C’est Halloween, et Ducobu revient pour une aventure pleine de rires et de mystères ! Le professeur Latouche et Mademoiselle Rateau emménagent dans une maison… hantée par le ​ fantôme d’Anatole, le plus grand cancre de l’histoire de l’école Saint-Potache. Ce fantôme farceur va entraîner Ducobu, Léonie, leurs parents et Kitrish dans une série de péripéties ​ aussi drôles qu’inattendues. Mais attention : à Halloween, tout peut arriver…

Ducobu et le fantôme de Saint-Potache ajoute une bonne dose de surnaturel à la recette désormais bien connue de la saga. Élie Semoun profite d’Halloween pour abandonner momentanément les seules guerres de triche entre Ducobu et Latouche et transformer Saint-Potache en terrain de jeu fantastique, entre maison hantée, apparitions et mauvais tours.

Cette fois, l’aventure commence loin des traditionnelles interrogations écrites. Le professeur Latouche et Mademoiselle Rateau emménagent dans une nouvelle maison qui possède une particularité plutôt embarrassante : elle est hantée.

Son occupant invisible n’est d’ailleurs pas totalement étranger à l’univers de l’école. Anatole fut autrefois le plus grand cancre de toute l’histoire de Saint-Potache. Autant dire que Ducobu vient peut-être de rencontrer son maître.

Cette idée constitue le principal ressort du film. Plutôt que d’introduire un fantôme réellement terrifiant, Élie Semoun imagine une sorte d’ancêtre spirituel de Ducobu. Anatole partage son goût pour les farces, sa résistance à l’autorité et une imagination particulièrement fertile lorsqu’il s’agit de semer le désordre.

Le fantastique permet ainsi de renouveler légèrement les situations sans dénaturer l’identité de la franchise. Les portes qui claquent, les apparitions et les phénomènes inexplicables deviennent autant d’occasions de pousser Latouche dans ses retranchements.

Élie Semoun retrouve d’ailleurs son professeur avec la même énergie. Latouche reste ce mélange de rigidité, de mauvaise foi et de fragilité qui en fait l’un des moteurs comiques de la saga. Le confronter à un adversaire qu’il ne peut ni mettre au tableau ni envoyer chez le directeur offre naturellement quelques situations réjouissantes.

Émilie Caen conserve de son côté toute la fantaisie de Mademoiselle Rateau. Le déménagement du couple permet également de déplacer une partie de l’action hors de l’école et de donner davantage de place à leur relation.

Charlie Garnier Naslin apporte à Ducobu l’insolence nécessaire sans oublier la dimension attachante du personnage. Face à Anatole, le jeune cancre découvre surtout quelqu’un qui pousse sa propre philosophie beaucoup plus loin. Leur rencontre fonctionne alors comme un amusant passage de relais entre deux générations de spécialistes de la catastrophe scolaire.

Léonie, Kitrish et les parents viennent progressivement rejoindre cette aventure collective. Le film prend alors des allures de chasse au fantôme familiale où chacun possède évidemment sa propre manière de réagir aux événements surnaturels.

Le scénario de Guy Laurent et Élie Semoun reste fidèle au public visé. Les gags sont nombreux, les situations volontairement exagérées et l’univers horrifique demeure suffisamment léger pour rester accessible aux plus jeunes. Halloween sert davantage de prétexte à une grande récréation fantastique qu’à provoquer de véritables frissons.

Cette simplicité constitue à la fois la qualité et la limite du film. Ceux qui connaissent déjà la saga retrouveront une mécanique familière : Latouche s’énerve, Ducobu improvise, les adultes perdent le contrôle et une nouvelle catastrophe entraîne la suivante. Le surnaturel apporte une variation bienvenue, sans bouleverser profondément la formule.

Mais Ducobu n’a jamais prétendu rechercher la sophistication. La série repose sur ses personnages, son humour très direct et cette opposition éternelle entre l’institution scolaire et l’imagination débordante de son plus célèbre cancre.

En faisant apparaître Anatole, le film trouve même une jolie idée derrière ses plaisanteries : Ducobu découvre qu’il existait des cancres bien avant lui et qu’il en existera probablement encore longtemps après.

Drôle, rythmé et parfaitement calibré pour son jeune public, Ducobu et le fantôme de Saint-Potache profite intelligemment d’Halloween pour apporter un peu de fantastique à une formule désormais bien rodée. Élie Semoun reste particulièrement efficace en Latouche dépassé par des événements qu’aucun règlement scolaire ne peut résoudre, tandis que l’arrivée d’Anatole offre à Ducobu un amusant alter ego venu du passé. Rien de révolutionnaire au programme, mais une aventure familiale généreuse qui devrait largement remplir sa mission pendant les vacances : faire rire les enfants en transformant Saint-Potache en joyeuse maison hantée.

Elisa Zanetti a été condamnée pour un crime dont elle dit ne presque rien se rappeler. Dix ans plus tard, le professeur Alaoui, criminologue de renom, rouvre son dossier. Un face-à-face tendu s’engage entre les deux. Peu à peu, les souvenirs enfouis refont surface, et avec eux, une vérité bien plus complexe qu’il n’y paraît. Jusqu’où peut-on aller pour entrer dans l’esprit d’une criminelle ?

L’Affaire Zanetti s’installe dans cette zone particulièrement trouble où mémoire, culpabilité et vérité judiciaire cessent de parfaitement coïncider. Leonardo Di Costanzo transforme la réouverture d’un dossier criminel en face-à-face psychologique entre une femme condamnée depuis dix ans et un criminologue persuadé qu’il reste quelque chose à découvrir derrière ses souvenirs fragmentaires.

Elisa Zanetti a été reconnue coupable d’un crime dont elle affirme ne conserver que peu de souvenirs. Une décennie plus tard, le professeur Alaoui, criminologue réputé, décide de reprendre son dossier. Commence alors une série d’entretiens dont l’objectif paraît simple : comprendre ce qui s’est réellement passé.

Mais entrer dans la mémoire d’Elisa revient à pénétrer dans un territoire où rien n’est totalement fiable.

Leonardo Di Costanzo et Bruno Oliviero construisent intelligemment leur scénario autour de cette incertitude. Elisa ne sait-elle réellement plus ? Refuse-t-elle de se souvenir ? A-t-elle reconstruit les événements pour pouvoir continuer à vivre ? Et jusqu’à quel point Alaoui peut-il orienter les réponses en cherchant précisément la vérité qu’il pense enfouie ?

Le film trouve son principal intérêt dans ce duel.

Roschdy Zem apporte au professeur Alaoui une autorité calme qui convient parfaitement au personnage. Il écoute, analyse, reformule et revient sur un détail apparemment insignifiant. Mais derrière cette maîtrise apparaît progressivement une forme d’obsession. Plus il cherche à pénétrer l’esprit d’Elisa, plus la frontière entre investigation scientifique et intrusion psychologique devient fragile.

Barbara Ronchi lui oppose un jeu beaucoup plus difficile à saisir. Elisa peut sembler vulnérable dans une scène et presque impénétrable dans la suivante. L’actrice évite intelligemment de fournir au spectateur une clé immédiate permettant de décider s’il doit croire son personnage.

Cette ambiguïté nourrit toute la tension de L’Affaire Zanetti. La question n’est bientôt plus uniquement de savoir ce qu’Elisa a fait, mais de déterminer ce qu’un souvenir peut encore valoir dix ans après les faits.

La mémoire devient ainsi un personnage à part entière. Elle sélectionne, transforme, protège parfois. Lorsqu’un fragment réapparaît, rien ne garantit qu’il corresponde exactement à la réalité. Le film exploite cette fragilité sans multiplier artificiellement les retournements de situation.

Hippolyte Girardot complète efficacement le dispositif en ramenant régulièrement cette exploration psychologique vers les réalités extérieures de l’affaire. Car aussi fascinante soit-elle pour le criminologue, Elisa n’est pas uniquement un esprit à analyser : son histoire implique un crime, une condamnation et des conséquences humaines.

La mise en scène de Leonardo Di Costanzo privilégie logiquement les espaces fermés et les visages. Une grande partie de la tension naît de conversations où chaque silence devient suspect. La caméra observe les réactions plutôt que de chercher constamment à les expliquer, laissant au spectateur une place active dans l’enquête.

Le film interroge également la position d’Alaoui. Jusqu’où un criminologue peut-il pousser quelqu’un pour obtenir une vérité ? Faire ressurgir un souvenir constitue-t-il nécessairement un progrès lorsque celui-ci a peut-être été enfoui pour permettre au sujet de survivre psychologiquement ?

Cette dimension permet au récit de dépasser la mécanique du cold case. L’Affaire Zanetti devient progressivement une réflexion sur le pouvoir de celui qui pose les questions. Un entretien n’est jamais totalement neutre : la manière d’interroger peut modifier la manière de raconter.

Inspiré d’une histoire vraie, le film aurait facilement pu céder au sensationnalisme du true crime. Di Costanzo choisit au contraire la retenue. Cette sobriété peut donner à certains passages un rythme volontairement austère, mais elle permet également de maintenir l’attention sur ce qui compte réellement : la confrontation entre deux intelligences et une vérité qui semble changer chaque fois que l’on croit pouvoir la saisir.

Dense, ambigu et remarquablement interprété, L’Affaire Zanetti préfère la tension psychologique aux artifices du thriller judiciaire. Roschdy Zem et Barbara Ronchi se livrent un face-à-face fascinant où chaque question peut devenir une forme de manipulation et chaque souvenir une nouvelle source de doute. Leonardo Di Costanzo signe surtout une réflexion troublante sur la mémoire et sur notre besoin de transformer des événements complexes en vérité définitive. Un thriller cérébral qui pose finalement une question vertigineuse : lorsqu’un souvenir revient, comment savoir s’il révèle enfin la vérité ou s’il en invente une nouvelle ?

La transformation de Kaczynski, prodige de Harvard, en célèbre Unabomber, qui a mené une campagne nationale d’attentats à la bombe aux États-Unis de 1978 à 1995, tuant trois personnes et en blessant 23.Unabomber s’attaque à l’une des trajectoires criminelles les plus marquantes de l’histoire américaine contemporaine en choisissant de remonter aux origines de la radicalisation de Ted Kaczynski. Janus Metz Pedersen ne cherche pas seulement à reconstituer une longue traque policière : il observe comment un jeune homme aux capacités intellectuelles exceptionnelles s’isole progressivement jusqu’à justifier la violence au nom de ses convictions.

Le film suit ainsi la transformation de Kaczynski, passé par Harvard avant de devenir celui que l’Amérique connaîtra sous le surnom d’Unabomber. Pendant près de deux décennies, ses colis piégés vont installer une menace difficilement identifiable et provoquer une gigantesque enquête fédérale.

L’intérêt du scénario de Sam Chalsen et Nelson Greaves réside dans cette volonté de raconter un processus plutôt qu’un monstre déjà constitué. Comment une pensée se referme-t-elle sur elle-même ? À quel moment une conviction devient-elle obsession ? Et surtout, comment un individu finit-il par considérer des inconnus comme des cibles légitimes au service d’une cause qu’il s’est lui-même construite ?

Le danger d’un tel projet serait évidemment de confondre explication et justification. Unabomber prend soin de maintenir cette distinction. Les capacités intellectuelles de Kaczynski et la cohérence qu’il attribue à son propre raisonnement ne diminuent jamais la réalité de ses actes ni leurs conséquences humaines.

Russell Crowe trouve dans cette matière un rôle particulièrement sombre. Son interprétation privilégie moins la démonstration spectaculaire que l’enfermement progressif. L’isolement physique devient le prolongement d’un isolement intellectuel : le personnage construit un monde dans lequel chaque événement semble confirmer ce qu’il pense déjà.

Shailene Woodley apporte un nécessaire contrechamp à cette trajectoire. Son personnage permet au récit de sortir régulièrement de la seule perspective de Kaczynski et d’éviter que le film ne devienne le portrait complaisant d’un criminel transformé en génie incompris. Jacob Tremblay participe quant à lui à l’exploration des années qui précèdent cette radicalisation.

Janus Metz Pedersen privilégie une atmosphère froide et méthodique. Le contraste entre l’immensité des paysages, la solitude de Kaczynski et la peur provoquée à travers tout le pays donne au film une tension particulière. Un homme presque invisible parvient à installer une menace nationale.

Le récit trouve également sa force dans l’opposition entre intelligence et rationalité. Être capable de développer un raisonnement complexe ne signifie pas que ses conclusions soient moralement ou factuellement légitimes. Le film montre précisément comment une pensée peut devenir un système fermé dans lequel la contradiction n’existe plus.

La dimension true crime demeure cependant délicate. Le cinéma possède une tendance naturelle à rendre fascinants les criminels qu’il place au centre de ses récits. Unabomber fonctionne mieux lorsqu’il résiste à cette tentation et rappelle les conséquences concrètes derrière la construction médiatique du personnage.

Certaines étapes biographiques peuvent donner au récit une structure plus conventionnelle, et la volonté d’expliquer la trajectoire de Kaczynski risque parfois de prendre le pas sur ceux qui ont subi ses actes. Mais le film retrouve son équilibre lorsqu’il confronte constamment l’idéologie revendiquée à la violence qu’elle sert à légitimer.

Sombre, méthodique et volontairement inconfortable, Unabomber aborde Ted Kaczynski par le processus de radicalisation plutôt que par la fascination criminelle. Janus Metz Pedersen observe comment l’isolement, l’obsession et une idéologie devenue imperméable à toute contradiction peuvent conduire à la violence. Russell Crowe livre une interprétation inquiétante précisément parce qu’elle évite d’en faire une figure spectaculaire. Un true crime solide qui trouve sa pertinence lorsqu’il cherche à comprendre une mécanique sans jamais transformer cette compréhension en excuse.

Un groupe de vacanciers se retrouve au milieu des marécages de Louisiane poursuivi par un hippopotame.

Hungry ne cherche pas midi à quatorze heures : quelques vacanciers, les marécages de Louisiane et un hippopotame qui a manifestement décidé de transformer leur séjour en cauchemar. James Nunn assume pleinement le principe du survival animalier et mise sur une menace rarement exploitée au cinéma pour renouveler, au moins dans son prédateur, une formule parfaitement connue.

Le scénario tient presque entièrement dans son concept. Un groupe s’aventure dans les marécages avant de comprendre qu’il partage désormais le territoire d’un hippopotame particulièrement agressif. À partir de là, l’objectif devient élémentaire : sortir vivant de cet environnement.

Le choix de l’animal constitue évidemment la principale curiosité de Hungry. Là où le cinéma de survie a largement épuisé requins, crocodiles et autres prédateurs, l’hippopotame possède quelque chose d’à la fois inattendu et presque incongru. Le film joue intelligemment sur cette perception : difficile, au premier abord, d’imaginer l’animal comme une créature de cinéma horrifique, ce qui rend ses premières apparitions d’autant plus efficaces.

James Nunn comprend surtout qu’il ne faut pas chercher à transformer son histoire en drame existentiel. Hungry appartient ouvertement à la série B et s’en porte très bien. On attend des attaques, des personnages coincés au mauvais endroit, quelques décisions catastrophiques et cette traditionnelle question : qui sera encore là au générique de fin ?

Les marécages de Louisiane offrent un excellent terrain de jeu. L’eau trouble empêche de savoir exactement ce qui se trouve à quelques mètres, la végétation réduit la visibilité et chaque déplacement devient potentiellement dangereux. Le décor permet ainsi de retarder l’apparition du prédateur et de construire la tension autour de sa présence plutôt que de constamment le montrer.

Madison Davenport porte efficacement cette lutte pour la survie et apporte suffisamment de crédibilité aux moments les plus physiques. Joaquim de Almeida possède naturellement une présence qui donne un peu d’épaisseur à l’ensemble, tandis que Tracey Bonner participe à une dynamique de groupe indispensable dans ce type de récit.

Car le véritable plaisir du genre vient aussi des réactions humaines face au danger. La peur révèle rapidement les tempéraments, les solidarités deviennent fragiles et les décisions les plus rationnelles ne sont pas nécessairement celles qui sont prises lorsqu’un hippopotame surgit à proximité.

Le film n’échappe évidemment pas aux conventions. Certains comportements sont là pour provoquer l’attaque suivante, plusieurs situations peuvent être anticipées et les personnages restent parfois définis davantage par leur fonction dans le survival que par leur profondeur psychologique.

Mais reprocher à Hungry sa simplicité reviendrait presque à lui reprocher son principe même. James Nunn veut avant tout construire une attraction horrifique efficace, généreuse et légèrement improbable. Lorsque le film accepte pleinement cette dimension, il devient beaucoup plus réjouissant.

Tout repose alors sur le rythme, l’utilisation du décor et la capacité à faire de cet animal massif une présence réellement menaçante. L’hippopotame n’a pas besoin d’être transformé en monstre surnaturel : sa puissance suffit largement à justifier la panique des personnages.

Direct, tendu et délicieusement improbable, Hungry assume sans complexe son statut de série B animalière. James Nunn remplace les traditionnels requins et crocodiles par un hippopotame et transforme les marécages de Louisiane en terrain de chasse particulièrement efficace. Le scénario ne révolutionne absolument rien et certains personnages semblent parfois prendre les mauvaises décisions uniquement pour alimenter le carnage, mais l’essentiel est ailleurs : du suspense, des attaques et un prédateur suffisamment original pour donner envie de participer à cette petite folie. À regarder pour ce qu’il est : un survival animalier généreusement régressif.