plaisir donc de retrouver tout ce petit monde à l’écran.
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Chronique : Leur vie est comme une façade de maison, on peut la trouver jolie mais on ne sait pas ce qui se cache à l’intérieur. La somme de nos vies parle de l’image qu’on veut donner aux autres, des secrets qu’on cherche à cacher pour être accepté. Deux femmes à deux âges importants: l’une débute sa vie d’adulte, l’autre est entrain de la conclure. Et chacune cache sa véritable identité au monde. Un beau roman humain, touchant,émouvant, poétique. J’ai adoré cette belle histoire mais j’ai surtout aimé l’écriture aboutie et lumineuse de Sophie Astrabie. Je vous le conseille
Note : 9/10
Éditeur : FLAMMARION (3 juin 2020) Langue : : Français Broché : 400 pages ISBN-10 : 2081512289
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Note : 9/10
Éditeur : First (21 janvier 2021) Langue : : Français Broché : 96 pages ISBN-10 : 2412064563
Très chers lecteurs, quelle saison ! Au rythme des bals et des réceptions, je vous ai narré le feuilleton haletant de la folle romance entre Mlle Daphné Bridgerton et Simon, le ténébreux duc de Hastings. Valses langoureuses, rebondissements cocasses et bagarres mémorables nous auront tenus en haleine jusqu’à l’épilogue d’un romantisme échevelé.
Chronique : Donc… écrire cette critique est délicat parce qu’il y a une scène très controversée dans ce livre que beaucoup de gens (à juste titre) détestent et cela les a aigris sur l’histoire. Je savais qu’une telle scène existait, même si je n’en connaissais pas tous les détails, et cela a peut-être coloré mon expérience.
Cela dit…. J’ai adoré Le Duc et moi ! Et j’ai hâte de poursuivre la lecture de la série. Je suis tombée amoureuse des personnages, du monde et du ton presque immédiatement. De Lady Whistledown à la famille Bridgerton toute entière et à leur matriarche hilarante mais forte, en passant par les badinages et les situations comiques impliquant Simon et Daphné, je suis là pour tout cela. Je veux aborder la controverse parce qu’elle est sensible, mais aussi parce que je ne sais pas quelle est la dernière fois où je me suis sentie liée et investie dans une série romantique dès le début. Je peux déjà dire que c’est quelque chose que je voudrai relire à l’avenir.
Cela dit, parlons de l’éléphant dans la pièce : la scène en question se déroule après le mariage de Simon et Daphné. C’est une situation compliquée, et à partir de maintenant, vous devez vous attendre à des spoilers….
AVERTISSEMENT SPOILER !
Ce qu’il faut savoir : Simon a commencé à parler tard et a bégayé. Son trou du cul de père l’a traité de stupide et ne voulait rien savoir de lui. Maintenant, son père est mort, mais il a juré de ne jamais avoir d’enfants et ne prévoit pas de se marier. Ce qui se complique lorsqu’il s’agite avec Daphné et qu’il doit l’épouser pour préserver sa réputation….
Daphné (comme la plupart des jeunes femmes de son époque) n’a jamais suivi de cours d’éducation sexuelle et ne sait donc pratiquement rien sur le sexe ou le fonctionnement de la conception. Cela donne lieu à des scènes et des conversations hilarantes, mais c’est aussi tragiquement exact sur le plan historique. Ainsi, lorsqu’elle épouse Simon, elle ne se rend pas compte que lorsqu’il dit qu’il « ne peut pas » avoir d’enfants, ce qu’il veut vraiment dire, c’est qu’il « n’en aura pas ». Elle ne réalise pas non plus ce qu’il fait lorsqu’il se retire à chaque fois qu’ils ont des relations sexuelles. Simon profite de sa naïveté, même en connaissant son désir intense d’avoir des enfants, et lui ment en gros pendant des mois. Honnêtement, j’ai trouvé son comportement assez répréhensible et égoïste, même si nous comprenons qu’il est ancré dans un traumatisme.
Donc, lorsque Daphné en apprend plus sur la façon dont les choses fonctionnent et qu’elle réalise qu’on lui a menti, cela déclenche un conflit, compréhensiblement géant, où elle dit (à juste titre selon moi) à Simon qu’elle ne sera plus dans son lit. Il se saoule et rentre à la maison en lui demandant de rester avec lui et d’être avec lui. Cela ouvre la voie à un comportement plus horrible, où Daphné couche avec lui et refuse de le laisser se retirer. Ouf. Ok, donc il y a des gens qui disent que c’est fondamentalement un viol conjugal. Et en lisant la scène…en quelque sorte ? Il y a certainement des éléments de consentement douteux au moins.
Le truc c’est que ce n’est pas aussi bien peint, ou aussi sexy dans le livre. C’est très clairement dépeint comme mal, mais je pense aussi que du point de vue d’une jeune femme protégée et relativement impuissante à l’époque, je comprends en quelque sorte. Égoïste ? Bien sûr. Les deux sont égoïstes et font des choses terribles, mais pour moi, cela fait partie du but et de la façon dont elles ont appris et grandi ensemble. Je pense que l’auteur fait un travail fantastique en créant un portrait nuancé de ce que chacune d’entre elles a vécu et de la façon dont cela influence leurs choix.
Je suis heureux qu’un enfant n’ait pas été le produit de cette nuit-là. J’aurais eu plus de mal à gérer cela, mais ce n’est pas un problème. Je tiens également à dire que, parce que je savais qu’il y avait une sorte de scène potentiellement problématique, j’ai compris très tôt ce qui allait se passer. J’entends certaines personnes dire qu’elles ont été prises de court, mais pour moi, c’était comme regarder un train s’écraser sur la voie ferrée. Et c’est un vrai problème aussi, pas si différent de celui des femmes de la vie réelle qui « oublient » de prendre leur contraception dans l’espoir d’avoir un bébé dont leur partenaire ne veut pas. Car si les gens appellent cela un viol, ce n’est pas vraiment le sexe qui n’était pas désiré. C’était la grossesse potentielle. Ce qui n’est toujours pas correct, mais j’apprécie que l’auteur s’intéresse à cette question.
J’ai réfléchi à ce sujet pendant un certain temps avant d’écrire cette critique parce que je sais que c’est un sujet controversé. Pour les lecteurs qui ont détesté ce sujet et qui ne veulent plus rien avoir à faire avec ces personnages, c’est valable, surtout s’il s’agit d’un sujet qui suscite des réactions personnelles. J’imagine que si le livre était écrit aujourd’hui plutôt qu’il y a plus de 20 ans, l’auteur le traiterait peut-être un peu plus soigneusement (il est vrai que nous aurions peut-être eu besoin d’une plus grande conversation sur ce qui s’est passé entre les personnages plus tard), mais je l’ai trouvé convaincant et stimulant, et la plus grande partie du livre était juste très amusante et m’a fait rire à gorge déployée à de multiples reprises !
Note : 8,5/10
Éditeur : J’ai lu (6 janvier 2021) Langue : : Français Broché : 320 pages ISBN-10 : 2290254738
Cobra Kai continue sa séquence de victoires totalement impressionnante avec une troisième saison qui réalise un équilibre extrêmement amusant entre triomphant et ringard. L’approche «80s Movie 2.0» de l’émission ajoute de la profondeur et des couches aux films originaux d’organismes légèrement unicellulaires tout en capturant glorieusement l’esprit et la sensation de la franchise. Comme nous l’avons vu avec les deux saisons précédentes de Cobra Kai, cette approche après le coucher du soleil de The Karate Kid est un mélange parfait de drame, de comédie et de moments de lever et de joie.À première vue, il est absolument absurde de dépeindre Johnny Lawrence (William Zabka) comme un «homme hors du temps» tel qu’il est. C’est une chose de ne pas être à la fine pointe de la technologie, mais c’en est une autre de donner l’impression que vous êtes figé dans la glace, à la manière de Steve Rogers, depuis 30 ans. Mais Cobra Kai fait ce travail. Comme un bâillon courant, même. Comme il le fait aussi avec le penchant de Daniel (Ralph Macchio) pour être follement obtus – comme un père de sitcom surprotecteur qui bousille constamment – et qui a constamment besoin d’une autre personne, ou de la mémoire de M. Miyagi pour le sortir de son entêtement. Cobra Kai chevauche certains tropes comme une planche de surf, sachant que les clichés (et les coïncidences exagérées) peuvent être une bonne chose et la bienvenue lorsque vous avez donné aux téléspectateurs des personnages avec lesquels ils veulent s’engager et des résultats pour lesquels ils veulent s’enraciner.
Cobra Kai est allé grand avec sa première saison, nous donnant un point culminant impliquant un tournoi de karaté All Valley et un vainqueur couronné. Étant donné que l’émission enregistre plus ou moins l’heure à un rythme raisonnable, elle avait beaucoup à prouver dans la saison 2 lorsqu’elle devait essentiellement dépeindre l’été suivant la grande victoire de Miguel. Pas d’école. Aucun combat pour lequel s’entraîner immédiatement. Juste la vie de ces personnages et les retombées des leçons «badass» de Johnny transformant par inadvertance d’anciennes victimes en nouveaux intimidateurs. Et la réalisation lente mais bien méritée de Johnny concernant les enseignements toxiques de Kreese.
Puis la saison 2 s’est terminée avec le Helm’s Deep des bagarres de karaté au lycée et Miguel (Xolo Maridueña) prenant une énorme chute d’un atterrissage au deuxième étage et se retrouvant dans le coma. Le fils de Johnny, Robby (Tanner Buchanan) est à blâmer, la fille de Daniel, Sam (Mary Mouser), se sent responsable, Miyagi-Do prend la chaleur (en dépit d’être le dojo paisible), et le freakin ‘John Kreese (Martin Kove) a balayé et volé Les étudiants de Johnny de lui. La saison 3 concerne les conséquences du combat scolaire, la spirale de haine de soi de Johnny, le chemin du rétablissement de Miguel, l’influence toujours croissante de Kreese, la rédemption de Miyagi-Do, et bien plus encore. Pour sa deuxième saison consécutive sans tournoi, Cobra Kai prouve qu’une bonne narration, une écriture intelligente (parfois un clin d’œil) et une exploration plus approfondie de ceux-ci ‘Les personnages hérités des films des années 80 peuvent offrir un divertissement sans effort.
Comme le Crane Kick lui-même, pour paraphraser M. Miyagi, quand c’est bien fait, il n’y a pas de défense contre la grandeur de Cobra Kai.
En plus de tout cela, et à égalité avec Cobra Kai, les différents arcs de « rachat de l’intimidateur » sont sur le point. L’arme secrète de la série a été sa capacité à réexaminer les «mauvais» personnages apparemment à une seule note de ses films originaux et à vous faire sympathiser avec eux. Ou, à tout le moins, expliquez pourquoi ils sont tels qu’ils sont et que personne ne traite mal les gens ou ne se comporte de manière odieuse sans raison. Tous ceux qui ont rejoint Cobra Kai dans la saison 1 l’ont fait pour une raison. Et s’est accroché à Johnny en tant que Sensei pour une raison. Maintenant, la même chose peut être dite pour ceux qui choisissent de rester avec Cobra Kai sous le règne impitoyable de Kreese.
Tout le monde est sur un voyage spécifique et séparé et Cobra Kai est toujours conscient de cela, et de rendre les choix des gens aussi crédibles que possible. Cela ne signifie pas nécessairement que chaque tour et tour se déroule parfaitement, ou que vous ne regardez pas souvent les personnages faire des choix terribles, mais un effort est toujours fait pour vous faire comprendre pourquoi ils prennent certaines décisions. Et que tout le monde est aussi étoffé que possible. Cela signifie-t-il que vous commencerez à vous sentir désolé pour John Kreese? Tout le monde? Eh bien, ne l’excluez pas! Personne ne reste une découpe en carton sur cette série. C’est presque comme s’il y avait une initiative permanente «aucun intimidateur laissé pour compte». Alors que Daniel apprend lentement à prendre sa part du blâme pour ses conflits passés, ses anciens ennemis sont également arrondis en nature et avec style.
Verdict
La troisième saison de Cobra Kai offre plus de plaisir car la guerre des dojo de la vallée a de graves conséquences pour les adultes et les adolescents. Avec des coups durs, des coups de pied cool et une maîtrise absolue du ton (qui est celle d’un souffle évolué et conscient de soi des années 80), Cobra Kai équilibre le drame vaillant avec (parfois) le ridicule absolu. Cela continue d’être une suite merveilleusement dosée à l’ancienne franchise. Personne n’avait nécessairement besoin de revoir ces vieux personnages, mais quelle joie ils sont à voir. Et quelle belle exploration cela continue d’être dans les thèmes de la colère, du pardon et de la rédemption.
La Saison 1 de Equinox est disponible sur Netflix ! Si vous souhaitez connaitre l’explication de la fin en détails, lisez la suite ! Equinox, la deuxième série danoise de Netflix est une série sombre qui est lente à construire. Trop lente, en fait, mais la seule raison de s’y tenir jusqu’à la fin est de comprendre ce qui s’est réellement passé lorsque la soeur d’Astrid, Ida, a disparu. Equinox est un mélange de culte sexuel et de meurtre mystérieux avec un soupçon de surnaturel, le tout enveloppé dans le nom d’un thriller.
VIDÉO
Quand Astrid avait neuf ans, sa sœur Ida avait disparu. Avec ses 20 camarades de classe, elle avait participé à un voyage en camion spécial pour la remise des diplômes, qui a été fêté alors que les élèves acclamaient avec des bières à la main. Cependant, sur les 21, seuls 3 sont revenus et 18 étudiants, dont Ida, avaient disparu. Dès l’instant où Ida avait disparu, Astrid avait commencé à rêver. Il s’agissait de cauchemars trop réels pour être considérés comme des rêves dérangeants. Son père l’a donc aidée à trouver une aide professionnelle en l’inscrivant dans un établissement psychiatrique
Cependant, sa mère a refusé de croire que ces cauchemars avaient un impact sur la santé mentale de sa fille. Et a plutôt essayé de pousser Astrid à explorer davantage ses cauchemars. Pour savoir si elle pouvait trouver Ida dans ses cauchemars et la ramener. Il s’avère qu’Ida et les père et mère d’Astrid ont caché un énorme secret à leurs filles et au cours des six épisodes. Nous démêlons ce secret sous la forme de flashes du passé qui se juxtaposent aux rêves récurrents d’Astrid à l’âge adulte
Dans le présent, elle est elle-même mère d’une fille et anime également un programme de radio qui se concentre sur les superstitions et les croyances qui égarent les gens. Un beau jour, elle se souvient de son passé traumatisant lorsque le petit ami de sa sœur, Jakob, appelle Astrid et la prévient, lui dit qu’il a vu comment sa sœur avait disparu avec les autres et lui dit que ce qu’elle croit être une superstition est bien réel.
Explication de la fin de la Saison 1 de Equinox sur Netflix !
Equinox est centré sur le folklore d’Eostre ou d’Ostara qui est originaire des régions danoise et allemande. La légende d’Ostara est centrée sur la déesse du printemps qui est empruntée aux rituels panthéoniens et qui est même aujourd’hui un Dieu de Pâques homonyme. Equinox se concentre sur le fait qu’Ostara était une femme dont le roi des lièvres était tombé amoureux à l’équinoxe et dont il devait se séparer lorsqu’elle voulait rentrer chez elle après le rituel.
Le roi lièvre avait refusé de partir avec elle, et était rentré seul à la maison. Cependant, Ostara a remarqué, lorsqu’elle était loin du roi lièvre, l’apparition d’œufs partout où elle avait rencontré le roi lièvre. Ainsi, un par un, les œufs ont éclos et des lapins en sont sortis. Et depuis lors, on pense que ce sont ces lapins qui nous apportent les œufs de Pâques. Dans la saison 1 de Equinox, le père d’Astrid lui raconte aussi cette histoire comme une histoire nocturne lorsqu’elle est à l’hôpital pour se faire soigner.
Pour comprendre la fin de la Saison 1 de Equinox, il est très important de comprendre cette histoire d’amour entre Ostara et le roi lièvre, car toute la série est centrée sur le moment où les deux peuvent enfin se retrouver. Au départ, on nous fait croire qu’Ida était Ostara. Il s’agit d’un pacte qu’Ida et la mère d’Astrid qui n’a pas pu tomber enceinte avaient conclu, avec le Roi lièvre qui apparaît sous la forme d’un humain appelé Henrik. Elle lui dit qu’elle lui rendra Ida après ses dix-huit ans, ne s’attendant pas à ce qu’il revienne chercher ce qui lui a été promis. Mais au lieu de lui rendre Ida, elle dit à Henrik qu’elle est prête à lui remettre Ida et son bébé qui a été créé la nuit de l’équinoxe. Cependant, Ida avait fini par se faire avorter.
Cet avortement avait conduit à la ruine du pacte entre la mère d’Ida et Henrik, si bien qu’Henrik est furieux de ne pas avoir obtenu ce qui lui avait été promis. C’est en attendant ce qui lui a été promis qu’il emprisonne Ida et ses camarades de classe. Il s’avère qu’Astrid est en réalité l’Ostara qui, en retrouvant Henrik alias le roi lièvre dans la légende, peut libérer les âmes qui ont été capturées et c’est exactement ce que nous voyons à la fin de la Saison 1 de Equinox lorsque nous voyons des humains ressemblant à des zombies apparaître dans un champ les uns après les autres.
Cependant, ni Ida ni Astrid ne reviennent car le monde ne les comprend plus. Astrid, par exemple, a toujours été incomprise par son père qui ne voulait pas qu’elle se rapproche du côté surnaturel de son héritage alors que sa mère la poussait trop. Ainsi, en choisissant de partir avec Henrik et sa sœur Ida, Astrid laisse derrière elle un monde qui refuse d’ouvrir sa vision du monde à son expérience pour vivre ailleurs en paix.
Lorsque « Wonder Woman » est sorti en 2017, c’était une bouffée d’air frais passionnante, à la fois dans le royaume plus sombre des adaptations de DC Comics et dans le contexte plus large des superproductions estivales gonflées. Le film de la réalisatrice Patty Jenkins offrait à parts égales muscle et cœur, avec un équilibre tonal parfait entre action transportante et humour doux, spectacle éblouissant et romance charmante. L’élément crucial en son centre était l’incroyablement charismatique Gal Gadot , qui était plus qu’un étourdissant magnifique et sculptural. Elle rayonnait de bonté, de lumière et d’espoir d’une manière contagieuse, qui vous faisait croire au pouvoir des super-héros au-delà des platitudes faciles sur le fait de faire ce qui est bien et de protéger l’humanité.
Gadot reste une figure gagnante et séduisante dans «Wonder Woman 1984», et elle conserve son lien authentique avec le public, mais la machinerie autour d’elle est devenue plus grande et plus lourde. C’était peut-être inévitable, l’envie de créer une suite pour rendre tout plus sauvage et plus brutal, plus tentaculaire et compliqué. Dans le processus, cependant, la qualité qui a fait du film original un tel plaisir a été presque entièrement écrasée. Et pourtant, la fondation du scénario que Jenkins a co-écrit avec Geoff Johns et Dave Callaham , basé sur William Moulton Marston. Les personnages originaux de, est assez simple: c’est une accusation de cupidité, de notre désir légitime d’avoir ce que nous voulons et de l’avoir maintenant. L’histoire se déroule au plus fort de la consommation ostentatoire de l’ère Reagan, d’où le titre, mais le point que «WW84» fait sur la nature destructrice de l’avarice est certainement pertinent aujourd’hui.
Trop souvent, cependant, l’instinct en évoquant cette période est de se vautrer dans une nostalgie évidente – des cols sautés sur des polos pastel, un jeu Centipede à l’arcade, un libraire B. Dalton au centre commercial à trois étages très éclairé. Il y a même le montage obligatoire des vêtements pour permettre au pilote ressuscité de la Première Guerre mondiale de Chris Pine de s’émerveiller devant le ridicule des pantalons de parachute. (Aussi: breakdance! Qu’est-ce que c’est que ça?) Nous reviendrons à Steve dans la minute, et à l’idée potentiellement intrigante que représente son retour.
Mais ce qui est également décevant dans le scénario de «WW84», c’est qu’il semble appartenir à un film sorti dans les années 80. Son dispositif de conduite d’intrigue serait parfaitement à l’aise dans une comédie de haut niveau: une pierre ancienne qui vous accorde immédiatement tout ce que vous souhaitez, entraînant à la fois des détournements farfelus et des catastrophes massives. C’est une notion banale dans le sens de « Weird Science » et «Zapped !,» un récit édifiant dans lequel la réalisation fantastique ne donne finalement pas la satisfaction attendue par ses personnages.
La séquence d’ouverture du film est bien plus convaincante, un flash-back sur un moment charnière de la vie de la jeune Diana, des années avant qu’elle ne devienne Wonder Woman. En tant que fille sur l’île magique de Themiscyra (jouée une fois de plus par Lilly Aspell , bien placée et parfaitement lancée ), elle participe à un défi ardu de force et d’habileté contre des femmes deux fois son âge et sa taille. Toute cette section monte en flèche – le travail de la caméra et le montage nous placent au cœur de l’action, et la partition de Hans Zimmer nous entraîne. La mémoire établit également efficacement l’intrépidité et la capacité de Diana, ainsi que l’importante leçon qu’elle apprend sur la nature de la vérité qui deviendra pertinente plus tard. C’est le point culminant du film; rien d’autre ne lui égalera en termes de cohésion visuelle ou d’impact émotionnel.
Flash avant 1984. Diana Prince vit maintenant à Washington DC (au Watergate, de manière amusante) et travaille comme archéologue au Smithsonian, utilisant son expertise et ses compétences linguistiques pour étudier des artefacts anciens. Être sans âge fait d’elle une silhouette glamour et élégante mais solitaire. (La costumière Lindy Hemming joue de la taille de Gadot et de l’héritage de son personnage en la plaçant dans des tenues majestueuses et drapées qui soulignent sa longueur.) Nous voyons Diana assise seule à une table dans un café en plein air, souriant aux passants, aspirant à faire un connexion. C’est le moment le plus émouvant du film.
Ainsi, quand la nouvelle collègue de souris, la Dre Barbara Minerva, arrive et demande docilement si elle aimerait déjeuner, Diana ne sait pas trop comment répondre car elle n’a pas vraiment d’amis. Mais les deux se sont vite entendus, car Barbara est également inadaptée à sa manière. Kristen Wiig est subtilement hilarant dans ces premières scènes en tant que chercheur doucement maladroit et chaleureux. La chimie qu’elle et Gadot partagent lorsqu’ils se rencontrent pour prendre un verre à l’heure de l’apéro, le Washington Monument brillant derrière eux au loin, m’a fait souhaiter qu’ils jouent à la place dans une comédie de copains dépareillée. Le rôle permet à Wiig de livrer ses lignes avec l’impasse sournoise et autodérision qui est sa marque de fabrique; cela semble sans effort mais nécessite en fait une précision extrême. Mais la regarder s’étirer et devenir une figure méchante au fur et à mesure que le film progresse a ses propres joies. C’est un énorme changement de rythme pour la comédienne, et elle se montre à la fois physiquement et émotionnellement.
Vous voyez, Barbara met la main sur une pierre mystérieuse qui entre dans le laboratoire, qu’elle et Diana déterminent qu’elle est celle qui accorde un souhait au porteur. Diana souhaite pouvoir à nouveau être avec son amour, Steve Trevor de Pine, maintenant décédé depuis sept décennies. Barbara souhaite qu’elle puisse ressembler davantage à Diana: confiante, forte, sexy. Mais alors – comprenez ceci – toute une autre personne entre dans le laboratoire sous prétexte d’être un bienfaiteur, alors qu’il veut réellement la pierre pour ses propres fins néfastes. C’est Pedro Pascal en tant qu’escroc de télévision aux cheveux moelleux Maxwell Lord, un faux magnat du pétrole promettant la prospérité aux masses. Fabriquant une façade riche et vivant au-dessus de ses moyens, Maxwell Lord est un archétype de l’époque. Mais au-delà de sa soif éhontée de pouvoir et de respect, il n’y a pas grand chose à ce personnage, et le portrait de Pascal devient de plus en plus caricatural. Artiste sensible, il a eu l’occasion de montrer plus de portée sous son casque et son armure en acier Beskar sur «The Mandalorian».
La majeure partie de la durée excessive de la «Seconde Guerre mondiale» est consacrée au chaos qui s’ensuit lorsque l’accomplissement des souhaits se déchaîne. Le script serpente maladroitement entre ces trois personnages alors qu’ils explorent leurs nouveaux pouvoirs ou les conséquences de leurs choix. En cours de route, les règles pour souhaiter sur la pierre changent de la manière qui convient pour que l’intrigue continue de fonctionner. Mais des moments vraiment passionnants émergent sur le chemin de l’apogée génériquement brillante et bruyante, y compris une poursuite palpitante à travers le désert égyptien qui permet à Diana de révéler à la fois sa débrouillardise et sa gentillesse. Et la transformation de Barbara de scientifique sans prétention à séductrice est un plaisir à voir, principalement parce que l’évolution de ses vêtements et de ses cheveux est si grande et qu’elle semble s’amuser le plus à l’écran.(On ne peut pas en dire autant de Gadot et de Pine cette fois, dont la connexion est étrangement inerte malgré le caractère poignant potentiel d’être réuni avec votre seul véritable amour.) Bien sûr, Barbara se transforme finalement en la méchante bande dessinée Cheetah et ressemble à un réfugié de « Chats », mais jusque-là, son arc est l’élément le plus intéressant du film.
À la fin de cet incendie de Dumpster d’une année, cependant, « Wonder Woman 1984 » offre une évasion bienvenue, ainsi qu’un message d’espoir bien nécessaire. Nous prendrons ces diversions là où nous pouvons les obtenir ces jours-ci, soit dans un théâtre, soit depuis la sécurité de votre canapé à la maison. C’est bon. Parfois, il monte même en flèche. Mais cela aurait pu être merveilleux.
Un professeur de musique épris de jazz se retrouve dans la vie d’avant dans cette beauté existentielle de Pixar du réalisateur de Up and Inside Out
Son animation Pixar typiquement ambitieuse se présente comme un croisement de rêve fébrile entre Fantasia de Disney et Powell et A Matter of Life and Death de Pressburger , avec un soupçon bizarre de The Lovely Bones de Peter Jackson pour faire bonne mesure. L’histoire d’un professeur de musique qui perd la vie mais découvre son âme, c’est une émeute visuellement somptueuse d’idées, dressée quelque part entre une comédie musicale ludique, une comédie divine et un drame métaphysique.
Tout comme le film Minions s’est ouvert aux délicieux sons d’hélium de ses héros joyeusement «ba-ba-BA» – reprenant le célèbre thème Universal, Soul commence avec l’hymne Disney distinctif assassiné de manière jazz par un groupe scolaire discordant. Si le professeur de musique Joe Gardner (Jamie Foxx) pouvait souhaiter une star, il souhaiterait être ailleurs, de préférence tinter les ivoires dans un club échangiste. Le rêve de Joe devient réalité quand il reçoit un appel tardif lui demandant de s’asseoir avec la saxophoniste de jazz branchée Dorothea Williams (Angela Bassett). L’audition se passe bien – si bien, en fait, que Joe part la tête dans les nuages et tombe aussitôt à mort dans un trou d’homme ouvert.
Jusqu’ici, tellement burlesque. Pourtant, se trouvant sur un escalier mobile menant au Grand Au-delà, et déterminé à ne pas rater la chance de sa vie, Joe court dans l’autre sens et se retrouve dans le Grand Avant , un pays rêveur où les âmes protéiformes se voient attribuer des «personnalités uniques et individuelles» avant d’être envoyé sur Terre. Ici, il rencontre 22 (Tina Fey), qui a refusé de prendre sa place dans le monde réel malgré les meilleurs efforts d’une série d’enseignants, dont Gandhi, Lincoln et Mère Teresa («Je l’ai fait pleurer»). C’est donc à Joe désincarné qu’il incombe de l’aider à trouver son étincelle, avec des résultats inattendus de changement de corps.
Co-écrit et réalisé par Pete Docter, Soul partage bon nombre des traits de ses précédentes sorties, Up and Inside Out . Comme ce dernier, il aborde des questions existentielles (la construction de la personnalité; la nature contre la culture) à travers le langage accessible de l’animation – comme une revisitation théologiquement tirée du bande dessinée The Numskulls . Et comme Up , dans lequel un vieil homme redécouvre le sens de la vie après avoir transformé sa maison en un dirigeable propulsé par un ballon à hélium, il lie son message rédempteur à un complot étrangement alambiqué qui trébuche parfois sur ses propres lacets narratifs.
Il est facile de devenir blasé sur l’éclat visuel, à la fois technique et artistique, de la production de Pixar, mais Soul est vraiment un régal pour les yeux. De la clarté presque photo-réaliste des scènes terrestres (les intérieurs du club de jazz donnent le travail de Damien Chazelle sur The Eddy pour son argent) à l’étrangeté d’un autre monde des segments hors du corps, c’est un plaisir à regarder. Soyez témoin de la beauté physique tangible des doigts de Joe flottant sur les claviers alors que la musique le transporte dans une autre dimension, juxtaposée à la merveilleuse étrangeté des créatures d’un autre monde qui ressemblent à des dessins au trait trippants de Fred Flintstone tels que réinventés par Picasso.
Avec une partition originale de Trent Reznor et Atticus Ross, et des compositions et des arrangements de jazz de Jon Batiste (le chef de groupe ambassadeur de The Late Show de Stephen Colbert ), Soul a du piquant musical à revendre. Foxx, qui a remporté un Oscar dans le rôle de Ray Charles, donne une profondeur émotionnelle au premier rôle principal afro-américain de Pixar, avec le co-réalisateur / scénariste Kemp Powers (ainsi que des consultants tels que l’anthropologue Dr Johnnetta Cole ) veillant à ce que les références culturelles du film frappent juste le bonne note.
