Angela et Joe invitent leurs mystérieux nouveaux voisins du dessus à dîner. La soirée va alors rapidement faire voler en éclats toutes leurs certitudes.

L’Invitation transforme un simple dîner entre voisins en jeu de massacre conjugal. Olivia Wilde part d’une situation volontairement ordinaire pour observer ce qui se produit lorsque des inconnus pénètrent dans l’intimité d’un couple et commencent, presque sans effort, à faire vaciller tout ce qu’il pensait solide.

Angela et Joe invitent leurs mystérieux nouveaux voisins du dessus à partager un dîner. La soirée commence sous le signe de la politesse et de la curiosité. On fait connaissance, on échange quelques banalités, on observe discrètement ceux que l’on vient de rencontrer. Mais les conversations deviennent rapidement plus personnelles et les frontières entre confidence, provocation et séduction de plus en plus difficiles à distinguer.

Le scénario de Rashida Jones et Will McCormack exploite intelligemment cette progression. Il ne s’agit pas seulement de découvrir qui sont réellement ces voisins, mais de comprendre pourquoi leur présence produit un tel bouleversement chez Angela et Joe. Les invités deviennent progressivement des révélateurs des frustrations et des désirs que le couple avait appris à ne plus regarder.

La table du dîner constitue ainsi un véritable terrain de confrontation. Une question apparemment anodine suffit à créer un silence. Une plaisanterie change soudainement l’atmosphère. Un regard dure quelques secondes de trop. Le film trouve ses meilleurs moments dans ces petits déplacements, lorsque personne n’a encore ouvertement franchi la ligne mais que chacun comprend qu’elle est dangereusement proche.

Seth Rogen excelle dans ce registre du malaise. Joe tente désespérément de conserver une maîtrise qu’il perd progressivement, et l’acteur sait parfaitement exploiter les silences gênants, la jalousie et cette mauvaise foi qui apparaît lorsqu’un personnage se sent menacé.

Olivia Wilde donne davantage de nuances à Angela. Derrière l’apparente stabilité du personnage se dessine progressivement une femme intriguée par ce que cette rencontre révèle de sa propre existence. Le film évite ainsi de désigner un responsable unique de la crise : chacun arrive à cette soirée chargé de frustrations que les autres ne font finalement que mettre au jour.

Penélope Cruz possède quant à elle cette présence immédiatement magnétique qui convient parfaitement au dispositif. Son personnage entretient constamment l’ambiguïté et contribue à installer une tension où le désir devient aussi important que les dialogues.

La réalisation privilégie logiquement le huis clos et la proximité. À mesure que les masques tombent, l’appartement paraît se resserrer autour des personnages. Les regards et les positions autour de la table deviennent presque aussi importants que les paroles. Olivia Wilde comprend que, dans ce type de comédie, le malaise naît souvent moins de ce qui est dit que de la réaction de celui qui vient de l’entendre.

Le film fonctionne également parce qu’il ne transforme pas ses mystérieux voisins en unique source du problème. Ils ne détruisent pas un couple parfaitement heureux : ils révèlent des fissures déjà présentes. Derrière les provocations se pose alors une question beaucoup moins légère : combien de certitudes conjugales continuent d’exister uniquement parce que personne n’est venu les remettre en cause ?

Quelques situations poussent le dispositif jusqu’à la caricature et l’escalade perd parfois la subtilité des premiers échanges. Mais l’efficacité des dialogues et la complémentarité du casting permettent au film de conserver son rythme.

Piquante, drôle et volontairement inconfortable, L’Invitation utilise un dîner entre voisins pour disséquer les certitudes d’un couple. Olivia Wilde signe une comédie adulte où le malaise, le désir et les non-dits deviennent progressivement plus explosifs que n’importe quelle dispute. Seth Rogen excelle dans la gêne, tandis que Penélope Cruz apporte au récit une ambiguïté particulièrement savoureuse. Un huis clos mordant qui rappelle qu’il suffit parfois d’inviter les mauvaises personnes à dîner pour commencer à regarder autrement toute sa vie.

Nora, Thomas et leur fille Ida vivent dans une ferme isolée avec pour seule voisine, Cristina, une peintre italienne. Alors que tout le monde prépare une soirée d’anniversaire surprise pour Nora, trois hommes rôdent autour de la maison et s’invitent à la fête, faisant surgir des secrets bien gardés…

Histoires De La Nuit installe d’abord son récit dans une apparente tranquillité rurale avant de la fissurer progressivement. Léa Mysius transforme une ferme isolée, une fête d’anniversaire et quelques visiteurs inattendus en matière à un thriller intime où la menace extérieure finit surtout par révéler ce que les personnages tentaient de maintenir enfoui.

Nora, Thomas et leur fille Ida vivent à l’écart du monde. Leur seule voisine est Cristina, une peintre italienne. Ce quotidien retiré semble avoir trouvé son équilibre jusqu’à l’organisation d’une soirée surprise pour l’anniversaire de Nora. Mais tandis que les préparatifs avancent, trois hommes commencent à rôder autour de la propriété. Leur présence devient de plus en plus inquiétante jusqu’à ce qu’ils s’invitent à la fête.

À partir de cette intrusion, le film joue intelligemment sur deux formes de menace. Il y a d’abord celle, immédiatement identifiable, de ces inconnus dont les intentions restent difficiles à cerner. Puis une autre, beaucoup plus intime, apparaît : celle des secrets que leur arrivée oblige les habitants de la ferme à affronter.

Léa Mysius utilise parfaitement l’isolement du décor. La campagne, qui pouvait initialement représenter un refuge, devient progressivement un piège. La nuit efface les repères, les distances prennent une autre dimension et l’absence de voisinage renforce la sensation que les personnages ne pourront compter que sur eux-mêmes.

La réalisatrice préfère installer le malaise plutôt que provoquer artificiellement la peur. Un bruit extérieur, une silhouette aperçue au loin ou un comportement légèrement inhabituel suffisent à modifier l’atmosphère. Le spectateur est placé dans une situation d’incertitude permanente : quelque chose menace cette famille, mais il reste difficile de déterminer si le danger vient réellement de l’extérieur.

Hafsia Herzi trouve en Nora un personnage particulièrement complexe. À mesure que la soirée avance, son interprétation laisse apparaître différentes couches d’une femme dont le présent semble construit sur des éléments du passé qu’elle préférerait ne pas voir ressurgir. Son jeu contenu renforce efficacement l’ambiguïté du récit.

Benoît Magimel apporte à Thomas une présence plus massive mais tout aussi trouble. Derrière l’image du couple installé se dessinent progressivement des tensions et des non-dits qui donnent une autre lecture aux événements. Bastien Bouillon s’inscrit parfaitement dans cet univers où chaque personnage semble susceptible de posséder une partie de la vérité sans jamais la révéler complètement.

La fête d’anniversaire constitue un excellent dispositif dramatique. Elle devrait célébrer Nora, mais devient au contraire le moment où son existence menace de se désagréger. Les invités, les conversations et les apparences sociales empêchent dans un premier temps la violence d’éclater ouvertement. Lorsque les trois hommes franchissent finalement la frontière de la propriété, l’espace intime ne peut plus être protégé.

Léa Mysius travaille également sur la manière dont le passé contamine le présent. Les secrets ne sont jamais de simples informations destinées à provoquer un retournement de situation. Ils modifient progressivement notre perception des personnages et obligent à reconsidérer ce que nous pensions avoir compris de cette famille.

Le film peut parfois pousser assez loin cette volonté d’entretenir le mystère. Certaines informations sont volontairement retenues et le rythme prend le temps d’installer ses personnages avant de faire véritablement basculer la soirée. Mais cette lenteur participe à la sensation d’étouffement qui gagne progressivement le récit.

La nuit devient finalement bien davantage qu’un décor. Elle permet aux identités de se brouiller, aux souvenirs de revenir et aux comportements que la lumière du jour maintenait sous contrôle de se révéler.

Troublant, tendu et remarquablement atmosphérique, Histoires De La Nuit transforme une fête d’anniversaire en lente implosion familiale. Léa Mysius joue habilement sur la frontière entre menace extérieure et violence intime, utilisant l’isolement de la campagne pour enfermer progressivement ses personnages dans leurs propres secrets. Hafsia Herzi impressionne par la retenue de son interprétation, tandis que Benoît Magimel et Bastien Bouillon renforcent l’ambiguïté d’un récit où la véritable menace n’est pas forcément celle que l’on aperçoit rôder dans la nuit.

Bryan, coursier médical, s’engage dans une course effrénée pour survivre, alors qu’autour de lui le monde s’enfonce dans un chaos total.

Resident Evil revient au cinéma sous la direction de Zach Cregger et choisit de repartir sur des bases radicalement différentes. Plutôt que de reproduire une nouvelle fois les précédentes adaptations, le film privilégie une expérience de survie nerveuse et horrifique, centrée sur un personnage ordinaire brutalement projeté au cœur d’un monde qui s’effondre.

Bryan est coursier médical. Rien ne le destine à devenir un héros. Alors qu’il effectue son travail, une situation apparemment ordinaire bascule progressivement dans le chaos. Les rues deviennent dangereuses, les repères disparaissent et survivre quelques minutes supplémentaires devient bientôt son unique objectif.

Cette simplicité constitue l’une des bonnes idées du film. Bryan n’est ni militaire ni spécialiste des armes. Il ne possède aucune connaissance particulière lui permettant de comprendre immédiatement ce qui se déroule autour de lui. Le spectateur découvre donc la catastrophe en même temps que lui, à hauteur d’homme, dans une confusion qui participe directement à la tension.

Zach Cregger exploite intelligemment cette perte de contrôle. Après Barbarian et Weapons, le cinéaste retrouve son goût pour les ruptures de ton, les situations imprévisibles et une horreur capable de surgir là où on ne l’attend pas. L’univers de Resident Evil lui offre un terrain particulièrement adapté à cette approche.

Austin Abrams porte une grande partie du récit. Son Bryan fonctionne précisément parce qu’il n’a rien du héros d’action traditionnel. La peur, l’épuisement et les mauvaises décisions participent à sa crédibilité. Paul Walter Hauser et Zach Cherry apportent quant à eux cette étrangeté et ce décalage qui permettent au film de ne jamais devenir une simple succession de courses-poursuites.

Le scénario signé Zach Cregger et Shay Hatten comprend surtout que Resident Evil fonctionne lorsqu’il donne l’impression que chaque porte ouverte peut cacher une nouvelle menace. Les espaces confinés, les bâtiments abandonnés et les zones plongées dans l’obscurité permettent de renouer avec une véritable logique de survival horror.

L’action reste importante, mais elle n’écrase pas complètement la peur. Le film préfère régulièrement ralentir, isoler son personnage et laisser le spectateur anticiper ce qui pourrait surgir. Cette alternance entre accélérations brutales et moments de silence donne davantage de poids aux confrontations.

Le long-métrage joue naturellement sur l’imaginaire de la franchise sans faire de la référence permanente sa seule raison d’être. L’objectif semble moins de reproduire mécaniquement une aventure connue des joueurs que de retrouver une sensation fondamentale : avancer dans un environnement hostile sans savoir précisément ce qui attend au prochain détour.

Cette volonté n’empêche pas quelques excès. Le chaos prend parfois le dessus sur l’atmosphère et certaines séquences plus spectaculaires s’éloignent de l’efficacité des passages les plus resserrés. Mais le film retrouve rapidement son énergie lorsqu’il revient à Bryan et à sa vulnérabilité.

C’est finalement cette échelle humaine qui permet à cette nouvelle incarnation de trouver sa personnalité. Derrière les créatures et l’effondrement du monde, Resident Evil redevient avant tout une histoire de survie.

Brutal, tendu et généreux dans son approche horrifique, Resident Evil trouve une nouvelle énergie en revenant à l’essence du survival horror. Zach Cregger privilégie la vulnérabilité d’un homme ordinaire à la surenchère héroïque et installe une menace capable de surgir à chaque instant. Austin Abrams fonctionne parfaitement dans ce registre, donnant au chaos une dimension beaucoup plus immédiate. Une relance efficace de la franchise, plus intéressée par la peur de survivre que par la simple accumulation de références.

Un grand roman d’amour français sous l’oeil de Khomeiny

Gilles Martin-Chauffier entrelace une histoire d’amour et le basculement historique d’un pays en faisant se rencontrer deux êtres à Paris, quelques mois avant que la révolution iranienne ne bouleverse leurs existences. À travers Nazanine et Paul, le romancier raconte autant la passion que les illusions politiques d’une époque confrontée à une révolution dont elle ne mesure pas encore les conséquences.

À l’été 1978, Nazanine étudie le stylisme tandis que Paul travaille comme journaliste pour un grand hebdomadaire. Ils se rencontrent au Palace, lieu emblématique d’un Paris libre et insouciant, et tombent amoureux presque immédiatement. Leur histoire commence dans une capitale où la fête semble pouvoir durer éternellement, alors qu’à plusieurs milliers de kilomètres l’Iran entre progressivement dans une période décisive.

La révolte contre le shah prend de l’ampleur et passionne la rédaction de Paul. Vue depuis Paris, la révolution possède d’abord quelque chose de séduisant : la chute annoncée d’un régime autoritaire nourrit les espoirs et fournit aux journalistes un formidable récit politique. Mais une révolution observée depuis une rédaction n’est pas la même que celle vécue par ceux qui se trouvent au milieu de ses bouleversements.

Pour Nazanine, les événements n’ont évidemment rien d’abstrait. Son père se trouve à Téhéran et la jeune femme doit retourner en Iran pour tenter de le sauver. Le roman change alors de perspective. L’histoire collective vient brutalement interrompre l’histoire intime et sépare deux personnages qui semblaient appartenir au même monde.

À mesure que l’Iran se transforme, les certitudes commencent également à vaciller à Paris. L’enthousiasme initial laisse place au doute puis à la désillusion. La promesse de liberté se heurte progressivement à l’installation d’un nouvel ordre religieux, tandis que l’arrivée de Khomeiny modifie profondément la nature de la révolution.

Gilles Martin-Chauffier trouve dans ce contraste l’un des ressorts les plus intéressants du roman. Il observe la manière dont l’Occident regarde, interprète et parfois idéalise les bouleversements d’un autre pays. Paul, journaliste, se retrouve directement confronté à cette question : comment raconter une révolution lorsque la réalité finit par contredire le récit que l’on avait commencé à construire ?

Mais le cœur du livre reste Nazanine. Son retour à Téhéran donne un visage intime aux transformations politiques. La liberté, la religion ou la condition des femmes cessent d’être des concepts pour devenir des réalités qui déterminent désormais son quotidien et son avenir.

Paul décide finalement de partir à sa recherche. La quête amoureuse rejoint alors le reportage et transforme le voyage en confrontation avec un pays en pleine métamorphose. Retrouver Nazanine signifie aussi comprendre ce qui est réellement en train de se produire en Iran.

Le roman joue ainsi sur deux mouvements opposés : tandis que Paul et Nazanine tentent de préserver leur histoire, l’Histoire avec un grand H les éloigne inexorablement. Leur amour devient le fil conducteur d’une époque où les idéaux, les convictions et les libertés sont brutalement remis en question.

Gilles Martin-Chauffier signe un récit où romance, journalisme et révolution politique se répondent constamment. Le Paris de la fin des années 1970 et le Téhéran révolutionnaire forment deux mondes que tout semble progressivement séparer, alors que les personnages tentent encore de maintenir un lien entre eux.

Un roman d’amour ample et romanesque, mais aussi le portrait d’une époque saisie au moment où ses illusions commencent à se fissurer. À travers Nazanine et Paul, Gilles Martin-Chauffier raconte avec force comment une révolution regardée de loin peut susciter l’enthousiasme avant de révéler, pour ceux qui la vivent, un visage autrement plus sombre.

Éditeur ‏ : ‎ Albin Michel Date de publication ‏ : ‎ 16 septembre 2026 Langue ‏ : ‎ Français Nombre de pages de l’édition imprimée  ‏ : ‎ 288 pages ISBN-10 ‏ : ‎ 2226513620 ISBN-13 ‏ : ‎ 978-2226513625